Archivo de cine ecléctico

2010-08-29T05:10:00.000-07:00

Amigos y amigas, me mudo a otro blog, con el que empezaré de nuevo mi andadura de críticas cinematográficas. Creo que éste no lo he aprovechado todo lo que debería. El nuevo tendrá más fotos, un texto más cuidado y una imagen "menos sosa". Así que nada, os veo en mi nueva dirección :)

http://cinemagnificus.blogspot.com/

PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO de Gore Verbinski – 2007 – (“Pirates of the Caribbean: At world’s end”)

2010-08-18T08:28:00.000-07:00

La Compañía de las Indias Orientales se ha aliado con el malvado Davy Jones, el demonio de los mares, con un objetivo: erradicar la piratería de todo el mundo. Sólo hay una esperanza: que los grandes jefes piratas se unan para acabar con ellos. Sin embargo, uno de estos jefes falta: el capitán Jack Sparrow, que está atrapado en el mundo perdido de Davy Jones. Will y Elizabeth han de encontrarlo antes de partir hacia la batalla final. El camino que les espera es muy peligroso, pero tienen nuevos aliados: el capitán Barbossa, que ha vuelto del mundo de los muertos, y el capitán Sao Feng, uno de los señores piratas de oriente.

Nadie sabía qué esperar, en el día de su estreno, de esta hasta ahora última parte de las aventuras de los Piratas del Caribe, entre otras cosas porque la anterior, un prólogo de ella, dejaba pocas pistas de lo que podía ser. ¿Un resurgimiento de la saga? ¿Otra película mediocre más o menos divertida? ¿Un nuevo bodrio para la cartelera comercial? Lo último de todo fue, por desgracia, lo que la mayoría del público se encontró. Y una vez más la culpa fue del guión. “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto” tenía también este problema, especialmente por su condición de simple prólogo (de dos horas y media) de la que hoy nos ocupa compuesto por un cuerpo de acción incesante aderezado con unos cuantos apuntes argumentales. Sin embargo, y a pesar de este gran lastre que la hundía casi por completo, resultó ser una película por lo menos coherente. Lo que ya no es “Piratas del Caribe: En el fin del mundo”, un infumable batiburrillo inconexo y precipitado lleno de lagunas argumentales (algunas hasta de bulto). La historia narra la búsqueda del perdido Jack Sparrow por parte de sus amigos y de sus viejos enemigos y el posterior enfrentamiento de todos los piratas de todos los mares contra la flota de la Compañía de las Indias Orientales, que se ha aliado con el malvado Davy Jones. Como se puede observar, la trama es bien simple… Pero una vez más está pésimamente llevada. Si el pecado de la segunda parte de la trilogía era su poca trascendencia argumental, el de la tercera es precisamente el contrario, pero desde el peor de los sentidos: en la segunda se ha contado y resuelto tan poco que hay que soltar todo lo que queda por soltar en la tercera, y además de golpe. Así, la película, que vuelve a tener un metraje de dos horas y media, es, además de una imparable cascada de escenas de acción, también una imparable cascada de hechos, y ahora los que están metidos con calzador son precisamente éstos, que por su cantidad y por su frenético discurrir acaban ahogando al espectador. Pero, por si fuera poco, tiene este guión además una estructura farragosa y gratuitamente retorcida que no ayuda en absoluto a su comprensión. Llega un momento en el que nadie sabe qué está pasando exactamente y quien está en cada bando y por qué. Los personajes también se resienten: de la manera más absurda los guionistas sacan de la historia a caracteres clave de la anterior entrega: el Kraken y el Comodoro James Norrington. Es especialmente estúpida la manera de morir que tiene el primero, que demuestra la pésima planificación que han tenido las dos películas desde un principio. Por otra parte, el nuevo pirata interpretado por Chow Yun-Fat no aporta absolutamente nada a la trama salvo la forzada concesión del título de jefa de su flota a Elizabeth Swann, que, al igual que Will Turner, termina convirtiéndose en una pirata de la manera más tonta. Sin embargo, el desastre más grande viene con la historia de amor de Davy Jones y de Calipso, que se queda completamente colgada después de una vergonzante escena en la que la segunda se convierte en una gigante y explota desatando una tormenta (¿tanta leyenda y tanto cuento con Calipso para esta chorrada?). Jones, por cierto, pierde una notable importancia en la trama: supuestamente es el villano principal, pero su historia personal no avanza y se ve ensombrecido por el líder de la Compañía de las Indias Orientales. Sólo dos personajes conservan algo de frescura: Jack Sparrow, graciosillo, y el capitán Barbossa, acertadamente recuperado. Para terminar, decir que las escenas de acción han perdido inventiva, el humor es menos efectivo y más facilón y hay cabos sueltos por todas partes (el papel de Calipso, la muerte del Kraken, la explicación del “mundo de Davy Jones”, la batalla final en la que sólo lucha el barco de los protagonistas…). Un total desastre. Y otra saga que se cargan vilmente. ¿Por qué siempre tiene que pasar lo mismo?

PIRATAS DEL CARIBE: EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO de Gore Verbinski - 2006 – (“Pirates of the Caribbean: Dead Man’s chest”)

2010-08-17T04:42:00.000-07:00

Antes de casarse, Will Turner y Elizabeth Swann se meten sin quererlo en problemas. La culpa es, una vez más, del capitán Jack Sparrow, que es buscado tanto por sus habituales enemigos de la Compañía de las Indias Orientales como por Davy Jones, el demoníaco capitán del Holandés Errante y señor del lado más oscuro de los mares. Ambos habrán de ayudar a su viejo aliado porque no sólo está en juego su pellejo… Sino el de todo el mundo de la piratería. Davy Jones es el enemigo más terrible al que van a enfrentarse…

Tres años después del enorme éxito de “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra” llegó a los cines su esperada segunda entrega, que era a su vez la primera parte de la tercera, que llegó a las salas al siguiente año. Las dos fueron rodadas a la vez y ambas componen una nueva aventura en la que todos los personajes de la primera parte repiten para enfrentarse (o aliarse) con un nuevo y ciertamente muy carismático villano: otro pirata maldito llamado Davy Jones que está basado en una leyenda nórdica real. Por desgracia, del excelente producto de entretenimiento que fue la película del 2003 queda muy poco en esta del 2006 (y en su continuación, una triste bazofia del todo infumable). Aciertos los tiene, no hay que negarlos, pero no solucionan el principal problema del filme (de éste y del posterior): su guión, no por poco interesante (porque la historia básica que plantea podría haber sido efectiva tratada con otra fórmula) sino por lo pésimamente compuesto que está. Entre los aciertos de “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto” encontramos un mejor desarrollo de todos los personajes, en cuyos pasados se profundiza o a los que se les refuerza con nuevos objetivos para otorgarles un renovado interés; así como un tratamiento de la trama más serio e incluso violento (aunque en ningún momento se deja de lado el humor familiar presente en su antecesora) y un ambiente más cuidado, más oscuro y onírico y por momentos casi rococó (las escenas pesadillescas dentro de la nave de Davy Jones están realmente bien recreadas). Por desgracia, aquí queda todo. “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto” es un prólogo para “Piratas del Caribe: En el fin del mundo”, su continuación directa. La película está estructurada como una interminable sucesión de secuencias de acción frenética justificadas con cuatro o cinco apuntes argumentales. Parece mentira, pero es cierto, y por si fuera poco este prólogo dura más de dos horas. En el filme se presentan a los nuevos personajes, se presenta la nueva trama y se presenta lo que va a ser la tercera entrega de la hasta ahora trilogía. Y punto. El resto es puro relleno, relleno que consiste en acción, acción y más acción gratuita y colocada con calzador: carreras constantes de un lado para otro, un objeto que va sin cesar de un personaje a otro (el corazón del villano) y traiciones y alianzas incesantes y a cada cual más rebuscada. Cualquier excusa es buena en esta película para colocar una escena de acción. Mientras, la trama no avanza y el espectador siente que lo están timando. Y con un timo, como he dicho antes, de dos horas y media (tiradas por la borda, nunca mejor dicho). Lo peor sin embargo es que “Piratas del Caribe: En el fin del mundo” fue aún más infame.

PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA NEGRA de Gore Verbinski – 2003 – (“Pirates of the Caribbean: The curse of the Black Pearl”)

2010-08-16T08:32:00.000-07:00

Cuando la próspera ciudad de Port Royal es asaltada por el temido capitán pirata Barbossa, el destino une a dos hombres muy distintos: al joven herrero Will Turner y al también capitán pirata Jack Sparrow. Ambos parten en persecución de la Perla Negra, el barco en el que viaja el invasor, aunque lo hacen por motivos bien distintos: Will quiere rescatar a Elizabeth, su amada, y Jack quiere “rescatar” a su amada nave, la propia Perla Negra. Aunque pertenecen a mundos distintos, los dos van a tener que colaborar para acabar con Barbossa y sus hombres, prisioneros de una terrible maldición ancestral.

Aunque le falta una personalidad como autor (a la que se acerca con la que para muchos es su mejor obra, “El hombre del tiempo”), nadie puede negarle al estadounidense Gore Verbinski el calificativo de director comercial digno y versátil, lo que en la industria hollywoodiense de nuestros días es ya no mucho, sino muchísimo. Casi todas sus películas han tenido un gran o notable éxito de taquilla y no por ello han resultado ser películas mediocres o bodrios: pertenecientes a una amplia variedad de géneros, han conjugado sin problemas el simple entretenimiento (un objetivo que ya algunos ni son capaces de alcanzar) con una mínima calidad. Gore Verbinski es un excelente artesano a todos los niveles cuyo cine familiar debería servir de ejemplo a muchos. Su filmografía se compone de la comedia “Un ratoncito duro de roer”, de la comedia romántica negra “The mexican”, del remake de la exitosa película de terror “The Ring”, de la comedia agridulce “El hombre del tiempo” y de la trilogía de aventuras “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra”, “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto” y “Piratas del Caribe: En el fin del mundo”.

El género de los piratas llevaba muerto demasiado tiempo, y los intentos de resurrección por parte de la industria habían resultado hasta la llegada de “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra” completamente fallidos. Ni un genial creador como Roman Polanski pudo devolverle la vida con su comedia “Piratas”, que fue un estrepitoso fracaso (a pesar de que, sin ser de sus mejores obras, era bastante divertida), y mucho pudo menos el mediocre Renny Harlin con la infumable “La Isla de las Cabezas Cortadas”, carísima superproducción que se dio otro enormísimo batacazo en las taquillas (uno de los mayores de los noventa junto a “Waterworld”). Basada en una atracción de Disneylandia, “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra” ha sido, además de uno de los mayores éxitos de esta década que no ha terminado, el filme que por fin pudo devolver al ruedo al género del que hablamos (por lo menos por ahora), filme que por supuesto ha tenido dos secuelas, una primera bastante flojita y una segunda, por desgracia, deleznable. Gore Verbinski demuestra en ésta, la primera de la hasta ahora trilogía, una habilidad pasmosa para regalar una película de aventuras “como las de antes” (frase hecha que creo que se ajusta muy bien al caso). Todos los tópicos y lugares comunes del género y de más allá están reunidos en ella: las mencionadas aventuras aparecen mezcladas con la comedia familiar más delirante en una historia de acción frenética muy imaginativa que bebe tanto de los clásicos de Errol Flynn como de grandes e injustamente menospreciadas creaciones de serie B o del cine de acción y humor de los ochenta (la sombra de Indiana Jones es alargada). Dos horas y veinte minutos se pasan en un vuelo entre constantes peligros, batallas, trampas, desastres, enigmas, maldiciones y monstruos que se sitúan en un acertado ambiente de aura romántica y toques barrocos. Los diálogos no son una maravilla (y tampoco pretenden serlo), pero sí que son ocurrentes y acertados en todo momento y se deslizan con una agilidad pasmosa, y el humor, claramente familiar, no resulta por ello estúpido o vergonzante. La trama es simple hasta decir basta, pero interesante desde el primer momento y con toda su información dosificada con gran acierto. Los personajes, muy bien interpretados por un excelente reparto, resultan carismáticos en todo momento (hasta el de Orlando Bloom lo es), aunque haya que destacar el de los capitanes Barbossa y Jack Sparrow (geniales Geofrey Rush y Johnny Depp). La casi total falta de pretensiones eleva el conjunto más si cabe, un conjunto explosivamente disfrutable, un seguro de un gran rato de diversión sin nada más. Película comercial por encima de la media que, tristemente, nos estamos acostumbrando a encontrar en las grandes salas.

PEQUEÑA MISS SUNSHINE de Jonathan Dayton y Valerie Faris – 2006 – (“Little Miss Sunshine”)

2010-08-13T05:23:00.000-07:00

Los Hoover al completo (padres, hijos, abuelo y tío) se ven obligados a hacer un viaje relámpago a California para que Olive, la más pequeña de la casa, cumpla su sueño: participar en el famoso concurso de belleza infantil Pequeña Miss Sunshine. Durante el viaje, los distintos caracteres de los miembros de la familia chocan. Todos excepto Olive viven decepcionados y hastiados de sus vidas. Sin embargo, todos van a tener que luchar por mantenerse unidos, lo único que los va a salvar.

El matrimonio real y artístico conformado por Jonathan Dayton y Valerie Faris posee una amplia y muy reconocida carrera en el mundo de los videoclips. Además del programa de la MTV “The Cutting Edge”, han dirigido para Red Hot Chilli Peppers, REM, The Smashing Pumpkins, Jane’s Addiction, Janet Jackson, Macy Gray, Oasis, Weezer o los Ramones. Su primer largometraje es “Pequeña Miss Sunshine”.

“Pequeña Miss Sunshine” conjuga a la perfección la comercialidad de cara a las salas de cine y la narración de una historia con hondura que, a pesar de tener un tono amable en todo momento, no deja de estar cargada de lúcidas ironías. El filme presenta a una familia normal y corriente de clase media norteamericana que ha de realizar un inesperado viaje relámpago a California para que la hija pequeña, el único personaje sano y no tocado por la decepción de todo el grupo, cumpla su sueño: participar en un concurso de niñas modelos muy exigente y esnob. Dicho viaje desatará los conflictos que todos llevan arrastrando años y propiciará los roces entre los protagonistas de la cinta. Hay que señalar que el gran atractivo de “Pequeña Miss Sunshine”, aparte de en un guión tan inteligente (y cruel por breves momentos) como tierno llevado por Dayton y Faris con una agilidad tremenda, reside en las magistrales interpretaciones de todo su elenco protagonista. La pequeña Abigail Breslin realiza un papel memorable como la niña de la familia (con lo difícil que esto resulta), mientras que los que le rodean brillan con esplendor: Greg Kinnear lo hace como el padre mediocre y fracasado pero obsesionado con el triunfo, Toni Collete lo hace como la madre comprensiva pero a la vez agotada, Alan Arkin reluce como el abuelo hedonista pero entregado en cuerpo y alma a su nieta, Paul Dano como el hijo adolescente perdido y hastiado y Steve Carell como el tío homosexual depresivo. Sin ellos, nada habría sido lo mismo. Hay que sumar, además, el mencionado guión, amable pero, como he dicho, lúcido, inteligente e irónico (con lugar para los momentos optimistas y felices y, también, para los patéticos) y el ritmo que hilvana toda la trama. “Pequeña Miss Sunshine” es una excelente road movie familiar sobre los sueños y las ilusiones perdidas, encontradas y reencontradas y sobre la unión de la familia ante toda adversidad (a pesar de este mensaje que guarda el filme, no está tratado el asunto central de una forma ñoña o sensiblera ni con moralina, como tantas veces se ha hecho).

ORIGEN de Christopher Nolan – 2010 – (“Inception”)

2010-08-08T04:31:00.001-07:00

Dom Cobb posiblemente sea el mejor maestro del mundo del arte de la extracción, el arte de apoderarse de los secretos del subconsciente de las personas mientras están soñando. Es codiciado en todo el planeta por sus servicios, pero también es un fugitivo internacional que no puede volver a los Estados Unidos, su país, al estar allí acusado de haber hecho algo horrible con su mujer que en realidad no hizo. Pero Dom tiene ahora la oportunidad de rehacer su vida en una misión especial que tiene que ver con una gigantesca e importante empresa y un terrible conflicto paterno filial. Dom, acompañado de su equipo, se lanza a este sueño...

Christopher Nolan siempre ha sido un cineasta con gran gusto por los dilemas y los juegos metafísicos, lo que se puede comprobar en obras como "Memento" o "El truco final". Tal vez su obra "definitiva" (hasta hoy por lo menos) en lo referente a estos dilemas sea la excelente y recién estrenada "Origen", que somete al espectador a un tenso descenso a los diversos niveles del subconsciente mezclando el thriller, la aventura fantástica y la acción pura y dura en un efectivo mix de géneros en el cual también hay lugar para una maravillosa historia de amor y otra de relaciones paterno-filiales. Nolan reflexiona sobre las relaciones entre la realidad y el sueño y sus naturalezas y sobre la posibilidad de la existencia de distintas realidades (en lo cual interviene poderosamente lo subjetivo -y lo obsesivo-) y de que dichas realidades terminen tanto solapándose como alejándose las unas de las otras de manera radical. Lo puramente metafísico se une además a otra reflexión sobre los sentimientos y las reacciones humanas y emocionales que la existencia "real" de la mencionada telaraña metafísica podría suscitar. "Origen" habla definitivamente, tras el envolvente juego que propone al espectador, de la necesidad de escapar que todos alguna vez hemos tenido hacia el mundo de los sueños y de cómo dicho mundo puede terminar suplantando al real. Y también de la posibilidad, dolorosa pero necesaria cuando se traspasa el límite, de volver o por lo menos de buscar "lo verdaderamente verdadero". Todo juego metafísimo está sometido por supuesto a ciertas trampas (aunque Nolan las esquiva con limpieza y dignidad casi todas) y a cierta polémica (no todos van a coincidir con la visión metafísica del que lo expone -a algunos les parecerá un timo-), pero "Origen" es, en este aspecto, coherente (pienso) y no trata de engañar al espectador. Por otra parte, sus espectaculares efectos especiales están justificados y no son abusivos en el artificio, mientras que el reparto del filme es destacadísimo, encabezado por un como siempre gran Leonardo DiCaprio al que acompañan geniales secundarios (todos). Una muy notable película es la nueva propuesta de Christopher Nolan después de su soberbia y alabadísima "El Caballero Oscuro".

MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS de Rob Letterman y Conrad Vernon – 2009 – (“Monsters Versus Aliens”)

2010-08-06T13:31:00.000-07:00

La vida de la joven californiana Susan era perfecta: estaba a punto de casarse con su novio, un presentador de televisión de gran éxito, y de marchase a París a vivir su luna de miel. Sin embargo, todo se va al garete cuando un meteorito le cae encima y la transforma en Genórmica, una mujer enorme y con una fuerza inmensa. Para colmo, el gobierno de su país, tras encerrarla, la requiere para que salve a la Tierra de unos alienígenas que planean invadirla. Susan se une a la masa B.O.B, al Doctor Cucaracha, al hombre pez Eslabón y a la larva de 100 metros Insectosaurio para salvar al planeta y... Contra todo pronóstico, descubre junto a ellos que su vida anterior era una completa farsa.

“Monstruos contra Alienígenas”, la segunda película que dirige Rob Letterman tras “El Espantatiburones” y también la segunda que dirige Conrad Vernon tras “Shrek II” es un espectáculo visual (en 3D visión estereoscópica) impresionante que, además, combina muy bien dicha espectacularidad con una gran dignidad como comedia infantil y juvenil con toques adultos y con un humor inteligente y lleno de referencias cinéfilas (desde “Una verdad incómoda” de Al Gore hasta “Mars Attacks!” de Tim Burton) sustentado en un delicioso homenaje a la ciencia ficción y al pulp clásico. Un grupo de variados monstruos se enfrentan a los alienígenas que quieren invadir la Tierra (pulpos cabezones e intelectuales, por supuesto) y eso da lugar a un conjunto de hilarantes situaciones cómicas que divierten muchísimo (demasiadas películas de la nueva hornada de animación en 3D no lo logran), a unas escenas de acción bien ideadas y montadas y a una historia de autosuperación, de amistad y de lucha contra los convencionalismos de la mediocridad protagonizada por freaks amigos de los niños muy vista pero que se sostiene sin caer en excesivos tópicos. Lo mejor de “Monstruos contra Alienígenas” viene de la mano de sus protagonistas, los que, en gran parte, salvan a la película de caer en la simple mediocridad a pesar de su buen hacer (que no sería suficiente sin estos mencionados protagonistas). Una sufriente jovencita ansiosa por casarse se transforma en una mujer gigante y superpoderosa que hace referencia directa a “El ataque de la mujer de 50 pies” y se hace amiga de una masa bastante ingenua que remite a “The Blob”, de una inteligentísima cucaracha científica que parodia a “La mosca”, de un hombre pez que hace lo propio con “La cosa del pantano” y de un aberrante insecto enorme al más puro estilo “Godzilla”, “King Kong” o “Gamera”. Por supuesto, les acompañan los militares que les esconden de la sociedad en el Área 51 y que no podían faltar. “Monstruos contra Alienígenas” es una comedia muy digna y muy divertida.

UN FUNERAL DE MUERTE de Frank Oz – 2007 – (“Death at a Funeral”)

2010-08-03T08:36:00.000-07:00

Una rica familia inglesa prepara el funeral del fallecido padre en su gran casa de la campiña. Todo está listo para el solemne momento y, poco a poco, los invitados van llegando. Todo tiene que salir perfecto. Sin embargo, los problemas no hacen más que proliferar: vuelven a surgir las rencillas entre los hermanos, algunos miran mal a las parejas de los otros, alguien toma drogas sin quererlo, estallan rivalidades y aparece de la nada un apuesto enano que asegura ser… el amante del muerto. El caos ha llegado a la casa.

Frank Oz continuó su carrera en 2007 con la humildad y el buen hacer que ha caracterizado a casi toda su filmografía con “Un funeral de muerte”, una divertida comedia que hace un homenaje a la comedia clásica inglesa de situaciones tanto en su brillante estética (preciosa la fotografía) como en su estilo limpio, conciso y directo que sin embargo se desquicia en los momentos clave para terminar resultando alocado y nervioso. La excusa es simple y la hemos visto ya en muchas otras ocasiones: el funeral de un viejo padre de familia sirve para destapar, por medio de constantes y locas peripecias, el mundo oculto que late en esa propia familia, adinerada, hipócrita, clasista y algo esnob y residente en la habitual (como no) gran mansión de una campiña de las profundidades del Reino Unido. El protagonista es coral y está excelentemente interpretado, mientras que los gags beben del mencionado humor inglés, de cierto humor absurdo, del humor negro y ligeramente del slapstick y del humor zafio, que aparece representado con formas refinadas conscientemente para hacer al conjunto más desternillante si cabe. Con una más que solvente agilidad y con un gran pulso Oz va revelando todos los secretos de la familia protagonista y de sus allegados más próximos, secretos que en su mayoría el espectador descubre junto a los propios personajes. Se repasa así, con un ojo muy agudo, un gran número de asuntos: los mencionados clasismos, hipocresías y esnobismos varios, los prejuicios, las drogas, la homosexualidad vista como una vergüenza y las relaciones amorosas desaprobadas en general. El tono satírico empleado para tratar estos asuntos es ácido en todo momento, aunque en líneas generales “Un funeral de muerte”, como otras cintas de su autor, se muestra básicamente amable ante la crítica social que lanza (lo que no quita que resulte una crítica inteligente), amabilidad que queda ensalzada con el apropiado final feliz, esa amabilidad que tanto le critican al cine de Frank Oz. Muy recomendable a pesar de todo para pasar un buen rato con ironías, elegancia que encubre decadencia y delirantes gags.

APPALOOSA de Ed Harris – 2008 – (“Appaloosa”)

2010-07-30T04:14:00.000-07:00

El policía federal Virgil Cole y su socio Everett Hitch, justicieros nómadas, se instalan temporalmente en el pequeño pueblo de Appaloosa para arrestar al ranchero corrupto y violento Randall Bragg, que con su grupo de forajidos tiene al lugar sumido en el terror y que ha asesinado sin piedad al anterior sheriff. Virgil y Everett van a experimentar un cambio radical en sus vidas: se van a asentar en Appaloosa, en donde Virgil va a encontrar el amor, y se van a destacar como los nuevos defensores del pueblo. Sin embargo, esta decisión puede tener terribles consecuencias para ellos: su amistad puede verse rota por las circunstancias que están a punto de vivir en su lucha contra Bragg.

Aunque es sobradísimamente conocido como actor, en su faceta de director Ed Harris ha dirigido hasta la fecha dos películas; el biopic del pintor Jackson Pollock “Pollock” y el western “Appaloosa”, ambas muy destacadas e interesantes. Aún así, es todavía muy pronto para valorar su filmografía, en estos momentos demasiado escueta aunque prometedora.

Basada en la novela homónima de Robert B. Parker, “Appaloosa” es el segundo filme de Ed Harris como director y un excelente western que rescata lo mejor del género en su vertiente más clásica sin renunciar a un realismo de corte épico pero también brutal y sin concesiones. Unos excelentes Ed Harris y Viggo Mortensen (especialmente éste brilla con luz propia ante las cámaras) dan vida a dos justicieros que se establecen en el pequeño pueblo que da nombre al filme para enfrentarse a un grupo de rancheros que actúan al margen de la ley comandados por un también genial Jeremy Irons. Allí, casi sin buscarlo, se terminan estableciendo y desarrollando sus nuevas vidas junto a la mujer que se queda al lado del personaje de Harris y que está interpretada por una igualmente excelente Renée Zellweger. En su nueva vida, la amistad de los dos protagonistas (la amistad es el asunto central del filme) se pondrá a prueba: tendrán que dejar la existencia nómada que les unía, tendrán que luchar juntos contra los forajidos usando las armas y también las leyes, tendrán que demostrarse la confianza mutua que se profesan cuando las inseguridades de una mujer aterrada las ponga en duda y tendrán que enfrentarse al hecho de que los criminales que combatieron, tras pasar de criminales armados con pistolas a criminales armados con la corrupción, puedan llegar a resultar aceptados por una sociedad hipócrita, pusilánime e interesada. En un estilo de corte clásico, pausado y poético pero siempre anclado en el realismo, Ed Harris construye una fantástica película sobre las mencionadas confianza y amistad, sobre la violencia, la cobardía, el miedo, la hipocresía y la corrupción que contiene escenas verdaderamente antológicas como el duelo final (magistralmente resuelto), el combate contra los indios o la lucha a disparos cercanos a bocarrajo en Mexico (precisa, brutal, impactante y alejada de efectismos baratos). El elenco actoral, como he comentado, brilla con luz propia y, especialmente, lo hace un Viggo Mortensen inspiradísimo y con un carisma apabullante. “Appaloosa” es un genial western en todos los aspectos y una de las más bellas historias de amistad, compañerismo y sacrificio en una sociedad inhumana de 2008.

UN PUENTE HACIA TERABITHIA de Gabor Csupo – 2007 – (“Bridge to Terabithia”)

2010-07-27T06:40:00.000-07:00

Jesse es un chico tremendamente imaginativo y amante del dibujo y de las carreras que no se siente integrado ni en su colegio ni en su casa. Todo cambia cuando llega al vecindario Leslie, una chica que comparte sus mismos intereses. Junto a ella, construirá una cabaña en un árbol y, en las profundidades del bosque, vivirá grandes aventuras imaginarias. Sin embargo, un hecho terrible le hará volver al mundo real… Al que tendrá que enfrentarse.

El cineasta, restaurador y músico húngaro Gabor Csupo es uno de los nombres más importantes de la animación actual. Junto a su mujer, la estadounidense Arlene Klasky, fundó la compañía Klasky Csupo, que se ocupó de animar varias temporadas de las series “Los Simpsons”, “Los Rugrats” o "Ah!!!!!! Real Monsters", además de los largometrajes basados en la última de ellas. Su primera película para la gran pantalla fue la muy irregular aunque interesante “Un puente hacia Terabithia”, a la que siguió el filme de animación "Inmigrants" y el nuevo filme para niños "El secreto de la última Luna".

“Un puente hacia Terabithia” está basada en la famosa y premiada novela homónima de Katherine Paterson, y estuvo en su día también claramente orientada a aprovechar en las taquillas el tirón de sagas fantásticas de los últimos años como “El Señor de los Anillos”, “Harry Potter” o “Las Crónicas de Narnia”. La película, orientada a un público infantil y muy juvenil, trata de ser una obra digna destinada a este mismo público, cosa que básicamente consigue, aunque de ahí no pasa. Narra “Un puente hacia Terabithia” (uno de los reinos mencionados en los libros de Narnia) la historia de Jesse y Leslie, dos niños llenos de inventiva que están a punto de entrar en la adolescencia y que, inadaptados y marginados en su colegio y también en su hogar (el chico especialmente en el segundo), inventan un mundo mágico en las profundidades del bosque que hay cerca de sus casas, en donde, en una cabaña en un árbol, viven aventuras imaginarias enfrentándose a toda clase de seres fantásticos extraídos de cuentos y narraciones como las mencionadas de Tolkien, Rowling o Lewis. La vida feliz que llevan, sin embargo, se les hunde con una inesperada tragedia que les devuelve al mundo real. La novela fue escrita originalmente para el joven hijo de su autora, que había perdido a uno de sus mejores amigos. Por ello, la trama no consiste en que los protagonistas se enfrenten a las fuerzas del mal, ni en que tengan que buscar un tesoro o salvar a un pueblo oprimido, sino en el paso a la madurez de éstos, por lo que el filme se muestra ciertamente fresco en, por lo menos, este aspecto (especialmente cuando sorprende hasta cierto punto con el giro argumental que desencadena la mencionada tragedia -y que no desvelo-). Por desgracia, aquí se queda casi todo. Hay que destacar unos buenos efectos especiales, unas buenas actuaciones de los dos jóvenes protagonistas y un aceptable manejo del drama. El resto de la película es completamente mediocre: argumento lineal, seres mágicos sin demasiada inventiva y personajes y acciones predecibles. Cierto es que es una cinta destinada para niños y que posiblemente muchos de estos niños no pidan nada más. Sin embargo, hubo otras épocas en las que incluso las películas para niños tenían una gran sensibilidad y madurez. “Un puente hacia Terabithia” se queda en el camino de esa sensibilidad y esa madurez. Trata un asunto duro, crudo incluso, pero no sabe llevarlo por un cauce ni duro, ni crudo, ni artístico y ni siquiera imaginativo.

JFK. CASO ABIERTO de Oliver Stone – 1991 – (“JFK”)

2010-07-20T04:43:00.000-07:00

1966. Nueva Orleans. El fiscal Jim Garrison comienza a investigar uno de los asesinatos más misteriosos del siglo: el del presidente de los Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy. Estudia archivos, viejos casos, realiza entrevistas. Muy pronto, hace sus averiguaciones, y está casi seguro de que todo fue obra de una oscura conspiración en la que podía haber intervenido el FBI, la CIA y hasta el propio vicepresidente Lindon B. Johnson. Muy pronto, también, comienza a ser investigado y amenazado. Pero no piensa echarse atrás hasta descubrir y mostrar la verdad.

Uno de los cineastas más controvertidos del nuevo cine norteamericano es sin ninguna duda Oliver Stone. Quiso ser escritor, y se inició en el mundo del séptimo arte con los guiones de películas míticas de otros directores como “El expreso de medianoche”, “Conan, el bárbaro”, “El precio del poder” o “Manhattan Sur” hasta que pasó a dirigirlos con “Seizure”. Oliver Stone ha sabido, dentro de un ámbito muy comercial, realizar un cine puramente de autor, de estilo a menudo muy efectista, lleno de impactante crudeza expositiva, de violencia y sexo descarnados y de contundentes y lúcidos mensajes críticos. Desde una postura de amor a su país, no ha dejado de mostrar todos los entresijos de sus muchas caras oscuras. Ha cultivado el drama social y el drama político, histórico y/o revisionista, con los que ha repasado con un ojo muy agudo y a menudo sin piedad la Norteamérica de su pasado más reciente y de su presente, lo que le ha llevado a algún que otro escándalo y a muchas críticas. Lo ha hecho además con el mencionado estilo comercial que ha sabido cultivar como nadie y con el que ha atraído a todo tipo de público a las salas, estilo que también ha propiciado muchas críticas, ya que se le ha acusado de querer realizar un cine social y político desde dentro de la industria. Después de “Seizure”, dirigió Stone un thriller de terror, “La mano”, tras el cual entraría de lleno en su cine social y político con “Salvador”, sobre las tragedias de las guerras y las dictaduras de Centroamérica. Traumatizado por el infierno que vivió en la Guerra de Vietnam, a la que, según él, acudío “de derechas y volvió de izquierdas”, realizó después la primera entrega de su trilogía sobre esta contienda: “Platoon”, una de sus obras maestras. Después llegaron “Wall Street”, sobre el mundo de los corredores de bolsa; “Hablando con la muerte”, sobre el mundo de la radio; “Nacido el 4 de Julio”, su segundo volumen sobre el Vietnam; “JFK. Caso abierto”, sobre el asesinato de John F. Kennedy; “The Doors”, biopic del gran grupo de rock; “El cielo y la tierra”, volumen final de la trilogía del Vietnam; “Asesinos natos”, sobre la cultura de la violencia en los USA; “Nixon”, sobre el referido presidente; “Giro al infierno”, un thriller kafkiano más convencional; “Un domingo cualquiera”, thriller sobre el mundo de los deportes; “Persona non grata”, documental sobre el conflicto entre Palestina e Israel; “Comandante” y “Looking for Fidel”, documentales sobre el dictador de Cuba Fidel Castro, “Alejandro Magno”, biopic sobre el gran conquistador de la Antigüedad; "World Trade Center", drama sobre los supervivientes del 11-S; la suerte de biopic sobre la figura de George W. Bush "W." y el documental sobre Hugo Chávez "Al sur de la frontera".

“JFK. Caso abierto” es, si no la mejor película de Oliver Stone, una de sus más impresionantes obras maestras y una de las más grandes películas de su década en los USA. Basándose en el “Informe Garrison” (fiscal al que interpreta un genial Kevin Costner, acompañado de un elenco de verdadero ensueño), realiza el cineasta un monumental thriller judicial con escenas puramente documentales e imágenes de archivo en el que saca a la luz sin concesiones los sombríos resultados de los muchísimos años de trabajo de muchas de las personas implicadas en el caso y de él mismo para intentar realizar un fresco lo más completo posible sobre todo lo que rodeó al asesinato del presidente Kennedy, uno de los más misteriosos de todo el siglo pasado. La maraña de datos está distribuida de una forma limpia y precisa, ordenada con precisión milimétrica y cimentada para su exposición en un soberbio montaje y en un pulso narrativo inimitable que consiguen que tres horas de complejo metraje se pasen en un vuelo. La vida de Garrison, como las de su familia o sus colaboradores, se convierte en un infierno: hay fuerzas que luchan para que no consiga descubrir la verdad. Hay en los USA todo un mundo de oscuridad y miedo, todo un engranaje de corrupción que permite que casos como este se queden en las sombras para siempre. Es lo que finalmente ocurre: tras tantos datos, tras tantos juicios, tras tantas investigaciones, todo queda en el aire. No hay conclusiones. Sigue existiendo un velo por encima de este caso, caso que por cierto estuvo a punto de ser reabierto por la Administración Norteamericana ante la tremenda polémica que planteó “JFK”, que fue atacada, desacreditada y vilipendiada sin piedad.

AL ROJO VIVO de Raoul Walsh – 1949 – (“White Heat”)

2010-07-16T05:44:00.001-07:00

Cody Jarret es un gangster despiadado y brutal que sueña con llegar a lo más alto en su vida, a la cumbre del poder. No le tiene miedo a nada ni a nadie, y elimina sin contemplaciones a todo el que se interpone en su camino o le estorba. Únicamente respeta a su posesiva madre, que le domina en la sombra. Cuando con su banda asalta un tren y se lleva trescientos mil dólares, es detenido y encarcelado. No le preocupa: tiene una coartada. Sin embargo, la policía ha tenido en cuenta sus planes y le está preparando una desagradable sorpresa.

“Al rojo vivo” no sólo es una de las obras maestras imprescindibles del gran Raoul Walsh, sino que es una de las obras maestras imprescindibles de la historia del cine y del cine negro en particular. En ella se nos narra la brutal desventura de Cody, un gangster que lucha por conseguir llegar a lo más alto, a la cima del sueño norteamericano, y que emplea para ello todas las armas que encuentra a su alcance (generalmente las de la violencia en todas sus formas), lo que le termina por convertir en un ser monstruoso, en un muerto en vida. Éste gangster, interpretado por un inolvidable James Cagney en un absoluto estado de gracia (es uno de sus papeles más soberbios), simboliza el individualismo más radical al que el mundo moderno aboca a sus habitantes, individualismo que únicamente encuentra un obstáculo: el de una figura materna férreamente dominante y terrible (mil veces satirizada), figura que a su vez alimenta este mismo individualismo y que ha ayudado a crearlo como canalizadora de las exigencias de una sociedad implacable en la que sólo sobreviven los más fuertes. “Al rojo vivo” sigue, por medio de una trama lineal abocada al fatalismo más extremo, la lucha de Cody con hacerse con sus sueños y su caída acorralado como un perro, caída que ha sido vista tanto como mensaje moralista como crítica inmisericorde a los valores del momento (valores que no han cambiado nada por desgracia). El filme, potente, impactante, sangriento y despiadado, ejerce sobre el espectador una violencia física y psíquica que todavía hoy sorprende, al igual que ocurre con obras magnas emparentadas con ésta temática y argumentalmente como “Scarface”. Cody, en su camino a la cumbre, pisotea a todo el que se le cruza o le resulta una molestia, y ni sus propios amigos se libran de su crueldad y de su total indiferencia al sufrimiento ajeno. Todo, como he dicho, le pasa factura. Al sueño americano llegan muy pocos, y los caminos más cortos hacia su seno son los de la destrucción de los demás y de uno mismo. El antológico desenlace de esta maravilla lo dice todo.

EL RETRATO DE DORIAN GRAY de Oliver Parker – 2009 – (“Dorian Gray”)

2010-07-14T04:50:00.001-07:00

El joven y atractivo Dorian Gray vuelve a su Londres natal para, tras haber pasado su infancia en el campo, heredar la gran fortuna de su padre y su mansión. En la capital inglesa Dorian se hace pronto amigo del bondadoso pintor Basil y del desconsiderado vividor Lord Henry, que le sumerge en un mundo de libertinaje absoluto en el que triunfa gracias a su belleza y juventud. Sin embargo, Dorian cada vez es más consciente de que algún día esta belleza y juventud desaparecerán. Sus deseos de ser joven para siempre son entonces proyectados en el hermoso cuadro que Basil ha realizado de él. Comienza la gran aventura de Dorian Gray y, también, su gran pesadilla.

El bastante irregular director inglés Oliver Parker se mueve entre filmes dignos y mediocres y todavía no ha desarrollado una personalidad completa como autor. Su filmografía, en la que hay bastantes adaptaciones de clásicos de la literatura (muchas de Oscar Wilde, el cual pienso que le apasiona debido a todas las veces que le ha revisitado), se compone de su versión de "Otelo", de sus versiones de las obras de Wilde "Un marido ideal" y "La importancia de llamarse Ernesto", del thriller sobre metacine "Fundido a negro", de las comedias "I really hate my job", "Supercañeras" y "Supercañeras II" y de la nueva versión de "El retrato de Dorian Gray".

Estrenada ahora en las salas españolas (no sé por qué, ya que la película es del pasado año 2009), esta nueva versión de "El retrato de Dorian Gray" ofrece giros interesantes en el mito joven inmortal y de su cuadro maldito pero no llega a ser un producto completo debido a que no desarrolla completamente (lo olvida en favor de las "novedades") los pormenores de la clásica historia de Oscar Wilde. Dorian Gray (un correcto Ben Barnes) lleva ahora su historia más allá y vive, tras viajar por el mundo haciendo gana de su juventud eterna, una época de cambios que deja atrás su ambiente victoriano. Este planteamiento sería interesante si estuviese bien desarrollado. Pero no lo está: dos de los personajes clave de la trama, Sybil Vane y Basil Hallward (buenos Rachel Hurd-Wood y Ben Chaplin), no tienen todo el peso que deberían tener y no se proyectan con suficiente fuerza en el futuro de Dorian. E insisto: son dos personajes clave sin los cuales la obra pierda mucho sentido (especialmente Sybil Vane se echa muchísimo en falta, ya que parece no ser más que una anécdota). Por otra parte, la película termina resultando un filme "de aura de terror" al uso con carreras finales e incendio incluido en el cual, además, el personaje de Lord Henry (buen Colin Firth) pierde casi de golpe toda su idisincracia cínica y por momentos inhumanamente egoísta para intentar pararle los pies a Dorian. Detalles buenos si tiene el filme: el no mostrar el cuadro hasta el final es acertado (aunque es lo poco sugerente que posee la obra) y el poder desarrollar explícitamente (con hechos) la atracción homosexual entre Basil y Dorian (porque los tiempos de hoy lo permiten, vaya) son dignos de reseñar. Pero el conjunto se pierde finalmente en lo mediocre debido a los fallos antes mencionados. Esta nueva versión de "El retrato de Dorian Gray" no es una mala película (es entretenida y por lo menos conserva dignidad alejándose de la ridiculez), pero eso no la salva de ser olvidable. Y es una pena, sobre todo teniento en cuenta que Oliver Parker, su director, tiene gran experiencia adaptando a Oscar Wilde o, por lo menos, debería tenerla.

FURIA DE TITANES de Louis Leterrier – 2010 – (“Clash of the Titans”)

2010-07-07T14:40:00.000-07:00

Siendo un bebé, Perseo, fruto de la unión de Zeus y de la esposa humana del Rey Acrisio, es salvado por este mismo dios de morir ahogado en los mares después de que el mencionado Acrisio le arrojase a las aguas en un cofre junto a su madre. Tras una infancia feliz a salvo de todo mal y cuidado por una bondadosa familia de pescadores, Perseo es testigo de cómo el pérfido dios Hades acaba con su padre, su madre y sus hermanos y jura vengarse de los dioses. Él no lo sabe, pero está destinado a ser un gran héroe y a salvar al Reino de Argos y a su princesa de la amenaza del propio Hades y de su más terrible criatura, el gigantesco Kraken.

Louis Leterrier es un director de cine de acción irregular que hasta ahora no ha despuntado con ningún filme artísticamente hablando (aunque ha roto taquillas con obras como las dos primeras entregas de "Transporter"). Su filmografía se compone de "Transpoter", "Danny The Dog", "Transporter II", "El increíble Hulk" (tal vez su mejor película, lejos de la incomprendidísima versión de Ang Lee pero muy destacada en todos los aspectos) y "Furia de Titanes".

El remake de la que fue la última película con efectos especiales de Harry Harryhausen, tras haberse hecho esperar casi tres décadas (extraño, porque miren que ofrecía posibilidades de revisitación) ha llegado este año a las salas en lo que es una versión horrenda de su mencionada obra de inspiración. La "Furia de Titanes" de 1981, a pesar de contar con un argumento muy simple y con unos actores bastante mediocres (cuando no malos), tenía a su favor el encanto del "stop motion", que, aunque muchos tachen de "envejecido" (yo pienso que las cosas hay que valorarlas en su momento, porque es en su momento cuando significaron algo), nos permitió disfrutar de monstruos y seres fantásticos llenos de encanto. La película de Louis Leterrier tiene todos los defectos de la de Desmond Davis... Sin aquel encanto para colmo, porque la Medusa, el Pegaso o el Calibo de ésta son meros emplastes de efectos especiales al kilo que no son "palpables" y que no están hechos con cariño (sí queda resultón el cachondo homenaje al búho metálico Bubo, pero poco más). El aspirante a nueva estrella (del cine de acción por lo menos) Sam Worthington (muy destacado en "Terminator Salvation" o en "Avatar" y próximo a protagonizar una nueva versión de "Drácula" y la secuela de esta "Furia de Titanes" -sí, como lo oyen... miedo me da-) es aquí igual de anodino o incluso más que el Harry Hamlin de la primera versión (su inicial rebeldía contra los Dioses, lo que lo hacía más atractivo, termina además siendo vencida por un aburrido pacto con Zeus), mientras que la trama sigue siendo simplona aunque viene ahora aderezada con tontos secundarios cómicos y con escenas aún más improvisadas y hasta incoherentes. Y para colmo, los efectos especiales no son, como he mencionado, nada atractivos (únicamente salvo al Kraken, genial y temible en toda su agobiante y bien conseguida enormidad). Hasta el principal logro de la primera versión, el combate contra la Medusa, ha perdido gancho. "Furia de Titanes 2010" es anodina y no tiene sorpresas de ningún tipo. ¿Tan dificil es hacer una buena película de aventuras? ¿Tan dificil es ponerle un poquito de cariñito a las cosas?

FURIA DE TITANES de Desmond Davis – 1981 – (“Clash of The Titans”)

2010-07-07T13:39:00.000-07:00

Siendo un bebé, Perseo es salvado por Zeus de morir ahogado en los mares después de que su pérfido abuelo, el gobernador de Argos, le arrojase a las aguas en un cofre junto a su madre. Tras una infancia feliz a salvo de todo mal, Perseo es misteriosamente desplazado lejos de su hogar por alguna fuerza que no comprende. Equipado con armas que los dioses le han regalado por orden de Zeus, Perseo, que aún no lo sabe, está destinado a ser un héroe y a salvar a una princesa y a todo un reino de una diabólica maldición.

La que es la más conocida película del irregular director Desmond Davis (destacado sobre todo por trabajos para la televisión) y la última en la que el gran Harry Harryhausen (maestrísimo de los efectos especiales autor de los de maravillas como "La isla misteriosa", "Jasón y los Argonautas" o "Hace un millón de años") fue "Furia de Titanes", filme que ahora cuenta con un horrendo remake que aún se conserva en algunas salas y filme que me resulta, a pesar de la simpleza de su argumento, del todo encantador. Aunque muchos le critican haber envejecido mal, el "stop-motion" de esta cinta, junto a sus escenarios y a su áura épica algo ingenua pero sugerente, sigue manteniendo, por lo menos desde mi punto de vista, un gran poder de evocación. Basada bastante libremente en el mito de Perseo, "Furia de Titanes" es una excusa para desatar sin cesar escenas de acción y para monstrar monstruos y seres mitológicos tras cada esquina. Si bien estos referidos seres fantásticos no son de lo mejor que ha hecho Harryhausen (que se debate entre excelentes diseños como la Medusa, el Pegaso, el Kraken o el inolvidable buho metálico Bubo y entre auténticos "pegotes" como el irreal buitre gigante o los simplones escorpiones), pienso que cumplen con su cometido de prometer una divertida sorpresa en cada escena. Y en eso consisten películas como esta, en las que la diversión está servida sin prejuicios. La trama es simplona y los actores no son todo lo buenos que podrían haber sido (y Perseo, interpretado por el conocido en "La Ley de los Ángeles" Harry Hamlin, no tiene carisma ninguno), pero "Furia de Titanes" no deja de ser entretenidísima y, como he dicho, evocadora. Fracaso de taquilla que no pudo competir contra la estela e influencia de obras como "Alien. El Octavo pasajero", "En busca del Arca Perdida" o las dos primeras entregas de "Star Wars" (sobre todo éstas) y denigradísimo filme a pesar de ser también de culto entre muchos amantes del cine fantástico (los numerosísimos videoclubs de los ochenta, el boca a boca e Internet la llevaron a este extraño podio), la última obra de Harry Harryhausen no es una maravilla en absoluto, pero tampoco es ese horror, pienso, que tantos dicen que es. Y además, cuenta con una escena de acción que pienso que es genial (y no soy el único): el combate contra la Medusa, verdaderamente estremecedor, emocionante y espectacular.

LA ROCA de Michael Bay – 1996 – (“The Rock”)

2010-07-07T11:48:00.000-07:00

La antigua cárcel de Alcatraz ha sido tomada por un grupo militar al mando del veterano de guerra Francis X. Hummel, que además tiene en su poder en dicha prisión a ochenta y un rehenes. Hummel ha hecho una exigencia al Gobierno Norteamericano: o se indemniza como es debido a las familias de muchos veteranos como él que murieron en combate, o lanza sobre la Bahía de San Francisco quince misiles equipados con el letal agente nervioso XV. Para pararle los pies, el FBI envía, junto a un comando de la SEAL, a dos expertos: uno en armas químicas y otro en fugarse de cárceles. Son Stanley Goodspeed y John Mason, y éste último es el único hombre que logró escapar de la propia Alcatraz.

El habitualmente destructor de taquillas (en el sentido más lucrativo) Michael Bay es un director básicamente mediocre cuyas películas, que presentan un precioso aunque impersonal acabado videoclipero de diseño, siempre explotan la misma fórmula: la consistente en narrar historias simples y efectivas en las que prima por encima de todo la acción más desaforada y frenética aderezada con toques de drama humano y/o de comedia canalla. Sus filmes, aunque divertidos como los cócteles sin pretensiones de lujosos efectos especiales que son, argumentalmente dejan mucho que desear. Protagonizados por personajes planos, suelen estar anclados en topicazos de sus respectivos géneros y suelen ser asquerosamente patrioteros y, en lo histórico, manipuladores y falsos (como ocurre con la despreciable “Pearl Harbour”, ese intento de cine bélico). Michael Bay, como tantos cineastas comerciales de hoy, otorga más importancia a la espectacularidad visual de sus obras que a lo que cuenta en ellas, que siempre se da masticado para que nadie vaya a esforzarse pensando demasiado. Su filmografía se compone de “Dos policías rebeldes”, “La Roca” (su mejor obra: una gran película de acción), “Armageddon”, “Pearl Harbour”, “Dos policías rebeldes II”, “La isla” y las dos entregas de la saga “Transformers”.

Habitualmente, el cine de Michael Bay me parece aburrido: aburrido por predecible, aburrido por explotar siempre la misma fórmula de acción a veces delirante e interminable, aburrido por sus argumentos manidos, aburrido por su patriotismo rancio y maniqueo, aburrido por su glorificación tonta de la vida militar y aburrido por no ser más que un pretexto para lanzar el mencionado mensaje patriotero y para desplegar un espectáculo de efectos especiales de lujo desaforado. Sin embargo, también tengo que decir que “La Roca”, su segunda película y la que terminó de lanzarle a la fama (la anterior es la primera entrega de “Dos policías rebeldes”) me parece una película de acción excelente y, sobre todo, divertidísima. La trama es simple: un viejo héroe de guerra (un muy destacado Ed Harris) toma la antigua cárcel de Alcatraz con 81 rehenes y amenaza con lanzar 15 misiles letales sobre la Bahía de San Francisco si no se indemniza a las familias de un grupo de veteranos de las fuerzas especiales fallecidos en combate. Para pararle los pies, envían a un experto en armas químicas (Nicholas Cage) y al único preso que logró escapar de Alcatraz (Sean Connery). Lo que sigue es, se lo imaginan, acción, acción, acción, acción y acción. Pero acción imaginativa, divertida, lógica y realista dentro de su “lógica interna” (la de los filmes de acción más clásicos), espectacular sin caer en la idiotez, bien coreografiada y con un toque canalla que no cae en la fanfarronería imbécil. El estilo visual utilizado por Michael Bay es el videoclipero, aunque aparece en todo momento medianamente comedido (es decir: no estorba el visionado de la cinta), y la violencia de la que hace gala la trama, frenética sin caer en lo excesivamente gratuito, es vistosa, brutal e impactante (en su día, la película fue realmente sangrienta, incluso para lo que los fans del cine de acción estaban acostumbrados). Por otra parte, el dúo protagonista es verdaderamente carismático y el personaje de Ed Harris presenta una mínima profundidad como villano de turno (aunque esta profundidad no sea más que otra excusa para glorificar al ejército y al patrioterío barato). “La Roca” es un clásico del cine de acción, un género que, a pesar de estar repleto de morralla, a veces entrega obras verdaderamente destacadas y entretenidas.

DIAMANTE DE SANGRE de Edward Zwick – 2006 – (“The Blood Diamond”)

2010-07-05T05:23:00.000-07:00

Tres personajes muy diferentes cruzan sus vidas con el telón de fondo de una Sierra Leona destrozada por la guerra y por las luchas por el control del mercado de los diamantes ilegales: el ex mercenario Danny Archer, cínico y desencantado contrabandista sudafricano que sólo busca el dinero; la periodista norteamericana Maddy Bowen, idealista que intenta denunciar con su pluma y su cámara lo que está ocurriendo en el país, y el pobre pescador Solomon Vandy, que ha perdido su hogar y su familia por culpa de la avaricia de los que persiguen los “diamantes de sangre”. Juntos, van a emprender un largo viaje a través de África que va a cambiarles para siempre.

Formado en la televisión (dirigiendo capítulos de series como “Family” o “Treinta y tantos”) Edward Zwick es un director estadounidense que ha conseguido grandes resultados dirigiendo un cine histórico de aura épica que, en la línea clásica de las grandes superproducciones del Hollywood dorado, se apoya en una fotografía y ambientación esplendorosas para retratar grandes conflictos humanos universales y vidas de personajes (siempre grandes actores y actrices muy bien explotados y con gran carisma) a menudo forzosamente orientadas a hacer frente a una circunstancia histórica terrible (una guerra civil o no, un holocausto, una tiranía sorpresiva). También, sin embargo, ha dirigido Edward Zwick thrillers y comedias, aunque con peor resultado. En muchos de sus filmes reflexiona el cineasta sobre asuntos sociales tales como el terrorismo (“Estado de sitio”) o el abandono de África y el mundo del tráfico de diamantes (“Diamante de sangre”), aunque a veces lo hace con mucha seriedad y otra precipitándose y sacando conclusiones algo simplistas. Debutó Edward Zwick con la historia romántica “¿Qué pasó anoche?”, tras la que llegó el filme sobre la Guerra Civil Norteamericana “Tiempos de gloria”, la road movie “Dos chicas en la carretera”, la película de aventuras y romance “Leyendas de pasión”, los irregulares thrillers “En honor a la verdad” y “Estado de sitio”, la irregular película bélica de aventuras “El último samurai”, la excelente cinta social “Diamante de sangre” y el muy destacado drama bélico sobre el holocausto judío “Resistencia”.

Aunque películas como “Tiempos de gloria” o “Leyendas de pasión” han sido más aclamadas, “Diamante de sangre” es, desde mi punto de vista, la cinta más redonda de Edward Zwick hasta la fecha. Conjugando aventuras y algo de cine bélico con fábula social, política y moral contruye el cineasta esta genial denuncia del mundo del tráfico ilegal de diamantes y de la destrucción de África y de las vidas de los miles de africanos que se ven inmersos en las contiendas entre los grupos que luchan por las referidas piedras preciosas. Un excelente Leonardo DiCaprio da vida a un desencantado y casi cínico contrabandista que ve cómo su vida cambia cuando, en uno de sus trabajos, se cruza en el camino de una periodista (genial también Jennifer Connelly) y de un pobre nativo pescador que ha perdido todo lo que amaba por culpa de la avaricia y de la violencia humana (soberbio Djimon Hounsou, un actor enorme con una capacidad dramática tremenda que, aunque lleva años despuntando –“Amistad”, “Gladiator”, “Las cuatro plumas”, “En América”...- demasiado a menudo no es tan valorado como se merece). Juntos, recorrerán una tierra indómita y en guerra y lucharán por denunciar las atrocidades cometidas en el nombre de los “diamantes de sangre”. Zwick, apoyándose en una fotografía preciosa, retrata un África dura y brutal y también hermosa devastada por la codicia combinando a la perfección el referido mensaje social con la espectacularidad del mejor cine clásico de aventuras e incluso de acción. “Diamantes de sangre” es un enormísimo drama, una gran película de denuncia que, con el tiempo, será valorada como se merece y que, desde mi punto de vista, se erige como la mejor de la filmografía de Zwick.

MALA NOCHE de Gus Van Sant – 1985 – (“Bad night”)

2010-07-02T07:23:00.000-07:00

Walt es el joven dependiente de una tienda cualquiera de Portland. Está enamorado en secreto de Johnny, un jovencito mexicano ilegal que suele comprar en donde él trabaja. Un día, convence a su hermana para que se lo ponga en bandeja y ella acepta. Una tormentosa relación va a comenzar entre ambos, relación que se va a ampliar a Roberto, el amigo de Johnny.

“Mala noche”, basada en la autobiografía de Walt Curtis, fue el bastante desconocido debut de Gus Van Sant en la dirección, debut que se ajusta a la perfección a lo que fue la primera parte de su filmografía (este filme, “Drugstore cowboy”, “Mi Idaho privado” y “Ellas también se deprimen”): una historia de jóvenes perdedores sumidos en un clima confuso, deshumanizado, en el que buscan el afecto de los demás y un mínimo sentido a sus vidas sin a veces conseguirlo. El mundo marginal de Portland, ciudad del creador y del autor del escrito en el que éste se basa para su cinta y ciudad que volvemos a encontrar en películas posteriores suyas en más de una ocasión, es el ambiente en el que se mueven los personajes de “Mala noche”, homosexual uno, como el propio Van Sant, y heterosexuales los otros dos. Walt es el primero de ellos, un dependiente de una tienda cualquiera que se enamora de Johnny, uno de dos amigos mexicanos que viven en calidad de ilegales en su deprimido barrio. A partir de esta premisa empieza una contradictoria y por momentos brutal relación de amor y de desprecio, de locura, de obsesión, de asco, de complejos, de prejuicios y de ternura entre ambos, relación que se amplía a Roberto, el tercer protagonista en discordia, y que aparece determinada (especialmente en el caso de éste último) por la pobreza y por la desesperación a la que se ven abocados ambos inmigrantes, siempre buscando una manera de prosperar y siempre perseguidos por la policía norteamericana, cuyos bestiales métodos el filme critica (además de, por supuesto, la propia situación de dichos inmigrantes). El estilo, independiente por vocación (como demostraría Van Sant en el futuro, a pesar de haberse abierto a otros en películas como “El indomable Will Hunting”) y por falta de presupuesto, se mueve, a través de una cámara y un montaje nerviosos y abruptos, entre el drama social más crudo, el drama más intimista y la comedia de toque disparatado. El potente blanco y negro junto al por momentos asfixiante ambiente lóbrego conseguido resalta la mediocridad, la violencia y la precariedad de las vidas al límite de los personajes mientras le otorga a su relato un cierto toque de lirismo onírico (en la escena de la sumisión entre nieblas) y heroico. “Mala noche” es una más que aceptable ópera prima que no pudo ser estrenada hasta el estreno de la siguiente obra del cineasta, “Drugstore Cowboy”

SORGO ROJO de Zhang Yimou – 1988 – (“Hong gao liang”)

2010-06-28T12:08:00.000-07:00

La joven y bella Ju’er es vendida por su familia a un fabricante de vino de sorgo viejo y leproso. Es la única manera que una mujer tiene de avanzar en la sociedad: unirse a un hombre rico. En la plantación de éste, su vida, abocada a un futuro de frustraciones sentimentales, cambia: se enamora de uno de los empleados de su marido. El tiempo pasa y el viejo muere, y Ju’er toma, junto a sus trabajadores, las riendas de la empresa. Llegan tiempos felices, pero, muy pronto, estalla la guerra y los japoneses invaden China...

“Sorgo Rojo” fue el debut de Zhang Yimou como director, un debut que le lanzó a la fama instantánea tanto en su país, China, como en occidente. Ciertamente, tuvo una gran suerte: pocos cineastas orientales acceden al reconocimiento en el para ellos habitualmente difícil mercado occidental nada más empezar su carrera. La historia de cómo “Sorgo Rojo” llegó a este estatus es curiosa: expuesta en el Festival de Cine de Berlín, muy pocas personas quisieron entrar a la sala en la que se proyectaba a causa de sus prejuicios hacia el cine oriental, un cine del que conocía muy poco (aparte de los clásicos maestros japoneses Kurosawa, Mizoguchi y Ozu) y que era tachado por muchos ignorantes de aburrido y de frío. Este cine no estaba tan extendido entonces, y una película china de un director desconocido y debutante no era un plato especialmente suculento. Al arrancar la historia, con la escena de la cabalgata, muchos abandonaron la sala (incluso algunos críticos). Los que se quedaron no se arrepintieron. “Sorgo Rojo” ganó el Oso de Oro, y desde allí su recorrido por los festivales de Europa y los USA fue fulminante. Fue el filme que abrió las puertas a los directores de la Quinta Generación china, la más famosa de todas fuera de sus fronteras. Llegaron poco después a circuitos más abiertos las películas de Chen Kaige, el otro integrante de este grupo más difundido, y las de el resto de los miembros, por desgracia más olvidados (con algunas películas ni siquiera expuestas fuera de China y que no están localizables ni en Internet, lo cual es realmente triste): Tian Zhuangzhuang, Huang Jianxin, Wu Tianming y Wu Ziniu. En “Sorgo Rojo”, como en las posteriores y también magistrales “Ju Dou, semilla de crisantemo” y “La linterna roja”, encontramos ya todas las constantes del cine de su autor. La historia está ambientada en los años treinta y cuarenta, aunque, haciendo gala de un sutil posibilismo, está llena de referencias a su tiempo, fórmula muy utilizada por Yimou ante la censura imperante en China (fórmula que también usaba mucho el mencionado Kenji Mizoguchi). El asunto central vuelve a ser la marginación de la mujer en una sociedad machista, hipócrita y represiva. Gong Li da vida maravillosamente, en uno de sus primeros papeles, a una joven que es vendida por su familia a un rico fabricante de vino de sorgo enfermo de lepra y viejo. En su plantación, se "enamora" de uno de los porteadores de su marido, y surge el romance oculto cada vez menos oculto que los redime a ambos. En esta misma plantación, la joven, su amante, el hijo de ambos y el resto de los trabajadores, viven dos décadas tras la muerte del viejo dueño en extrañas circunstancias… Estas décadas culminan con la invasión japonesa de China durante la Segunda Guerra Mundial. La película, retratada con un lirismo delicado y, a veces, con una tremenda brutalidad, recorre las vidas de todos estos personajes por medio de la voz en off del nieto de los protagonistas lanzando una mirada aguda a la historia reciente y actual del país: hay ataques velados a las tradiciones ancestrales pero absurdas que oprimen a las personas, al clasismo de la sociedad, al papel secundario impuesto a la mujer y a la invasión de los japoneses -este ataque ya nada velado-, que se creyeron superiores al resto del continente asiático (violentísimas algunas escenas de este tramo del filme). Los encuadres son bellísimos, acentuados por la narrativa pausada y poética. Los colores son un protagonista más, como siempre ocurriría ya en la obra de Yimou: expresan los estados de ánimo y, aquí, representan la calidez, la pasión y a la vez la esperanza que emana de la tierra. El vino de sorgo, rojo sangre, representa esta esperanza. “Sorgo Rojo” fue el comienzo de una época de expansión para el entonces ignorado cine chino.

SUEÑOS DE UN SEDUCTOR de Herbert Ross – 1972 – (“Play it again, Sam”)

2010-06-25T04:59:00.000-07:00

Allan se siente tremendamente solo e inseguro desde que se divorció. Las cosas con las mujeres no le van nada bien y se ve absolutamente incapaz de encontrar una nueva pareja. Sus buenos amigos Linda y Dick, casados, van a ayudarle a salir de su problema. Sin embargo, esto lo único que va a hacer es enredar las cosas entre los tres hasta límites insospechados.

Ya que la película comentada hoy es, aunque no esté dirigida por él, una película que se encuadra completamente en la filmografía de Woody Allen, no voy a hablar de Herbert Ross, pues sería injusto poner como primer ejemplo de su obra una de sus cintas menos “personales”. En otro momento le dedicaré un espacio.

Del mismo año que la delirante aunque bastante irregular “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” data “Sueños de un seductor”, una película que puede considerarse en todos los sentidos como una más de la filmografía de Woody Allen aunque haya sido dirigida por Herbert Ross, ya que se trata de una adaptación fiel de una obra teatral escrita por el genial cómico que fue interpretada sobre las tablas por el mismo trío protagonista de dicha adaptación: el propio Allen, su actriz fetiche y compañera de sus inicios Diane Keaton y Tony Roberts. Herbert Ross se encargó de llevarla a la gran pantalla a petición de su mismo escritor, que argumentó que todavía no sabía dirigir (lo cual podía ser cierto, pues hasta la fecha únicamente se había encargado tras las cámaras de tres películas: la arriba mencionada anterior a ésta, “Toma el dinero y corre” y “Bananas”). “Sueños de un seductor” sienta ya definitivamente el estilo de su creador y actor principal que se había venido puliendo en filmes anteriores: un hombrecillo judío de la clase intelectual norteamericana (va ser casi siempre la neoyorkina en posteriores trabajos del autor) amante del jazz, de la literatura, del arte y del cine e inseguro y neurótico, se encuentra perdido en el mundo moderno y busca, en este caso, el éxito con las mujeres. Dos amigos suyos (que son pareja) intentan ayudarle y, finalmente, todo termina enredándose en un caos de relaciones humanas muy diversas (otra “marca de la casa” que aquí aparece ya fortalecida: las relaciones humanas) en el que el trío va a disertar sobre el sexo y el amor, sobre la fidelidad y sobre la felicidad. El humor de Allen aparece ya aquí mucho más refinado que en sus anteriores creaciones, con más toques inteligentes e irónicos y cargado de referencias culturales de todo tipo, entre las que sobresalen los constantes homenajes cinéfilos a “Casablanca” (de ahí el título original del filme y su previsible desenlace), con la que Allan (el personaje principal) está obsesionado y en honor de la cual intenta llevar una “vida de cine negro” emulando al Humphrey Bogart de películas como “El sueño eterno”. “Sueños de un seductor” es, en mi opinión, una de las películas más sencillas de Woody Allen pero también una de las más divertidas de toda su filmografía (aún hoy sigue produciendo verdaderas carcajadas) y la mejor de toda su primera etapa, la que llega hasta la inmediatamente posterior “El dormilón”.

BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE de George Clooney – 2005 - ("Good Night and Good Luck")

2010-06-23T06:37:00.000-07:00

1953. Estados Unidos. La Caza de Brujas sacude a todo el país. El senador Joseph McCarthy lleva al Comité de Actividades Antiamericanas a todo el que es mínimanente sospechoso de ser comunista o de tener relaciones con ellos. Muchas personas son condenadas a la marginación y al escarnio, otras a ir prisión, otras a abandonar el país, otras incluso a la muerte. En este clima de terror, muy pocos se atreven a plantarle cara al sistema de este senador. Uno de estos pocos es el periodista y presentador Edward R. Murrow, de la CBS, que junto a su equipo denuncia sin cesar su corrupción y su intransigencia. Aunque muchos alaban el trabajo de Murrow, sus brutales críticas pueden costarle su puesto y hasta toda su carrera. Su equipo está contra las cuerdas… Pero muy pocos de sus miembros piensan echarse atrás.

Una gratísima sorpresa supuso, hace ya cinco años, la tercera película del más conocido como intérprete que como director George Clooney tras su debut “Confesiones de una mente peligrosa” y “Unscripted”, tercera película que en sus inicios fue concebida como un filme para televisión, en concreto para la CBS, pero que se fue progresivamente agrandando hasta llegar a un presupuesto y a una duración mayor, lo que le propició poder acabar en las carteleras (por suerte). Rodada, utilizando valiosas imágenes de archivo y a caballo entre el documental y la ficción, en un preciso estilo televisivo-teatral, en un hermoso y hasta oloroso blanco y negro, cimentada en planos siempre muy cercanos y cerrados y ambientada en sobrios y casi asfixiantes interiores llenos del evocador encanto de los años cincuenta (representados por Clooney a la perfección), se erige “Buenas noches, y buena suerte” como una de las críticas mas bienintencionadas e idealistas y a la vez más punzantes y duras hacia el mundo de la televisión de los últimos años. Aunque su acción se desarrolla en la Caza de Comunistas de los USA, momento histórico que la película revisa con ojo a la vez tierno y desencantado, agudo y certero, hace toda ella una clara referencia a la industria televisiva de nuestros días, que no ha cambiado en absoluto en lo que a corrupción, manipulación y contenido basura e idiotizante se refiere. Tiene el filme una gran virtud: la de haber podido condensar en apenas una hora y veinte minutos todo el fresco histórico necesario para retratar toda una época, aunque también se le ha achacado que, precisamente por este corto metraje, se deja muchas cosas en el tintero e incluso, en momentos puntuales, cae en el maniqueísmo y en la desinformación. Puede ser. No conozco bien todo este turbulento periodo de la historia del país de las oportunidades para opinar con exactitud y seriedad. Sin embargo, sí que conozco el mundo de la televisión, y tengo que decir que “Buenas noches, y buena suerte” insufla a los periodistas, aunque ya corran otros tiempos (de desunión, de conformistas y de cobardes), el orgullo de ser periodistas. Por momentos puede caer en la ingenuidad, en el idelismo excesivo, e incluso en la reivindicación de un cometido para el medio que no es más que otro castillo en el aire (¿o no?). Pero se le puede perdonar a Clooney. La sinceridad que transmite su película llega hasta lo más hondo del espectador y consigue calarle, y su mensaje, a pesar de los fallos, queda muy claro. ¿Por qué vemos la tele que tenemos? ¿Por qué nos conformamos con la mierda que nos tiran todos los días? ¿Por qué nos tragamos tantas de sus mentiras? ¿Por qué la diversión y el espectáculo son excusas para tenernos contentos y calladitos? Y... ¿Por qué hay que luchar contra los despropósitos de los que intentan hacer de Internet otra televisión? (Esta última pregunta creo que viene a cuento de lo que han intentado hacer en los últimos meses con la red de las redes). Para terminar, decir (aunque ya está requetedicho), que el elenco del filme realiza un trabajo magistral (el propio Clooney, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Jeff Daniels…) y que está realmente soberbio David Strathain (Murrow) por un tremendo y dignísimo papel protagonista alejado de efectismos y excesos de cualquier tipo.

CRISIS de Ingmar Bergman – 1945 – (“Kris”)

2010-06-22T04:55:00.000-07:00

La profesora de piano Ingeborg ha entrado en la madurez y pasa por una crisis: en breve, Nelly, su joven hija adoptiva, va a dejar la pequeña ciudad en la que viven para marcharse a Estocolmo con su madre biológica, que ha venido para llevársela junto a Jack, su cínico amante. En el baile del sábado se celebrará la despedida. Mientras Ingeborg se hunde en la tristeza, Nelly descubre el mundo de la madurez, mundo que va a depararle sus primeras y dolorosas decepciones.

“Crisis” es la muy poco conocida ópera prima de Ingmar Bergman, una obra en la que, como en tantas de su primera etapa, realiza un estudio psicosociológico de la Suecia de su tiempo y en la que ya se pueden encontrar algunas de las constantes de sus posteriores películas, las que le llevarían a la cumbre. Bergman, que venía del mundo del teatro, rescribió el guión original que le dieron para que lo dirigiese, ya que, basado en una obra de lo que él llamo “un escritorzuelo danés” cuyo nombre no mencionó, le parecía horrible. Su objetivo al ponerse tras la cámara en “Crisis” fue el de aprender la labor de director para afrontar futuras películas, cosa que él mismo nunca negó. A pesar de todo, el filme presenta un acabado muy aceptable. “Crisis” narra una historia de relaciones personales de un grupo de seres vitalmente perdidos de una pequeña ciudad. Una mujer que entra en la vejez pasa una crisis al descubrir que cada día está más cercano el momento en el que su joven hija adoptiva, Nelly, haya de marcharse a la capital. Mientras, Nelly vive otra “crisis”: la del fin de los felices años de la adolescencia, época en la que descubre el sexo, el amor y la libertad que no va a poder desarrollar con fluidez en su limitada pequeña ciudad, encorsetada en tradiciones envejecidas y prejuicios. Encontramos el asunto “bergmaniano” del peso del paso del tiempo, que trae la muerte y toda la incertidumbre y el pánico que rodea al que tiene que recibirla, así como el de la soledad. Estos dos asuntos vienen retratados en el personaje principal, el de la profesora Ingeborg, la mencionada mujer madura y enferma que ha de ver cómo su hija adoptiva se marcha con su madre biológica. El otro tema principal es el enfrentamiento generacional y materno-filial (constante en el autor) entre Ingeborg y esta hija, pertenecientes a dos mundos muy distintos que vienen representados por la pequeña ciudad de provincias encerrada en sí misma y por la gran metrópolis abierta a la modernidad (la madre biológica de la joven tiene un salón de belleza en Estocolmo). Poco más encontramos del Ingmar Bergman que todos conocemos. El estilo visual tampoco está cercano al de sus posteriores películas: “Crisis”, fotografiada en un hermoso blanco y negro, no es innovadora, está rodada en gran parte dentro un estudio y no tiene formas arriesgadas. Es un drama sencillo de corte intimista sobre personajes contradictorios, solitarios y solos, y su mismo autor no pretendió nunca que resultase otra cosa. El rodaje fue muy accidentado, pero sirvió a Bergman para experimentar todo lo que pretendía. Comenzaba una de las más grandes carreras de la historia del cine…

LEGIÓN de Scott Stewart – 2010 – (“Legion”)

2010-06-21T04:53:00.000-07:00

Dios se ha cansado de la maldad de los seres humanos y ha perdido la fe en ellos. Por esto, ha decidido acabar con la humanidad para siempre enviando a sus ángeles a que limpien la Tierra. Uno de estos ángeles, sin embargo, no está de acuerdo con Dios y va a luchar por los humanos, cuya última esperanza de sobrevivir reside en un niño que ha de nacer... En un miserable bar de carretera de la Norteamérica profunda. Este ángel, junto a un grupo de hombres y mujeres, va a proteger a toda costa a la madre de este bebé para salvar a toda la raza del exterminio de sus compañeros.

"Legion", que yo sepa, es la segunda película de Scott Stewart tras la adaptación del cómic "Priest". Y es una película horrible, por desgracia, aunque sus inicios tengan apuntes interesantes dentro del "género" de "personas diferentes encerradas enfrentadas a un terror exterior" (hala, qué conjunto de palabros). Estas historias que en otras décadas como la de los ochenta se prodigaron muchísimo (me vienen a la mente "Temblores", las dos primeras entregas de "Alien", "Gremlins" y su copia "Critters"...) están homenajeadas con cariño en esta película que carece absolutamente de pretensiones y que es conscientemente un refrito de estas obras con entrañables aires de serie B (esta vez con ángeles vengadores de la ira de Dios como los monstruos de turno). Sin embargo, esta falta de pretensiones es tal que la historia, más allá de sus cimientos más básicos, es inexistente y está llena de lagunas argumentales (por favor... ¿Alguien me explica quién es el bebé? ¿Un nuevo mesías, un nuevo Jesucriso? ¿Qué es?) y cambia de golpe el terror de sus inicios por la acción más pacata (las peleas de los ángeles a puñetazos o a tiro limpio de ametralladora son sencillamente horrendas de tan zafias y brutas). Los personajes están, además, mal desarrollados (muy mal). Uno de los principales alicientes de estas historias es reunir a personas de toda clase y condición y con maneras de pensar distintas (y traumas, por supuesto) y ponerlos a colaborar por la supervivencia. Estos personajes en "Legion" son mera carne de cañón para los ángeles y no pasan de ahí. Por otra parte, dichos ángeles, exceptuando a la vieja y al vendedor de helados (gran momento del filme, y estremecedor y pulp, todo hay que decirlo), son simples zombies y nada más. "Legión" es, tras unos apuntes interesantes en su desprejuiciado homenaje al terror, un filme fallido en todos los aspectos que se desliza demasiado rápido en la zafiedad y en la tontería. Triste.

RETRATOS DE UNA OBSESIÓN de Mark Romanek – 2002 – (“One Hour Photo”)

2010-06-19T09:50:00.000-07:00

Sy Parrish trabaja desde hace muchos años como dependiente de una tienda de revelado rápido de fotos situada en unos grandes almacenes. Sy está muy solo: no tiene familia ni amigos y siente envidia de las personas felices a las que revela sus fotografías. Sy está obsesionado con tres de sus clientes más fieles, con la idílica familia que forman Nina, Will y el hijo de nueve años de ambos, Jake. Ellos no lo saben, pero él los vigila y los protege… A su manera. Y no está dispuesto a perderlos por nada del mundo aunque sus vidas comiencen a cambiar radicalmente y a separarse.

El estadounidense Mark Romanek es uno de los directores de videoclips y de anuncios más famosos del panorama actual, director que ha trabajado para grandes como Michael Jackson y su hermana Janet, Madonna, Nine Inch Nails, The The, De La Soul, Keith Richards, Lenny Kravitz, David Bowie, Iggy Pop, REM, Weezer, Eels, Macy Gray, The Wallflowers, Mick Jagger, No Doubt, Audioslave, Red Hot Chilli Peppers, Linkin Park o Coldplay. Únicamente tiene tres filmes dirigidos todavía, por lo que su carrera en este aspecto no puede ser aún plenamente valorada: “Static” y “Retratos de una obsesión”. El tercero de ellos, "Never Let Me Go", está a punto de llegar a las salas.

“Retratos de una obsesión” es la brutal historia de un hombre mediocre, solitario y solo en la vida que, dedicado a revelar fotos desde hace décadas, se obsesiona con la que piensa que es la familia norteamericana perfecta, una familia de padres guapos, jóvenes, inteligentes y ricos con un hijo pequeño, familia de la que él carece, de la que empieza a coleccionar imágenes cotidianas y de la que empieza a saberlo absolutamente todo (más incluso que algunos de sus propios miembros). Robin Williams da vida de manera soberbia a este hombre tierno y triste, violento y reprimido, hastiado de su existencia pero con un minúsculo aliento de esperanza que alimenta con sus constantes sueños de compañía y amistad. El filme, rodado con un estilo sobrio, muy sencillo y pausado pero surcado por descargas de tensión que rompen sin cesar la cotidianeidad que lo impregna todo, es un retrato (su mismo título lo dice) de la obsesión de un psicópata perdido en la inhumana ciudad moderna. Mark Romanek, sin embargo, y contra lo que se puede creer en un principio, no llega a desarrollar la trama de thriller que la cinta promete: no cae en tópicos, ni en retorcidas historias, ni en sangrientos desenlaces. Su psicópata no es un Hannibal Lecter (por poner un ejemplo facilón): su psicópata está solo, solísimo, e intentará salvar a la familia a la que ama (a su manera, por supuesto, pero sin desmadres de ninguna clase en lo que es todo un ejemplo de economía de medios dramáticos y de realismo social limpio, coherente y consecuente). Es muy difícil lograr esto, y Romanek da ejemplo: se aleja de cualquier efectismo para narrar una historia de dignidad. Pocas películas con la premisa de “Retratos de una obsesión” lo consiguen.

EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD de Andrew Dominik – 2007 – (“The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford”)

2010-06-18T04:54:00.000-07:00

A la banda de forajidos de Jesse James han llegado caras nuevas. Entre ellas se encuentra la de Robert Ford, un joven ansioso de gloria que idolatra desmedidamente a su jefe, con el que siempre ha soñado trabajar. Entre ellos se instala una extrañísima relación, impredecible y enigmática como el propio Jesse y también terrorífica y volátil. La tragedia se va a abrir irremediablemente entre ellos.

El neozelandés Andrew Dominik únicamente ha dirigido hasta la fecha dos películas: la muy polémica y de culto “Chopper” y “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”.

“El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford” es una nueva visión de la historia del mítico bandolero norteamericano que pone el primer nombre del filme, cuyas aventuras han sido visitadas miles de veces en el cine y en la literatura, desde el punto de vista de su propio asesino, Robert Ford. La película, rodada en un estilo de base clásica muy realista y con un cierto toque de modernidad, cuenta la supuesta historia de los últimos tiempos de James y de los primeros y también últimos de Ford (soberbios Brad Pitt y Casey Affleck respectivamente), dos personajes descritos con un escrupuloso alejamiento que esquiva con gran agilidad el maniqueísmo. Jesse James, terrorífico y magnánimo, cínico y claro, resentido y soñador y desilusionado consigo mismo es un personaje complejísimo, tan diabólico como heroico, que idolatrado y odiado, amado y temido entre los suyos, vive entre trastornos en una supuesta paranoia constante. Robert Ford es, por el contrario, un joven mediocre con algún destello de brillantez aislado que le idolatra y que, ansioso de fama y de poder (y también muerto de miedo y entre la espada y la pared en todos los sentidos), va a traicionarle y a asesinarle. El filme está sembrado de conscientes ambigüedades que sumergen al espectador en un clima que llega a tornarse malsano y que no cesan de abrir preguntas que no quedan cerradas; no se centran estas preguntas en lo que realmente ocurrió entre Jesse y Robert, sino en asuntos universales como la bondad y la maldad (si es que existen en sus sentidos más radicales), la amistad, el terror, el mito, la idolatría, la traición, los distintos e infinitos conceptos de justicia, las múltiples personalidades que se esconden en cada uno de nosotros, la decepción, la muerte y la redención. Estéticamente la película es maravillosa: la ambientación es genial, así como la fotografía de los esplendorosos paisajes naturales y también de las ciudades y los interiores en los que todo se desarrolla. La trama es lineal y surcada por una acertada voz en off que acota y separa los acontecimientos, mientras que la narración combina admirablemente una muy cruda contundencia y una violencia descarnada con el lirismo más delicado y épico y con retazos de onirismo. “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford” es un magnífico western de aire crepuscular (recuerda muchísimo a la obra maestra de Sam Peckinpah “Pat Garrett y Billy el Niño”) al que únicamente, tal vez, le sobren unos veinte minutos en los inicios de la trama, que podrían haberse condensado mejor. Sin embargo, quitando esto (que tampoco tiene una importancia extrema) la cinta es una muy recomendable revisitación de un género bastante olvidado en las últimas décadas.

SHAOLIN SOCCER de Stephen Chow – 2001 –(“Siu lam juk kau”)

2010-06-15T13:29:00.000-07:00

Hace veinte años que el prometedor futbolista Fung cayó en desgracia. Víctima de una conspiración de su pérfido rival, Hung, falló el penalty más importante de su vida y los fans de su equipo le rompieron la pierna. Hoy es un pobre viejo que sueña con tiempos de gloria y que vive en la pena perpetua. Su suerte sin embargo va a cambiar, aunque parezca ser demasiado tarde. Fung va a conocer a Sing, un joven practicante de artes marciales Shaolin obsesionado con expandir su arte por todo el mundo. Junto a él va fundar un nuevo equipo de fútbol… Para derrotar en un gran partido al equipo de Hung, el terrible “Equipo del Mal”. El espectáculo final está a punto de comenzar.

El actor, guionista, coreógrafo y director Stephen Chow es uno de los humoristas modernos más famosos de Hong Kong (su tierra, en la que fue nombrado “Rey de la Comedia”) y de Asia en general. Aunque comenzó actuando en series dramáticas hongkonesas, pronto destacó como intérprete cómico, de donde pasó a ser, además, cineasta. Aliado en su primera etapa con el director Lee-Lik Chee, con quien codirigió algunas de sus películas, Stephen Chow (que además es protagonista de todas) practica un humor que, llamado “mo lei tau”, se basa desprejuiciadamente en las “tonterías” (“mo lei tau” significa, según he podido leer, más o menos esto: tontería). Sus filmes, basados en historias de personajes muy simples pero carismáticos (habitualmente fracasados que se superan a sí mismos), se cimientan en los juegos de palabras constantes, en las bromas de doble sentido, en los gags absurdos, en el slapstick y en la acción delirante (muchas veces relacionada con las artes marciales) para retratar de una manera “cachonda” y conscientemente cargada de tópicos y de lugares comunes muy gruesos el presente y el pasado de las culturas asiáticas. Sus películas, además, como he comentado siempre vienen cargadas de acción, habitualmente frenética y, por consiguiente, de efectos especiales, que suelen ser colosalistas y barrocos buscando la exageración a toda costa. Chow es además un excelente coreógrafo de escenas de lucha, lo cual se demuestra en sus producciones o en sus afamados trabajos para otras. El cine de Stephen Chow es, por encima de todo, desprejuiciado, y ahí encuentra su mayor mérito: no pretende otra cosa más que divertir, lo cual consigue de sobra. Su filmografía (por lo menos la que a occidente ha llegado) se compone de las comedias de acción “Love on Delivery”, “From Beijing with Love” y “God of Cookery”, de la comedia histórica “Forbidden City Cop”, de la comedia con toques de drama y romance “El Rey de la Comedia”, de la comentada comedia deportiva “Shaolin Soccer”, de la comedia de artes marciales “Kung Fu Sion”, de la comedia de ciencia ficción “CJ7” y de la secuela “Kung Fu Sion II”, que está preparando en estos momentos.

“Shaolin Soccer” es una delirante parodia de las series deportivas asiáticas (especialmente recuerda a “Capitán Tsubasa”, llamada en España “Campeones” y “Oliver y Benji”) en la que el propio Stephen Chow da vida a un joven que quiere demostrar ante todo el mundo que las artes marciales del tipo Shaolin son un arte perfecto y que se alía con Fung (Ng Man-Tat), un viejo futbolista fracasado por culpa de una conspiración contra su persona, para vencer en un gran partido de balonpié a quien le destrozó la vida a este último, el malévolo “Equipo del Mal”. Este argumento tan simplísimo es la excusa para desatar un delirante espectáculo visual (con unos efectos especiales excelentes, por cierto) en el que los tópicos más gruesos relacionados con las culturas asiáticas y con las mencionadas series deportivas se dan la mano con los constantes gags absurdos y por momentos casi surrealistas, con los juegos de palabras simples pero rápidos y efectivos y con los sentidos homenajes a Bruce Lee y a sus películas (Chow adora al fallecido actor y maestro de artes marciales). Poco más hay en la lineal, simple y divertidísima “Shaolin Soccer”, una película que sobre todo es entretenida, y mucho, muchísimo, y que no dejará de desatar sonrisas entre los fans del fútbol en general y de las series asiáticas deportivas en particular. Además, sus pretensiones más allá de entretener son inexistentes, y eso la encumbra como un desprejuiciado espectáculo, que es lo único que pretende ser. “Shaolin Soccer” fue la primera película que Stephen Chow dirigió sin ayuda de Lee-Lik Chee y la que le hizo famoso en occidente, en donde es una comedia “chorra” de culto.

LA GRAN AVENTURA DE PEE-WEE de Tim Burton – 1985 – (“Pee-Wee’s big adventure”)

2010-06-12T15:07:00.000-07:00

Al pobre Pee-Wee le han robado su amada y flamante bicicleta. Desesperado, acude a la única persona que puede ayudarle a encontrarla: la adivina. Pero Pee-Wee tiene tan mala suerte que ésta se equivoca… Y lo envía a recorrer un camino lleno de peligros en el que va a enfrentarse a criminales, fantasmas y hasta dinosaurios. Por supuesto, Pee-Wee va a sembrar el caos allí a donde llegue…

“La gran aventura de Pee-Wee”, el debut para la gran pantalla de Tim Burton, es una de sus películas más olvidadas y lo es con razón, ya que deja bastante que desear en todos los aspectos a pesar de que tenga a su favor el hecho de que, aún siendo un puro trabajo de encargo de un creador en busca de pista de despegue, cuenta con una cierta personalidad visual en la que se encuentra el embrión de lo que iba a ser en el futuro el cine del director gótico de Hollywood. La ópera prima de este famoso realizador no era más que un vehículo para el lucimiento de Pee-Wee Herman, el mítico personaje cómico de la televisión de los años ochenta al que encarnaba Paul Reubens, un hombrecillo supuestamente entrañable, alocado, infantil, ingenuo y bondadoso que nunca deja de meterse en líos y que alcanzó tanta popularidad en la referida década que llegó a poseer su propio show y a protagonizar aventuras suyas destinadas a las salas como ésta. Él mismo fue quien seleccionó a Burton para dirigir la primera de ellas (habría otra: “Big Top Pee-Wee”), tras haber visto sus excelentes cortometrajes “Vincent” y “Frankenweenie”. La película, que funcionó bastante bien en las taquillas y que abrió las puertas a su director para que pudiera embarcarse en otros proyectos como “Beetlejuice”, no deja de ser la clásica obra familiar orientada casi exclusivamente a los niños y a los seguidores del personaje. La historia que narra carece de cualquier interés: a Pee-Wee le roban su bicicleta, por lo que ha de recuperarla y viajar por una infinidad de lugares en los que ha de enfrentarse a toda clase de seres extraños, seres en los que se encuentra la impronta de un Tim Burton primerizo pero ya interesante. La cinta ha envejecido muchísimo: su humor hoy no tiene ninguna efectividad y se ha quedado completamente obsoleto (ni siquiera para los salvajes niños de nuestros días, muy distintos a aquellos pobres ingenuos que éramos los niños que nos criamos en los ochenta) y Pee-Wee, que no para un segundo de hacer horrorosas muecas y sonidos extraños, resulta en todo momento aborrecible y hasta patético por irritante. Las gracietas del filme básicamente consisten en constantes persecuciones, golpes y caídas, y poco más. Hoy, veinticinco años después de su estreno, muy pocos se acuerdan de esta cinta de consumo rápido. ¿Qué se puede aprovechar de “La gran aventura de Pee-Wee”? Sus personajes, esbozos de lo “burtoniano”: el propio Pee-Wee, un freak excéntrico y extravagante, aunque feliz y nada oscuro, y todos los que le rodean en su periplo: seres sacados de un circo o de un carnaval onírico entre los que hay fantasmas y dinosaurios (espléndidamente animados en stop-motion). También se puede encontrar el “toque Burton” en algunos escenarios como la casa del protagonista, llena de extraños inventos, o como el barranco oscuro en el que se llega a caer. Pero nada más. Como curiosidad se puede ver, pero sólo para los muy fans de su creador.

HOSTEL II de Eli Roth – 2007 – (“Hostel. Part II”)

2010-06-10T11:28:00.000-07:00

Whitney, Beth y Lorna, estudiantes norteamericanas en Roma, viajan durante unas vacaciones a Eslovaquia en busca de fiestas, ligues y emociones fuertes. Allí se alojan en una residencia para jóvenes en la que la juerga es constante. No lo saben, pero algo terrible va a ocurrirles…

“Hostel II”, rodada por Eli Roth en menos de un año tras el gran éxito de su anterior película, contiene todos los defectos de ésta y todavía más. La historia vuelve a ser la misma, aunque en esta ocasión las desdichadas protagonistas son tres chicas que, de juerga en juerga, van a parar a la vergonzosa Eslovaquia de posguerra que el director se ha inventado, en donde como es de esperar son torturadas hasta la muerte con procedimientos todavía más brutales y morbosos que los de la anterior entrega. Se pueden imaginar lo que toca: una primera mitad de película intrascendente de casi completo relleno (salvo por dos o tres apuntes argumentales entre los que se encuentra el manido asesinato del protagonista de la anterior cinta durante los cinco primeros minutos) cargada de tontas andanzas de jovencitas guapas y tíos cachas y una segunda mitad de sangre y vísceras desbocadas de la que únicamente se salvan tres escenas (el homenaje a la temible Condesa Bathory, el asesinato del niño –sorprende, todo sea dicho- y el desenlace con los testículos cortados). De nuevo, Roth quiere retratar el lado más oscuro de la decadencia humana y de nuevo falla porque su película no sale de lo puramente efectista y superficial. En “Hostel II” encontramos una violencia brutal y descarnada tremendamente sádica que por momentos duele a la vista (no hay que negarlo tampoco) y que se ha visto mucho más “refinada” que la de la primera parte debido al mayor presupuesto disponible (salvo una escena en concreto –la del ojo arrancado- “Hostel” no aportaba nada nuevo para el mundo del gore). Sin embargo, esta violencia tan cruda y barroca no dice nada porque está únicamente destinada a contentar a un público morboso que sólo quiere que le sorprendan sin cesar con torturas cada vez más rebuscadas (el mismo que disfruta con las tristes secuelas de “Saw”). En este sentido, como comedia gore “Hostel II” funciona mejor que su antecesora (aunque de manera irregular por la poca imaginación que el conjunto destila) mientras que como drama o retrato crítico de lo peor de nuestra raza es totalmente estéril. Los personajes estan vacíos, desde los mafiosos que dirigen el cotarro hasta las víctimas pasando por los torturadores, planos y tópicos hasta decir basta. Por otra parte, las relaciones que se dan entre ellos son ya hasta incoherentes y están forzadísimas. Para terminar, decir que el desenlace (pretenciosísimo y realmente muy vulgar) es la chorrada más enorme que he podido ver en mucho tiempo. “Hostel” era un espectáculo pirotécnico de sangre con pretensiones de drama social y de producto autoral gore que se quedaba en una masacre juvenil del montón. Su primera secuela es lo mismo pero infinitamente peor: un estrambótico circo de carne vacío que para colmo intenta dar gato por liebre con una supuesta amoralidad y una hondura psicológica que no tiene. Una pura y total estafa únicamente disfrutable si se ve desde un punto de vista cómico (y vista así apenas divierte y se encuentra a años luz de grandes entretenimientos gore como la trilogía de "Posesión Infernal" o "Braindead").

HOSTEL de Eli Roth – 2006 – (“Hostel”)

2010-06-10T11:17:00.000-07:00

Paxton y Josh son dos universitarios norteamericanos que, junto a Oli, un joven islandés, recorren Europa en sus vacaciones buscando grandes juergas. Una noche en Ámsterdam les recomiendan viajar a Eslovaquia, en donde, según dicen, hay grandes fiestas y mujeres guapísimas. Los tres se embarcan hacia el este cargados de ansias de aventuras. La peor pesadilla de sus vidas está a punto de comenzar…

Apadrinado por Quentin Tarantino, Eli Roth se ha convertido en una de las jóvenes promesas del gore moderno gracias al papel decisivo que ha tenido su saga “Hostel” en el lanzamiento comercial de este “género” junto a otras como la de “Saw”. En un formato narrativo simple y muy directo que se desenvuelve en ambientaciones sucias y oscuras ha presentado sus hasta ahora tres películas, todas pertenecientes al género del terror y todas cargadas de elementos gore desmesurados y a veces incluso barrocos. Debutó con “Cabin Fever”, a la que siguieron “Hostel” y “Hostel II” y el cortometraje “Thanksgiving”, incluído en “Grindhouse”. Existe una polémica abierta sobre su cine y su personalidad. Según muchos él mismo se ha creado una falsa imagen de enfermo mental de diseño con el único objetivo de hacerse publicidad (imagen que Tarantino ha fomentado), mientras que sus películas son vistas como maravillas por unos y como farsas por otros.

Yo pienso que en realidad la polémica va más allá de este personaje desde mi punto de vista inofensivo (como sus creaciones): la violencia en el cine ha dejado de ser un elemento transgresor, por lo que ha quedado, como el sexo, asimilada por la industria, que la ha transformado en un simple valor añadido para sus productos. De ahí que el gore ya no forme parte exclusiva de “pequeños círculos”. He expuesto mi opinión sobre este hecho hablando de la saga de "Saw" al completo (de las entregas que hay hasta ahora) y ahora lo completo y lo intento revalidar hablando de las dos hasta ahora existentes de “Hostel”.

Para muchos una obra clave del cine moderno y para otros una tremenda bazofia y una mentira, “Hostel” ha sido indudablemente junto a la divertida “Saw” y sus horrendas secuelas la película que ha logrado acabar definitivamente con los elementos transgresores que la violencia en el cine guardaba. El gore (que no siempre fue transgresor pero que sí representa la cara más desaforada –tanto para dramas como para comedias- de la mencionada violencia física y a menudo incluso psicológica) ya es un patrimonio universal: el gran embudo se lo ha tragado definitivamente. “Hostel” narra las terribles desventuras de tres jóvenes que son secuestrados en Eslovaquia para ser torturados hasta la muerte por ricos que pagan para ello. Está inspirada supuestamente en unos hechos ocurridos en Tailandia hace no demasiado tiempo, aunque muchos desmienten esto y aseguran que Tarantino y Roth se lo inventaron todo para hacer un cierto guiño a “Holocausto Caníbal” y jugar con las posibilidades para aterrorizar que otorga la etiqueta de “Basado en hechos reales”. “Hostel” es una película destinada a divertir a un público muy morboso que, tan sólo hace unos años, la habría despreciado por su crueldad y su brutalidad sangrienta totalmente explícita. Que en ciertos lugares de los Estados Unidos una película como “Brokeback Mountain” (por poner un ejemplo) haya provocado más escándalos que la cinta que comentamos no es casual: la violencia de “Hostel” es inofensiva aunque Eli Roth intente hacernos ver todo lo contrario. La acción transcurre en un país que aparece retratado de una manera vergonzosa, una Eslovaquia llena de mafias, prostitutas muertas de hambre y niños criminales salvajes que parece vivir en una eterna posguerra. Eso “en los USA no pasa”. Por otra parte, la película no deja de ser un típico y tópico filme de terror juvenil: los personajes van muriendo uno a uno hasta que el último de ellos se salva y se venga de los villanos de turno. Lo único novedoso es que no hay un asesino en serie ni un fanstama ni un monstruo horrible, sino varias personas que supuestamente personifican a la más honda decadencia humana. Porque “Hostel”, eso sí, es pretenciosa: Eli Roth quiere hacer un retrato del lado más oscuro de las personas mientras trata además de ofrecer gore de calidad para sus fans. No logra ninguna de las dos cosas; “Hostel” únicamente posee dos o tres apuntes estremecedores: los individiuos sudorosos e inseguros que efectúan las matanzas están bien retratados (por lo menos en lo que a físico y actuaciones se refiere), mientras que el momento del encuentro del protagonista con el hombre mediocre y fanfarrón que se prepara para la carcinería puede provocar un cierto escalofrío. El resto es verdadera morralla (con todas las palabras): más de la primera mitad del metraje (soporífera y sin ritmo ninguno) está relleno de juergas y escenas de sexo zafias que no sugieren nada, mientras que la parte final no sirve como el retrato que el director quiere efectuar de la mencionada decadencia humana porque se pierde en los efectismos más vulgares olvidando ofrecer un mínimo discurso o algo más aparte de la acción y las mencionadas torturas. El caso es que como filme gore “Hostel” tampoco aporta nada que no se haya visto: salvo la escena del ojo arrancado (que verdaderamente resulta impactante, todo hay que decirlo) no hay nada que merezca la admiración de los fans del género. “Hostel” es un engaño en mi opinión, una película flojísima en todos los aspectos que ha creado una leyenda muy efectiva a su alrededor y que de eso vive, del cuento. Hay películas mil veces más crudas y más profundas y críticas con la sociedad que ésta, el problema es que no son comerciales. Si quieren ver cosas verdaderamente duras y hondas vean “Saló o los 120 días de Sodoma” o “La gran comilona”, o “La naranja mecánica” o “If…”, pero no se traguen el anzuelo de Eli Roth. Lo mismo les digo si buscan buen gore: vean “Braindead”, vean “Holocausto Caníbal”, vean la trilogía de “Posesión Infernal”. Se reirán y tendrán vísceras de verdad.

SAW VI de Kevin Greutert - 2009 – (“Saw VI”)

2010-06-06T06:45:00.000-07:00

La sombra del fallecido Jigsaw es alargada y las víctimas de sus macabros juegos no dejan de aparecer. El agente Hoffman, su supuesto sucesor, investiga un "nuevo" caso relacionado con su maestro bajo la amenaza de que sus compañeros le descubran y, en algún lugar desconocido, William Easton, un agente de seguros despiadado responsable de muchas vidas destrozadas, ha de enfrentarse a su pesar a una serie de juegos macabros para purgar sus pecados. Sin embargo, las cosas no son lo que parecen ser y el mismo Hoffman tal vez no sea lo que él cree ser... La viuda de Jigsaw, Jill, tiene mucho que decir al respecto de lo que ocurre.

A estas alturas de la película no sé ya qué comentar sobre una cinta como "Saw VI", en la que absolutamente tooooooooooooooooodos los tópicos de esta saga ya interminable y pesadísima que algunos tienen como "un culmen del suspense moderno y de la estética videoclipera" (se lo juro, me lo han llegado a afirmar y se han quedado tan panchos) se vuelven a repetir una vez más. El agente Hoffman (tal vez el secundario más importante de la saga junto con Amanda) es el sucesor de Jigsaw pero finalmente no lo es porque "digamos que no ha superado su propia prueba" (oh, vaya, nadie se lo esperaba, que sorpresa) y un despiadado agente de seguros tiene que pasar una serie de sádicos juegos en los que muere mucha gente y al final de los cuales... ¡Sí, lo adivinan, él termina muriendo también y siendo castigado por sus pecados en el último minuto, otra sorpresa que nuuuuuuuuunca se ha visto en la saga! En fin, señoras y señores, llevo una semana escribiendo sobre esta franquicia que ya se me antoja infumable y estoy poco inspirado. Pero es que, además, créanme: no hay nada más en "Saw VI". Nada. Es otro puente tontorrón y 100% predecible hacia la siguiente entrega, en la que al parecer la viuda de Jigsaw va a tomar el relevo (que pesadez de relevos, ya son cansinos, y encima, todos están ya asumidos desde el primer momento por el espectador). ¿Terminará algún día esta saga ya tan aburrida?

PD: No sé en qué pensaba la Ministra Sindescargas (sí, la del Ministerio de Industria Cultural -que no de cultura-) al censurar en España esta entrega de la saga que es una de las menos violentas de todas (excepto la prueba de apertura, no hay demasiada sangre en el filme, y eso es raro pero también en este caso es cierto). También hay que decir que este hecho, por supuesto, a los internautas nos dió exáctamente igual, porque vimos la película en la red -sí, la que ella intenta censurar también pero sin éxito- y ya está. No sé si la actualización le hace más falta a la saga de "Saw" o a la Industria Cultural (Española y mundial).

SAW V de David Hackl – 2008 – (“Saw V”)

2010-06-06T06:41:00.000-07:00

De una vez por todas, la estructura de asesinatos del por fin fallecido Jigsaw ha sido desarmada. Sin embargo, el agente Hoffman va a continuar en la sombra con su legado de muertes, algo que el agente Stram sospecha, por lo cual empieza a investigarle. Pronto, tal y como esperaba, la pesadilla retorna: vuelven los crímenes y cinco desconocidos aparecen encerrados en un lugar oculto... A la espera de enfrentarse a nuevas pruebas mortales.

“Saw”, ese filme independiente que fue un hasta cierto punto sorprendente, impactante y divertidísimo thriller, se ha terminado conviertiendo al haber sido inesperadamente asimilado por la gran industria en otra de esas sagas interminables y alargadas hasta el éxtasis de manera completamente absurda que ya en su segunda entrega resultaba trillada y que en la tercera y en la cuarta resultaba directamente cansina. “Saw V”, que supone el debut de David Hackl como director (fue el diseñador de producción de las cuatro anteriores) tras el abandono de Darren Lynn Bousmann (que sustituyó a James Wan, el director del primer “Saw”, para dirigir “Saw II, III y IV”), es otra innecesaria y chapucera vuelta de tuerca a todo lo ya visto que únicamente tiene un objetivo: saciar el morbo de un público para el que el gore ya está completamente superado (lo comenté con mi crítica de “Saw III”) y que únicamente quiere vueltas de tuercas constantes supuestamente sorprendentes dentro de un estilo de trama que se saben de memoria. Y es que todos sabemos que en “Saw V” va a terminar perdiendo el protagonista en el último momento y que la mayoría de los secundarios van a morir de una u otra manera irremisiblemente, mientras que el desenlace dejará una estela abierta para la futura sexta entrega de la saga. El que el Jigsaw original haya por fin muerto no consigue reorientar una trama quemadísima ahora al mando del aparecido en “Saw IV” detective Mark Hoffman (Costas Mandylor) que, como era de esperar, se enfrenta a otra prueba dentro de las pruebas que él propone para sus víctimas. El protagonista de turno (pura carne de cañón), el agente Strahm (Scott Paterson), también aparecido en “Saw IV”, no tiene por otra parte ningún carisma (sobre todo porque su papel consiste en ser eso: pura carne de cañón), mientras que la trama, vulgarmente enrevesada (aunque por lo menos medianamente coherente, lo que ya no eran las de “Saw III” y “Saw IV” –en esto sí gana un poco “Saw V”-), únicamente consiste en tapar huecos que a nadie le interesan de las anteriores entregas. El estilo videoclipero más zafio sigue predominando, aunque por suerte el gore delirante se ha visto notablemente reducido (increíble pero cierto) en la previsible historia que se narra (se ve a leguas que los cinco prisioneros tenían que colaborar juntos... es que no se puede ser más infantil a la hora de construir un argumento). Por último, sigue resultando irritante la maldita pretenciosidad que el guión tiene, guión en el que Jigsaw habla de nuevo de moralidad de una manera asquerosamente beata y con razonamientos filosóficos y sociológicos de patio de recreo que, para colmo, intentan pasar por el culmen de lo visionario. “Saw V” vuelve a ser lo que fueron “Saw III” y “Saw IV” (la segunda entrega a pesar de ser flojísima por lo menos entretenía): una soberana porquería que, como no, anticipa que todavía habrá una secuela más.

SAW IV de Darren Lynn Bousman – 2007 – (“Saw IV”)

2010-06-06T06:33:00.000-07:00

Jigsaw y Amanda, su aprendiz, están por fin muertos. Han aparecido algunos de los cadáveres de sus últimas víctimas y los agentes del FBI Strahn y Pérez, junto al detective Hoffman, intentan encontrar el resto y cerrar el caso. Sin embargo, el juego todavía no ha terminado: el Comandante Rigg, de los SWAT, se ve de repente sumergido en nuevas y mortales pruebas de Jigsaw… Si las supera, podrá lograr el objetivo que tanto ha ansiado: salvar a sus compañeros desaparecidos.

Supongo que James Wan, el director de la "Saw" original (un thriller nada revolucionario pero más que aceptable y sorprendente, todo hay que decirlo), no se imaginaba la repercusión que ésta iba a tener: Jigsaw se ha convertido en uno de los iconos del terror moderno más reciente y ha pasado a ocupar un lugar junto a los eternos Cara de Cuero, Jason, Freddy Krueger, el Muñeco Diabólico, Hannibal Lecter y las niñas de “El exorcista” o “The Ring”. Con esto, vamos a tener “Saw” para rato (ya lo estamos teniendo de hecho). Por supuesto, y por desgracia (era previsible) la saga no sigue en buena forma más allá de su primera entrega. “Saw IV”, como ya lo era "Saw III", dirigida de nuevo por el ya habitual Darren Lynn Bousman, es, más que nunca, una simple excusa para contentar al público más sediento de sangre y de gore delirante (con el objetivo que sea: pasarlo mal o pasarlo bien o echar unas risas). Y fin. Ni la enrevesada trama ni el hecho de que se narre el porqué de la locura de Jigsaw (que sigue siendo un psicópata de moral judeocristiana tremendamente beato) ayudan a aportar algo más a la obra, entre otras cosas porque el argumento ya no hay por donde cogerlo. Jigsaw ha muerto pero sigue dando por saco y ha dejado pruebas preparadas que son ejecutadas, al parecer, por otra mano en la sombra. Ya suena todo a cachondeo, y la cosa no anda descaminada: la total y absurda inmortalidad y omnipresencia del personaje central produce a estas alturas pura rabia, y la historia de su locura es tremendamente pueril y simplona y no crea ni mantiene el más mínimo interés por trillada y predecible. La trama, por otra parte, está dislocada en un infumable juego de flashbacks en el que el tiempo se descoca constantemente buscando en la confusión gratuita más descarada la originalidad y la hondura narrativa de la que carece totalmente. Para colmo, “Saw IV” está llena de fallos y de lagunas en el guión (algunas de bulto), los personajes (pésimamente aprovechados todos) de planos que son dan risa (y las horrendas actuaciones también) y los diálogos lo que producen es la vergüenza ajena. En el campo estético tampoco mejora: vuelve a ser un despreciable videoclip de casi dos horas; su estética tenebrosa y sucia artificial y sus constantes y cansinos filtros, flashes, ruidos y deslumbramientos cansan a la vista y en vez de otorgar ritmo y agilidad sumergen a los espectadores en el sopor más insostenible. El resto ya se lo pueden imaginar: autopsias muy detalladas, miembros volando por los aires, cabelleras arrancadas, martillazos en los ojos, cuchillos cortando caras, electrocuciones, ahorcamientos, cabezas aplastadas… El cuento ya no se lo traga nadie: “Saw IV” es una basura de película, una bazofia con todas las letras, como lo eran sus dos anteriores partes, un conjunto de aberraciones gore con un argumento totalmente idiota preparado concienzudamente para gustar a todas esas personas que en su vida han salido de los videoclips y que siguen creyendo que la violencia en el cine sigue siendo transgresora. Y lo mejor es que la cosa sigue.

SAW III de Darren Lynn Bousman – 2006 – (“Saw III”)

2010-06-06T06:28:00.000-07:00

Jigsaw logró escapar de la policía, pero se encuentra muy enfermo y sabe que está a punto de morir. Por ello, su pupila Amanda secuestra a la doctora Denlon y la conecta a una máquina que la matará si no es capaz de mantenerlo vivo hasta que concluya la prueba que su nueva víctima ha de superar. Esta víctima se llama Jeff. Jigsaw le ha prometido que si gana su juego, podrá encontrarse cara a cara con el hombre que mató a su hijo…

Después de la porquería de “Saw II”, Darren Lynn Bousman repite como director y rueda, en apenas un año, la tercera entrega de esta saga ya millonaria, en la que logra rizar el rizo de lo grotesco y de lo violento y también de lo simple y de lo zafio. El “argumento” de “Saw III” importa muy poco: Jigsaw está vivo (o mejor dicho muriéndose) mientras tiene secuestrada a una doctora que si no le mantiene con vida pierde la suya propia y mientras su víctima nueva lucha por superar una nueva serie de sádicas pruebas para redimirse de su vida desaprovechada. La trama se limita a observar cómo ésta víctima va superando estas pruebas (en las que van muriendo otras personas de muy variadas formas) y cómo Amanda, la compañera de fechorías del antagonista/protagonista Jigsaw que conocimos en la anterior parte, se va volviendo cada vez más desquiciada (por supuesto, con vistas a un gran baño de sangre y vísceras). Nada más. “Saw III” es una película excusa (aún más que “Saw II”) donde uno/a ya se lo sabe todo desde el primer momento; una película excusa para mostrar un verdadero desparrame de violencia gratuita y estrambótica con la que el público pueda horrorizarse y/o reírse un rato entre palomita y palomita. Los diálogos son ya de pura risa (aunque los de las anteriores no estaban tampoco muy lúcidos), los personajes planos y pueriles hasta límites insospechados y los actores y las actrices malos con avaricia. La insulsa trama está para colmo llena de lagunas que, además, quedan bien a la vista en todo momento. El desenlace, buscando la sorpresa a toda costa (y fracasando estrepitosamente en esta búsqueda) es la improvisación más cutre, infantil y chapucera que he visto en mucho tiempo. Es “Saw III” además, en lo estético, un infumable videoclip de dos horas que atrapa irremisiblemente al espectador en el más irresistible sopor (aunque en la pantalla estén destripando vivo a alguien que chille como un cerdo). Sus antecesoras ya lo eran, pero creo que no llegaban a la desbordante cantidad de imágenes por segundo a la que esta llega (la estética de la acumulación fácil de esos directores que únicamente ven vídeos musicales). A “Saw III” no hay por donde cogerla. Eso sí, ha llegado muy lejos en un aspecto: ha logrado alcanzar un punto de violencia que pocas películas estrenadas de forma masiva en las salas y para cualquier tipo de público han logrado alcanzar, incluyendo ya hasta elementos puramente escatológicos. La película contiene algunas de las escenas más crudas y brutales de torturas y burradas que se han podido ver en circuitos comerciales. Dos hay que destacar: una operación de cerebro montada en base a primeros planos en la que podemos ver el craneo del paciente abierto en todo su esplendor (y que dura si mal no recuerdo cinco minutos o hasta más) y una demostración del funcionamiento de una máquina que desguaza cadáveres putrefactos de cerdos para lanzarlos, ya completamente líquidos, contra una persona. Quedan por ahí un potro donde a su “inquilino” se le doblan las articulaciones en ángulos imposibles y una máquina que arranca de un golpe las costillas. Y algo más me dejo. Hace años, películas mejores o peores como “Holocausto caníbal” o “Braindead” impresionaban al público y revolvían las tripas, mientras que otras como “Perros de paja”, “La naranja mecánica” o “Saló o los 120 días de Sodoma” revolvían hasta las conciencias. Por desgracia, y como hemos observado miles de veces, la maquinaria de producción capitalista lo recicla todo, hasta lo a priori más escandaloso y polémico, para transformarlo en algo rentable y ya banal y superficial (lo hemos visto con el movimiento hippie, con el punk, con el grunge, con figuras como la del Ché, con canciones que ensalzan la libertad y la rebeldía…). Todo plenamente integrado. La cosa está en no creérselo, en no creerse nada de esto y en no creerse que películas como las de la saga “Saw” son innovadoras o polémicas (aunque la primera resulte un aceptable y angustioso divertimento). La violencia por la violencia ha pasado a interesar a Hollywood para hacer de ella un producto comercial 100% rentable y, como otros tantos, nulo en lo que a cualidades críticas se refiere (la de “Saw” es una violencia despojada de cualquier ataque serio hacia cualquier cosa establecida –de hecho la moral de Jigsaw es bastante beata y de aires judeocristianos-). Creo que “Saw III”, más incluso que sus otras secuelas, alcanza la cima de este tipo de producción: violencia descerebrada al servicio de una película conservadora como pocas que sólo sirve para hacernos a las personas aún más inconscientes y conformistas de lo que somos.

SAW II de Darren Lynn Bousman – 2005 – (“Saw II”)

2010-06-06T06:21:00.000-07:00

El agente Eric Matthews lleva mucho tiempo persiguiendo al misterioso Jigsaw. Él y su equipo cada día están más cerca de su pista definitiva… Por fin, un día le atrapan en su propio escondite… Y Eric descubre algo horrible: por un ordenador ve que su hijo está encerrado junto a otras siete personas en una casa ilocalizable llena de trampas que deben superar si quieren salir con vida de ella. Eric sólo tiene ahora una opción: participar en el sádico juego de Jigsaw…

“Saw”, con todos sus defectos, era un thriller más que aceptable y ciertamente sorprendente, a pesar de estar, en mi opinión, bastante sobrevalorado en líneas generales. Sus ya cinco (y más que vienen) continuaciones, sin embargo, son el ejemplo perfecto de la clase de producciones hollywoodienses que ayer comentaba: las que pertenecen a la esta nueva hornada de obras fílmicas que han hecho del antes minoritario y escandaloso cine gore un producto plenamente aceptado y ya incluso demandado en las salas comerciales. Todas han nacido motivadas por el inesperado éxito de su antecesora y todas se han limitado a tomar la idea básica de ésta para, eliminando prácticamente todo el suspense y la intriga que tenía, ofrecer al público un inmisericorde festival de sangre y vísceras (sin pies ni cabeza ya a partir de la infumable tercera entrega) con el que hacerle pasar un rato de violencia descerebrada sin dejarle pensar demasiado. Hay muchos que buscan pasarlo mal con este festival, y otros que lo que quieren es, directamente, echar unas risas ante la hecatombe. Todas las secuelas de esta devaluadísima saga (en lo artístico, porque cada nueva entrega sigue siendo un inexplicable éxito y sigue siendo esperadísima por los miles de inexplicables fans que "Saw" se ha ganado en todo el mundo) están conscientemente preparadas para contentar sin problemas a estos dos tipos de espectador/a, lo que ya es una prueba de su falta de calidad, de su infame condición de producto palomitero destinado a un breve momento de gloria y a un posterior y eterno olvido en el cajón de las malas secuelas. Ninguna tiene mucho que ofrecer más allá de esto. En “Saw II” ya sabemos la identidad del asesino desde el primer momento por haberlo averiguado en la primera entrega. Ahora le encontramos rodeado por la policía y controlándola a su vez por medio de la utilización del hijo del jefe de estas fuerzas de la Ley como moneda de cambio. Este chico está encerrado en un decrépito caserón junto a otras siete personas que deben superar, cada una de ellas, una prueba mortal. Para sorprender al espectador ya sólo encontramos, conocido Jigsaw, dos elementos: el diseño de estas pruebas y un desenlace que intenta resultar original, un desenlace con una vuelta de tuerca que intenta ser impactante. El caso es que ambas propuestas de sorpresa se quedan a medias tintas. Ninguna de las pruebas es imaginativa: son simples y desaprovechados vehículos destinados a provocar el sadismo como se provoca un vómito, sadismo que se muestra todavía más crudo y sucio que el de “Saw” (alcanzando ya el puro gore) pero que no por ello logra sorprender en absoluto ni tornarse un elemento de interés. El desenlace también es fallido: puede resultar en un principio sorprendente, pero en realidad no lo es en absoluto. Lo único que hace es dar una vuelta de tuerca que se veía venir desde la mitad del filme y que ya la hemos visto miles de veces (los que han visto la película saben de qué hablo) y colocarla en un lugar que desata sentimientos respecto a la primera entrega y que une ambas tramas. Nada más. Por otra parte, los personajes, desaprovechados, son planísimos y se mueven según los más elementales tópicos. “Saw II” ofrece un resultado horrible en todos los aspectos, resultado que se ve aún enturbiado por una trama que acaba degenerando en una interminable sucesión de persecuciones por pasillos oscuros y que además está narrada utilizando un montaje videoclipero insufrible por su agotadora y zafia acumulación de imágenes. ¿Algo peor? “Saw III” y todo lo que queda por delante. Mañana.

SAW de James Wan – 2004 – (“Saw”)

2010-06-06T06:08:00.000-07:00

Adam se despierta encadenado a un tubo dentro de un decrépito servicio público en un lugar desconocido. A su lado, se encuentra otra persona encadenada, el Dr. Lawrence Gordon. Entre ellos hay un cadáver con un revolver en una mano y una grabadora en la otra. Ninguno de los dos sabe por qué están allí, sólo poseen un casette con instrucciones que dice que el Dr. Gordon debe matar a Adam en ocho horas. Si falla, ambos morirán, junto a la esposa del Dr. y su hija pequeña... La pesadilla ha comenzado.

James Wan es un director de cine de terror y fantástico muy irregular en líneas generales a pesar de haber despuntado con la excelente y ya mítica "Saw". Su filmografía se completa con la floja "Silencio desde el mal" y la fallida incursión en el thriller de venganzas "Sentencia de muerte".

Siempre ha habido películas destinadas (y algunas exclusivamente, como una atracción de feria) a hacer pasar al público de las salas un buen mal rato: los cortos mudos en los que un tren se lanzaba contra la pantalla o un forajido disparaba “a los espectadores”, las primeras películas de terror, muchas obras de la Hammer, muchas del maestro Hitchcock, cierta rama del cine negro clásico, cierto cine gore o de rasgos gore… En las últimas décadas, por medio de filmes más o menos conseguidos o más o menos inteligentes, se ha intentado, más que nunca, que las salas vibraran de pánico, de miedo, de asco. Las sagas de “La noche de los muertos vivientes”, “La matanza de Texas”, “Viernes 13”, “Pesadilla en Elm Street”, “El exorcista” y muchas otras lo han conseguido con el gran público y han pasado a formar parte de la mitología global del terror. Por otro lado, en salas minoritarias o en vídeo, otro grupo de películas ha conseguido, literalmente, revolver los estómagos con todo tipo de propósitos; aterrorizar, sugestionar, hacer reír y hasta concienciar de un problema o criticar a una sociedad: “Saló o los 120 días de Sodoma”, “Calígula”, “Holocausto Caníbal”, la primera “Posesión infernal”, “Henry, retrato de un asesino”, “Braindead” y las obras de Darío Argento o del español Jesús Franco entre miles. Estas películas han permanecido, de una manera u otra, apartadas de los circuitos primeramente mencionados, los más estrictamente comerciales, a pesar de ser películas de culto o de grandes directores. También el estar apartadas las ha favorecido: el aura de lo prohibido, de lo escandaloso, las envolvió para siempre en las nieblas del mito. Poco a poco, estos dos mercados se han ido fusionando en uno solo. La violencia por simple violencia ha dejado de escandalizar, y apenas hemos tenido tiempo para percatarnos de ello (lo mismo le ha ocurrido al sexo). La sociedad ha cambiado a pasos agigantados, y hoy, para escandalizar, no vasta con mostrar escenas de violencia física dura (ni siquiera cuando viene acompañada de violencia psíquica). Poco a poco, la violencia por la violencia se ha ido integrando, perdiendo su carácter apocalíptico. En las últimas décadas hemos evolucionado en el cine desde la violencia física “fina” y hasta cierto punto sugerida, que no por ello menos brutal y terrible, de “El silencio de los corderos” o “Seven”, hasta la violencia abierta de las obras de Tarantino, Ritchie o Kitano (herederos en parte de creadores imprescindibles como Peckinpah o Penn, creadores olvidados por una gran parte de las nuevas generaciones cuya limitadísima escuela ha sido el pobre mundo videoclipero) pasando por las burradas de directores tan amados y odiados como Takashi Miike (para mi un buen y desprejuiciado creador aunque con muchas obras irregulares). Si bien algunos como éste último o Kitano siguen destinados a circuitos minoritarios, otros como Tarantino, Ritchie o Fincher han creado escuela en las salas comerciales. Podemos afirmar hoy sin problemas que la violencia en el cine, la violencia más brutal y sádica, esa antes reservada a un público “selecto”, ha quedado plenamente aceptada en todas las salas y ha pasado a ser una fórmula de éxito asegurado que contenta a públicos de todas las edades y formas de concebir el cine. “Saw”, y especialmente su interminable saga de horrendas secuelas, constituyen unas de las banderas más importantes de esta hornada de cintas que ha integrado el puro gore en los cines comerciales. Hollywood, salvo excepciones (y salvo las labores de ciertos productores y creadores que han luchado a la contra desde dentro o que han usado el posibilismo –hoy cada vez menos numerosos-) siempre ha sido una industria bastante beata y conservadora. Hoy no lo es menos: como la violencia por la simple violencia no es capaz ya de escandalizar a nadie, ha optado por comercializarla abiertamente. Si bien ha logrado grandes resultados (“Seven”, “El silencio de los corderos”, “Kill Bill”…), otros han sido desastrosos. La sangre y las vísceras, señoras y señores, ya son un producto palomitero pleno. El disparo de salida lo han dado películas como “Saw” (casi la única medianamente aceptable de esta nueva hornada), las horripilantes “Hostel” y "Hostel II" y un montón de remakes como los de los modernos productos asiáticos de terror. El público se ha acostumbrado a ir al cine a pasarlo mal (o a echar unas risas, según apetezca) y, es más, a veces ya lo exige plenamente, así que su respuesta ha tenido. Esta nueva hornada de brutales y sádicas películas de terror comerciales son lo que es, por ejemplo, la saga (y especialmente la trilogía básica) de “American Pie” a la comedia: un producto descerebrado de rápido consumo. Si en ella encontramos chistes idiotas sin parar y gamberradas zafias sin sentido, en las otras encontramos sangre y violencia zafia sin pies ni cabeza como prácticamente su único valor, su único handicap para que sean elegidas frente a la cartelera por encima de otras opciones. Esto lo ejemplifican perfectamente todas las continuaciones de “Saw”, película que, a pesar de sus fallos, considero un thriller aceptable y con capacidad de sorprender. Su caso es curioso: destinado a ser un pequeño filme de culto, rodado con cuatro duros, con actores famosillos un poco de capa caída y otros desconocidos y estrenado en circuitos comerciales aunque no de forma masiva, ha resultado ser un éxito del todo inesperado que ha traspasado fronteras. El boca a boca e Internet lo han llevado a lo más alto y ahora su protagonista, Jigsaw, ha pasado al podio de mitos populares globales del terror junto a los eternos Cara de Cuero, Freddy Krueger, Jason, Hannibal Lecter y niñas del Exorcista y de “The Ring” entre tantos. La película está dirigida por James Wan, un hasta hace poco completo desconocido que se ha desvinculado de sus secuelas en la dirección (en el guión de algunas está presente) para dedicarse a otros proyectos. “Saw” es, especialmente dentro de las horribles carteleras que venimos soportando en los últimos años, un más que meritorio thriller ambientado en una sala interior y en algunos pocos escenarios más. Dos completos desconocidos han de buscar la manera de salir del pordiosero cuarto de baño en el que están encerrados sin razón aparente superando una serie de malévolas pruebas. Mientras, en el exterior, dos detectives intentan pillar al que los tiene atrapados. Una tercera línea de acción queda establecida mediante flashbacks de todos los protagonistas que representan sus vidas pasadas. “Saw” es un efectivo popurrí de varias películas de horror famosas: su asesino es sofisticado y hasta cierto grado culto (Hannibal Lecter) y busca redimir de alguna manera a sus víctimas (“Seven”) haciéndoles pasar pruebas de arrojo o inteligencia en las que si fallan pierden la vida (“Cube”). La violencia, uno de los puntos que lo ha hecho famoso, es sádica hasta límites insospechados, sucia, morbosa y cruel, alcanzando por momentos el puro gore y llegando a lograr que ciertas escenas “duelan”. El guión, aún con algunas lagunas y trampillas y diálogos flojetes, contiene acertadas y sorprendentes vueltas de tuerca y sabe provocar e interesar desde el primer momento. Su desenlace es verdaderamente impactante y del todo inesperado (el desenlace le hace ganar muchos enteros a “Saw”). En su aspecto más negativo podemos citar su horrendo y reiterativo montaje videoclipero y la línea argumental que protagoniza Danny Glover, que por momentos pierde el ritmo. Es, creo, de todas formas, el debut de Wan un filme bastante aceptable y que recomiendo ver sin prejuicios. Sus secuelas ya son otra historia…

EL HOMBRE LOBO de Joe Johnston - 2010 - ("The Wolf Man")

2010-06-06T03:42:00.001-07:00

Lawrence Talbot regresa a su vieja mansión después de una infancia y una juventud traumáticas marcadas por la muerte de su madre. Hace años que abandonó su pequeño pueblo natal, Blackmoor, y se ha distanciado muchísimo de su padre, Sir John Talbot, un hombre extraño del que apenas sabe nada. Lawrence encuentra en su hogar un ambiente enrarecido: su hermano ha desaparecido misteriosamente y hay algo diabólico en la zona que está llevando a cabo sangrientas matanzas. Además, el detective Abberline, de Scotland Yard, ha llegado al lugar para investigarlo. Lawrence siente además que algo oscuro late en su interior... Y que está relacionado con todo lo que ocurre a su alrededor.

Joe Johnston es un director de cine comercial en líneas generales solvente que, a pesar de no gozar de una personalidad marcada, suele realizar filmes aceptables encuadrados en toda clase de géneros (entre los que predomina el infantil, juvenil y familiar) aunque, alguna que otra vez, ha entregado algún que otro producto horrendo. Su filmografía, en la que tiene varios grandes taquillazos, se compone de la comedia "Cariño, he encogido a los niños", del filme de aventuras "Rocketeer", del filme parcialmente de animación "El Guardián de las Palabras", del filme familiar "Jumanji", del drama de superación "Cielo de Octubre", de la horrenda secuela "Parque Jurásico III", del filme de aventuras "Océanos de fuego" y del filme de terror "El hombre lobo".

La revisitación que Joe Johnston realiza de la mano de Benicio Del Toro (en un papel que le viene como anillo al dedo) del mito del hombre lobo es una descafeinada cinta de terror con puntos de drama en la cual lo más interesante es la apariencia de su monstruo protagonista, que hace una consciente referencia al mítico "Hombre Lobo" de Lon Chaney Jr. que la Universal desarrolló en 1941 (y por consiguiente, a todos los demás licántropos "clásicos" que tantas veces han sido homenajeados y parodiados). La trama del filme, un refrito-actualización también consciente de la del filme de principios de la década de los cuarenta, es lineal y bastante predecible en todos los aspectos y no tiene ni demasiada garra ni demasiada alma. Las escenas de acción tienen su gracia (especialmente porque también mantienen esa cierta estética de la serie B y del pulp y porque esquivan los alardes de acción barroca y excesivamente exagerada de otros filmes modernos) y las transformaciones de las bestias, que recuerdan conscientemente a otras como las de la magistral "En compañía de lobos", son todo lo crudas y "crujientes" (ustedes me entienden) que han de ser. Benicio Del Toro, Anthony Hopkins, Hugo Weaving y Emily Blunt llevan a cabo papeles simplemente solventes. "El hombre lobo", refrito consciente como he señalado y también sin pretensiones más allá de hacer pasar un buen rato de homenajes sin más, se puede ver con comodidad, pero no aporta nada ni al cine de terror ni a su personaje clásico.

LOS TRES ENTIERROS DE MELQUÍADES ESTRADA de Tommy Lee Jones – 2005 – (“The three burials of Melquíades Estrada”)

2010-06-04T05:38:00.000-07:00

El mexicano Melquíades Estrada, inmigrante en los Estados Unidos, aparece asesinado y enterrado en el desierto cerca del pueblo de Texas en el que residía. Las autoridades locales no se preocupan lo más mínimo de aclarar el crimen y le dan sepultura en el cementerio público. Sólo a alguien le importa lo ocurrido: al capataz Pete Perkins, el mejor amigo de Melquíades, que va secuestrar al asesino, un policía violento y racista llamado Mike Norton, para obligarle a llevar el cadáver a Eldorado, en Mexico, con el objetivo de que sea en enterrado en su hogar. Entre Pete y Mike va a surgir el odio y la violencia, pero también la redención va a planear sobre ellos.

“Los tres entierros de Melquíades Estrada”, el debut tras la cámara del actor Tommy Lee Jones, es una genial película ambientada en la Norteamérica profunda más cercana a la frontera mexicana que narra una tremendista historia de racismo y de redención, asuntos habitualmente tratados por el escritor de su guión, Guillermo Arriaga, entre cuyas obras se encuentran los de “Amores perros” o “21 gramos”. Tommy Lee Jones, además de dirigirla, la protagoniza, dando vida a un hombre taciturno, brutal y atormentado que, tras el asesinato de su mejor amigo a manos de un policía racista y machista, secuestra a este mismo policía para obligarle a enterrar a la víctima en su Mexico natal, como era su deseo. El duelo interpretativo entre Lee Jones y Barry Pepper (que da vida de manera soberbia al referido policía, retratado espléndidamente en unos pocos trazos al inicio del metraje) es verdaderamente antológico: ellos solos son capaces de mantener el filme en alza y en tensión (una tensión casi insoportable) con sus miradas, sus muestras de odio y de afecto, sus rostros desencajados o perdidos que trasnpiran una alienación descorazonadora o un hastío tal vez irreparable (no en vano, para preparar el filme, Lee Jones entregó a todos los actores un ejemplar de “El extranjero” de Albert Camus). Junto a ellos destaca un Julio César Cedillo como Melquíades en un breve y cándido papel que salva al personaje principal de su alienación por medio de la amistad, amistad que le es arrancada de golpe. Con una trama que se articula por medio de las acciones minimalistas de los personajes o de sus impulsos más directos y espontáneos, con una maravillosa fotografía (los paisajes por los que se mueven son esplendorosos en toda su desértida soledad y hostilidad), con una violencia brutal y verdaderamente descarnada y con un ritmo pausado y contemplativo que deja hablar al silencio (la trama se articula en gran parte gracias a éste), “Los tres entierros de Melquíades Estrada” queda para la posteridad como un fascinante western moderno crepuscular que se ha erigido por méritos propios como una de las mejores películas fronterizas de los últimos años. Esperemos que Tommy Lee Jones vuelva a dirigir en estas condiciones.

EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA de Kevin MacDonald – 2006 – (“The last king of Scotland”)

2010-06-02T05:18:00.000-07:00

Años setenta. El joven escocés Nicholas Garrigan acaba de terminar su carrera de Medicina. Ansioso de aventuras, se marcha una temporada a Uganda para trabajar en una misión humanitaria. Allí conoce, de pura casualidad, a Idi Amin, el nuevo presidente del país, el cual le invita a formar parte de su gobierno como su médico personal. Nicholas accede y entre ambos nace una amistad. Sin embargo, todo empieza a cambiar rápidamente: Amin resulta ser un hombre paranoico e inestable y un tirano sanguinario. Nicholas es testigo de cómo su amigo sume a Uganda en la miseria y en la destrucción. Pronto, él también es uno de sus blancos…

Kevin MacDonald es el nieto del también cineasta Emeric Pressburger (el compañero creativo de Michael Powell). Su primer largometraje de ficción fue “Tocando el vacío”, al que siguieron "El último Rey de Escocia" y "La sombra del poder".

“El último rey de Escocia” está basada en la exitosa novela homónima de Giles Foden, escritor inglés que pasó parte de su infancia y adolescencia en Uganda, país que en él ha dejado una huella imborrable. La película, al igual que la obra mencionada, desarrolla la pesadilla de un personaje ficticio, Nicholas Garrigan, un joven médico escocés recién licenciado que, ansioso de aventuras, viaja a Uganda para desarrollar sus habilidades en una misión humanitaria. Allí, por una casualidad, conoce a Idi Amin, el nuevo presidente del país, con el que entabla una extraña y frágil amistad y de cuyo gobierno entra a formar parte tras ser nombrado su doctor personal. Una vida de lujos se abre ante él, y también de aventuras: va a vivir en directo una época de cambios y de avances en una tierra torturada. Garrigan cree en esta aventura, y también en los mencionados cambios. Es un testigo europeo de una etapa decisiva de la historia de uno de los países de África que más ha dado que hablar en las últimas décadas, y, al igual que Europa en aquel momento, y que todo el planeta, se siente atraído y casi fascinado por la persona de Amin, un hombre salido de la nada y lleno de carisma y de fuerza que puede ser la solución definitiva a los miles de problemas que hunden a Uganda en la miseria y en la corrupción. Idi Amin cautivó, en los primeros tiempos de su mandato, a la opinión pública mundial y a una grandísima parte de su pueblo, a pesar de que también la disidencia con su gobierno fue notable y practicante de una violenta oposición. Sin embargo, su persona empezó a rodearse de oscuros secretos, secretos que Garrigan empieza a descubrir horrorizado mucho antes que el resto del planeta. Idi Amin, un hombre en el ámbito privado paranoico, con extrañas crisis y creencias, lleno de contradicciones y de demonios interiores, se fue sumiendo poco a poco en una espiral de decadencia imparable, espiral de decadencia que también arrastró a su tierra. Temido y odiado por muchísimos ugandeses, murió exiliado en Arabia Saudí hace apenas cinco años. Dejó miles de muertos. El filme de MacDonald muestra este mundo de oscuridad en el que sumió a su país: las desapariciones, las torturas, los asesinatos, las persecuciones implacables de los disidentes, las expulsiones racistas de asiáticos, los despilfarros, la corrupción, las enemistades creadas con los gobiernos vecinos, las colaboraciones con terroristas de otros países… Con planos muy cerrados y opresivos, retrata la obra, con una gran crudeza, la vida de Garrigan en la “corte” de Amin, un lugar de lujos donde las conspiraciones son constantes. Forest Whitaker borda de manera soberbia al terrible presidente (se ha llevado el Oscar este año), mientras que el joven James McAvoy también realiza una genial interpretación como su amigo médico, un hombre que termina luchando contra el dictador que le protegió y que le acogió e, incluso, contra sí mismo para poder escapar de un lugar del que se le termina impidiendo la salida. La película es una efectiva mezcla de drama con thriller, y está rodada con una gran intensidad y sin concesiones en las escenas de violencia, que son muchas. La trama se va cerrando sobre su protagonista haciendo que el espectador sufra junto a él su decepción y su kafkiana agonía. Los últimos minutos son realmente tensos, aunque se pueda intuir el desenlace. Como he comentado, Whitaker interpreta a Amin con una maestría sin par, aunque sí es cierto que el personaje del presidente podría estar algo más desarrollado, como muchos han comentado. Tal vez le falte más consistencia; hay partes de su vida y de su carácter que aparecen descritas como meros apuntes. A pesar de todo, no cae en el clásico tópico del dictador esperpéntico. Una película muy destacada en todos los aspectos.

ROBIN HOOD de Ridley Scott – 2010 – (“Robin Hood”)

2010-05-28T03:59:00.001-07:00

Robin, un magnífico guerrero y sobre todo arquero, vuelve a su patria, Inglaterra, tras haber luchado en las Cruzadas, un conflicto que le ha destrozado espiritualmente y en el que ha asesinado a montones de "infieles", mujeres y niños incluidos, en el nombre de su Rey, Ricardo "Corazón de León", que no es más que un patán sanguinario. Cuando este monarca muere en una batalla contra los franceses, Robin, junto a otros compañeros, abandona el ejército para, por su cuenta, luchar por su país parándole los pies a Francia, que planea invadirlo. Comienza la leyenda de Robin Hood.

Llega a los cines una nueva versión de las aventuras de Robin Hood de la mano de un Ridley Scott que últimamente está realizando trabajos verdaderamente buenos (ahí quedan las excelentes "American Gangster" y "Red de mentiras") que le están redimiendo de prácticamente una década de inexplicables proyectos anodinos y mediocres (desde los bodrios de "Tormenta blanca" y "La Teniente O'Neil" volvió a destacar con la buena "Gladiator" y cayó de nuevo con la irregular "Hannibal" y las correctas aunque olvidables "Black Hawk derribado", "Los impostores", "El Reino de los Cielos" y "Un buen año"). Ajeado de las versiones de "Robin Hood" más clásicas (en las que el héroe está más emparentado con la pura leyenda), el nuevo justiciero del bosque de Scott (interpretado por un muy buen Russell Crowe) está más cerca de la historia (de lo que se cree que pudo ser realmente este personaje) para presentar a un héroe más realista y complejo (lo es él y lo son sus amigos y enemigos) que se mueve en una Edad Media sucia y brutal con un cierto aliento épico (no podía faltar) que, sin embargo, no lo envuelve todo. La historia que narra Ridley Scott es la que se sitúa, en el tiempo, inmediatamente antes de la que todos conocemos; la lucha contra el pérfido Rey Juan (aquí un patán creído de sí mismo más que un "malvado básico") desde el bosque de Sherwood. Robin Hood vuelve de las Cruzadas, en las que el Rey al que ha servido (un sanguinario con toques también de patán y no el monarca justo de otros relatos de este mito) destrozado por haber asesinado a miles de "infieles" y se enfrenta, por su país y por la justicia, a los franceses que quieren invadirlo, liderados por un villano con gran carisma (muy buen Mark Strong, al que vimos recientemente también como antagonista en el "Sherlock Holmes" de Guy Ritchie). En todos los aspectos, este nuevo "Robin Hood" está más cercano a la soberbia "Robin & Marian" de Richard Lester que a la también soberbia "Robín de los Bosques" de Michael Curtiz. La fotografía y la ambientación son excelentes, los 140 minutos que el filme dura están muy bien dosificados y equilibrados y los actores y actrices que lo protagonizan lo hacen muy bien, desde Cate Blanchet a William Hurt pasando por Max Von Sidow o Danny Huston. Esperemos que Scott siga en esta línea, especialmente ahora que al parecer se va a encargar de dirigir la precuela de su mítica "Alien".

SPIDERMAN III de Sam Raimi – 2007 – (“Spiderman III”)

2010-05-25T04:22:00.000-07:00

Spiderman ha llegado a ser un gran héroe en la ciudad y a Peter Parker las cosas le van mejor que nunca. Sin embargo, no le ocurre lo mismo a su novia Mary Jane… Parker además va a verse las caras con dos nuevos enemigos: el nuevo Duende Verde, que además es su mejor amigo, Harry, y el poderoso Hombre de Arena. Pero hay algo más: un extraño ser ha poseído su traje y lo ha vuelto de color negro. Spiderman va a tener que enfrentarse también a sí mismo y al terrible secreto que su nuevo uniforme esconde…

En la horripilante bazofia que es “Spiderman III”, la última entrega de las aventuras del Hombre Araña hasta este momento, vuelve a repetir Sam Raimi en la dirección y Tobey Maguire y Kirsten Dunst en los papeles principales y, tras el anuncio por parte del mencionado director y del reparto del filme, en su día, del entonces futuro desarrollo de una trama más seria centrada en la lucha interior del superhéroe, nadie pudo dejar de sorprenderse cuando la película de marras llegó a las salas hace ya tres años: ¿Dónde está esta seriedad? ¿Dónde está esta lucha interior? Si “Spiderman” y “Spiderman II” resultaban fallidas por infantiles, esta tercera parte ya no es sólo infantil, sino que además es ridícula y estúpida. La historia narra cómo Peter Parker se enfrenta su lado oscuro y a tres nuevos villanos: el nuevo Duende Verde (su amigo Harry), el Hombre de Arena y Venom, cuya aparición parece que no estaba inicialmente prevista pero que según rumores fue forzada por los productores de la cinta por si no llega nunca a rodarse una cuarta entrega (al parecer, la cuarta "entrega" va a ser un reinicio de la saga -sí, la saga no tiene ni diez años, pero ya va a reiniciarse... así es este Hollywood de hoy-). En dos horas y media insufribles se van sucediendo estos enfrentamientos que desembocan en un espectacular pero burdo clímax que se nota completamente improvisado. El ritmo de la trama está mal llevado, con poco equilibrio entre las escenas de acción y las que no lo son. Además, su motor está cimientado casi exclusivamente en constantes y tontísimas casualidades. Por si fuera poco, está encima llena de lagunas argumentales y hechos inverosímiles que la lastran aún más si cabe: no se explica absolutamente nada sobre Venom –se da por hecho que los espectadores ya conocen su historia y no se dice nada sobre ella, un error de bulto-, el Hombre de Arena hace cosas sin sentido y revive a los pocos días de haber supuestamente muerto, a Harry le da de lleno una de sus bombas y sólo le desfigura una parte de la cara, una fotografía burdamente trucada del Spiderman del traje negro se hace famosa sin que nadie se percate de su clarísima falsedad…. Y así otras tantas chorradas incoherentes. Sin embargo, lo peor de la película son sus personajes, los más planos y absurdos de toda la saga. Peter Parker está peor desarrollado que nunca, y su “parte oscura” es de auténtico chiste: para Raimi mostrar esta parte sombría del héroe consiste en despeinarlo, pintarle ojeras, volverlo un gamberrete y ponerlo a bailar por las calles, a provocar a tías macizas y a decir frases como “me gusta ser malo”. De auténtica y dolorosa vergüenza ajena. Pero llega el turno de los villanos y todo sigue hundiéndose: el Duende Verde ya no es un duende, sino un simple niñato armado con tecnología punta (ni tiene máscara ni tiene conflicto interior ni tiene posesión ni tiene doble personalidad), el Hombre de Arena está insertado en la historia con calzador y cambia de bando constántemente sin mucha coherencia (el antagonista más anodino de todos los de Raimi) y Venom es simplemente patético: sólo tiene protagonismo en la media hora final y el simbionte que lo trae a la Tierra aparece de casualidad precisamente junto a Spiderman ¡Pero que casualidad!. Por si fuera poco, aparece también, interpretada por Bryce Dallas Howard, Gwen Stacy, la primera novia de Parker que en los comics moría a manos del primer Duende Verde en un papel idiota que nada tiene que ver con el de su personaje original y que instaura el triángulo amoroso más pueril que he visto en mucho tiempo. Por supuesto, también tenemos una gran bandera americana colocada de manera gratuita, como ya la tuvimos en el primer “Spiderman”. Lo dicho: una porquería de cierre de trilogía. Por una parte, me alegra que Raimi deje la saga. Por otra, tengo miedo de su hasta este momento anunciado reinicio (aparte de verlo completamente innecesario en estos momentos).

SPIDERMAN II de Sam Raimi – 2004 – (“Spiderman II”)

2010-05-25T04:15:00.000-07:00

Peter Parker compagina como buenamente puede su vida como universitario y como Spiderman. Las cosas no le van bien con las personas a las que más quiere: se siente alejado de su amada Mary Jane y cada día que pasa se le hace más patente la desconfianza que siente por él su antes mejor amigo Harry, que le intuye el asesino de su padre, el hombre que se convirtió en el Duende Verde. Por si fuera poco, ha de enfrentarse a un nuevo y poderoso enemigo: el Doctor Octopus.

Dos años después del gran éxito de “Spiderman” llegó a los cines su secuela, una película que, sin ser una maravilla en mi opinión, mejoraba en algunos aspectos los fallos de su primera parte y que, como ésta, volvió a arrasar en las salas. Repite en “Spiderman II” casi todo el equipo de la anterior entrega, y no hay cambios ni en el reparto principal ni en la dirección. Raimi enmienda en parte la infantilidad que imprimió a “Spiderman” y la mediocridad total de su planísima trama y consigue una historia más seria y compleja, unas mejores y hasta cierto punto más imaginativas escenas de acción y, lo que es más importante, un villano con algo más de carisma y más parecido al original de los comics en todos los aspectos que el olvidable Duende Verde cutremente robotizado de la anterior: el mítico y espectacular Doctor Octopus, al que da vida con gran solvencia Alfred Molina. Por desgracia, siguen quedándosele cosas en el tintero que de nuevo impiden que la película alcance la cota de “seriedad” que su protagonista se merece, por lo que todo el conjunto vuelve a caer en el error de base de la primera “Spiderman”, el de la mencionada infantilidad que se respira en toda ella. Peter Parker, a pesar de los esfuerzos del director por mostrarle como un perdedor atormentado, sigue siendo el personaje infantil de aquella porque sigue sin tener el cinismo, el humor irónico y el cierto pesimismo que caracteriza al verdadero héroe/antihéroe de las viñetas. Por otra parte, los diálogos no han mejorado (siguen resultando pueriles y desaprovechados) y la trama se mueve entre momentos realmente acertados en los que se aprecia la mejoría antes comentada (los que desarrollan la creciente enemistad de Parker con su amigo Harry –el futuro nuevo Duende-, los que muestran el conflicto interior del Doctor Octopus –un poco mejor desarrollado que el del primer Duende-, la excelente escena del tren…) y otros verdaderamente ridículos, como algunos de su antecesora (la “lucha” de la tía de Parker contra Octopus -¿se supone que tiene que hacer gracia?-, el inicio del filme que muestra a Parker haciendo chorradas –hay maneras más sutiles de mostrar que las cosas no le van bien-…). “Spiderman II” resulta un filme entretenido en todo momento, aunque sigue, en mi opinión, siendo fallido, ya que Raimi, una vez más, no se lo tomó en serio. El horror de “Spiderman III”: mañana.

SPIDERMAN de Sam Raimi – 2002 – (“Spiderman”)

2010-05-24T04:41:00.000-07:00

Peter Parker, un joven tímido y débil pero inteligente y sobresaliente en los estudios, ve cómo su vida cambia radicalmente cuando una araña modificada genéticamente le pica y le otorga la fuerza, la agilidad, la velocidad y los poderes de una de ellas. Peter se transforma en Spiderman, personalidad secreta tras la que defiende a los débiles del mal. Sin embargo, terribles hechos cambian su vida en otros aspectos: su tío Ben es asesinado y una amenaza como ninguna otra aparece en la ciudad de Nueva York… El Duende Verde, su primer gran enemigo.

Después de bastantes series para televisión de animación y de actores reales de muy diverso acabado y de alguna que otra desafortunada película que es mejor olvidar, “Spiderman”, uno de los superhéroes más importantes y famosos de la casa Marvel y uno de los grandes iconos del mundo del comic de todos los tiempos fue llevado a la gran pantalla, por primera vez con una cierta dignidad, por Sam Raimi. El gran éxito de esta adaptación ha propiciado hasta ahora dos secuelas (una mediocre pero entretenida y otra del todo despreciable) que han dejado la saga en una trilogía que, al parecer, va a terminar en un "reinicio" de dicha saga (reiniciar sagas que a veces no tienen ni una década: la nueva moda de los próximos años del Hollywood falto de ideas y de ganas de arriesgarse de siempre). La adjudicación de las hasta ahora tres adaptaciones de las aventuras del Hombre Araña a Raimi ha propiciado una cierta polémica que todavía continúa entre los fans y entre el público en general: muchos las detestan, otros tantos las adoran y otros cuantos las ven sólo aceptables. En mi opinión, las tres son cintas fallidas, aunque las dos primeras pueden resultar distraídas. Es bastante decepcionante que un director como Sam Raimi, de filmografía irregular pero muy curtido en el cine fantástico, en adaptaciones de historias de las viñetas y gran amante de Spiderman, haya optado en sus nuevas creaciones por rodar lo que otros tantos directores sin personalidad han rodado (los de bazofias como “Daredevil”, "Elektra", “Los 4 Fantásticos” y su secuela, la segunda “The Punisher”, “El Motorista Fantasma”, "X-Men III"…): tres películas para niños que no rescatan en ningún momento el concepto “serio” de superhéroe que sí que lograron llevar a las salas creadores como Richard Donner con los dos primeros "Superman", Tim Burton en los dos primeros “Batman”, Christopher Nolan con las soberbias "Batman Begins" y "El Caballero Oscuro", Ang Lee en la injustamente infravaloradísima “Hulk” o Bryan Singer con la también injustamente infravalorada "Superman Returns". “Spiderman” y sus dos secuelas son películas de acción con protagonistas planos, antagonistas planos y tramas planas que vuelven, una vez más, a presentar al clásico superhéroe que no pasa de ser un simple cartón con traje de colores que lucha contra el mal. Hay que decir que las elecciones en el reparto son acertadas: todos los personajes, entre los que destacan Tobey Maguire como Peter Parker, Kirsten Dunst como Mary Jane y Willem Dafoe como el Duende Verde (el villano de turno de la entrega que comentamos hoy), son físicamente bastante parecidos a los de los comics. Pero todo queda ahí. “Spiderman” no comienza nada mal: sabe mantener el interés e incluso resulta emocionante en todo su primer segmento, segmento que culmina con la terrible muerte del tío de Parker. Hasta aquí Raimi sabe llevarlo todo con pulso, soltura y bastante fidelidad al original. Sin embargo, a partir de la mencionada muerte todo se desinfla irremisiblemente. ¿El principal fallo? Los personajes: Spiderman es un héroe cínico, descreído por momentos y a veces un directo antihéroe que no para de hacer chistes y de burlarse con ironía de todo lo que le rodea a pesar de vivir atormentado por un pasado triste y un presente incierto. No es así en estas películas: Spiderman es un “niño bueno” sin ningún carisma que tras la muerte de su tío se queda estancado y no evoluciona en toda la saga. Su primer enemigo tampoco ayuda: Willem Dafoe es un soberbio actor, pero con el disfraz "ultratecnológico" (en realidad bastante cutre) que le han colgado no puede desarrollar un villano que habría dado muchísimo juego si hubiera sido como el original en el que se basa, un duende auténtico, y no un simple hombre con una armadura. Ni el protagonista ni el antagonista tienen poder para llevar la trama a buen puerto, pero además, ni un solo secundario aporta algo digno de elogio (ni siquiera Mary Jane) y las escenas de acción son simplonas y sin imaginación. “Spiderman” podría haber sido una excelente película, y no lo ha sido porque ni el mismo Raimi se la ha sabido tomar en serio. Por cierto que, teniendo al Duende Verde como villano, se podría haber llevado a la pantalla la saga de la muerte de Gwen Stacy, la primera novia de Spiderman (no, no fue Mary Jane), que falleció por culpa del referido Duende en uno de los momentos más duros, desencantados y dramáticos de los comics. Extrañamente, al personaje de Gwen no nos lo encontraremos hasta la tercera y horripilante entrega y con una concepción que nada tiene que ver con la original. Mal, Raimi, mal, y muy decepcionante por tu parte. Y lo peor es que no mejora con las demás cintas de la hasta ahora trilogía.

EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA de Arturo Ripstein – 1999 – (“El coronel no tiene quien le escriba”)

2010-05-21T06:22:00.000-07:00

El coronel lleva quince años esperando en el pequeño pueblo de Colombia en el que vive la pensión que le corresponde por haber participado en la Guerra de los Mil Días. Sin embargo, nadie le responde desde el Gobierno y él, además de viejo, cada día se ve más rodeado de miseria: su mujer está muy enferma de asma, su casa se cae a pedazos y ya no tienen ni siquiera qué comer. Lo único que el coronel conserva es el gallo de su hijo Agustín, que fue asesinado por repartir octavillas contra el sistema establecido, un gallo fuerte y joven. Todos en el pueblo le recomiendan al coronel que venda este gallo, ya que con él sacaría mucho dinero en la gallera. El coronel, sin embargo, prefiere morirse de hambre antes que deshacerse del animal que parece ser su única razón para vivir.

La que es, desde mi punto de vista, la mejor novela de Gabriel García Márquez (por encima incluso de la mil veces más promocionada “Cien años de soledad”) tuvo en 1999 la mejor adaptación que podía haber tenido, que vino de la mano del gran cineasta mexicano Arturo Ripstein y de su mujer, la guionista Paz Alicia Garciadiego. Un viejo coronel veterano sin nombre espera, en su pequeño y abandonado pueblo de Colombia, la pensión que le corresponde por sus servicios durante la Guerra de los Mil Días, que asoló a su país y a Panamá desde 1899 hasta 1902. La espera dura ya quince años y el hambre ya se ha instalado en la casa de este coronel, que para colmo comprueba en sus propias carnes cómo su lucha no sirvió para nada (la opresión ha vuelto al país a pesar de todo) y cómo sus compañeros de partido, los que combatieron con él, han muerto o han sido desterrados. “El coronel no tiene quien le escriba” es una de las novelas más fieramente sociales de García Márquez, novela en la que el mencionado coronel, cercado por la miseria más absoluta, por la enfermedad de su vieja mujer, por un ambiente político de implacable censura y represión y por la insolidaridad o indiferencia de sus vecinos, se empeña en conservar a toda costa el gallo de su joven hijo Agustín, asesinado por repartir octavillas contra el sistema establecido. Dicho gallo, que ha suscitado todo tipo de interpretaciones en todos los ámbitos literarios, es lo único que el coronel puede vender para subsistir (ya no tiene ni siquiera qué comer), pero se niega a hacerlo para conservar, tal vez, lo poco que le queda de este hijo arrebatado. Un soberbio e inolvidable Fernando Luján da vida al protagonista del relato, que se mueve erráticamente por su pueblo tal y como en la novela se movía. Arturo Ripstein, desde un pulso pausado y consciéntemente repetitivo, calca el ambiente soporífero del lugar en el que la acción se ambienta, el ambiente de violencia contenida, de temor, de oscurantismo y de mediocridad que García Márquez retrató, y lo hace apoyándose en una preciosa fotografía y en un realismo extremadamente seco y conciso, el mismo que el de la novela. Completan el reparto unas igualmente soberbias Marisa Paredes y Salma Hayek (interpretando a un personaje que no aparecía en la obra original, la prostituta enamorada de Agustín). Espléndida radiografía de la derrota, del hastío y del asco, de la desilusión y de la desolación vital y política (horrendo el personaje de Don Sabas, el político que traicionó a los suyos y los vendió para enriquecerse) y brutal crítica a la Colombia del pasado siglo, “El coronel no tiene quien le escriba” es una adaptación ejemplar e imprescindible de una novela que también es ejemplar e imprescindible. Lean la novela y después vean la película.

EL CAMINO DE LOS INGLESES de Antonio Banderas – 2006 – (“El Camino de los Ingleses”)

2010-05-20T05:02:00.000-07:00

Años setenta. Málaga. Un grupo de jóvenes amigos está a punto de vivir el verano que va a cambiar sus vidas. Después de pasar una temporada en el hospital tras una extracción de riñón, Miguelito ha descubierto que quiere ser poeta. Su novia, Luli, quiere ser bailarina. En la relación de ambos se entromete Cardona, un hombre mayor y adinerado que quiere seducir a Luli y que va a emplear todos los medios a su alcance para lograrlo. Mientras, Paco, después de que su padre sea el protagonista de un escándalo tras una fiesta salvaje, vive su primera crisis. El Babirusa también empieza a cambiar: en un breve viaje a Londres, conoce la decepción en el personaje de su madre, a la que apenas veía. Otro amigo, El Garganta, lucha diariamente por alcanzar su sueño: ser locutor de radio.

El malagueño Antonio Banderas, conocido de sobra como actor, tiene únicamente dos películas en su filmografía como director, “Locos en Alabama” y “El Camino de los Ingleses”.

“El Camino de los Ingleses” está basada en la novela homónima del también malagueño Antonio Soler, novela con la que se hizo con el muy discutido Premio Nadal en el año 2004. Como paisano suyo que soy, no me quejo en absoluto de Antonio Banderas, aunque piense que en los USA ya tiene suficiente caché como para elegirse mejores papeles que los que habitualmente realiza. El actor y director, desde Hollywood, siempre ha luchado y lucha por promocionar mi ciudad, y su segunda película tras la cámara es una plena reafirmación suya en estos objetivos. Lo mismo tengo que decir de Antonio Soler. Sin embargo, creo que este proyecto a los dos se les fue de las manos, a pesar de todo el esfuerzo que en él invirtieron y a pesar de haber arriesgado tanto ambos con un filme plenamente de autor y en absoluto comercial en sus formas y en su contenido (a pesar de toda la publicidad que en su momento se le dio). Cimentada en una narrativa pausada e intimista, “El Camino de los Ingleses” retrata varios momentos decisivos de las vidas de un grupo de jóvenes amigos de la Málaga de los años setenta que pasan del mundo adolescente al adulto y que lo hacen a base de golpes, golpes que les van desposeyendo, poco a poco, de sus ilusiones y de sus sueños de infancia. La historia, condenada a repetirse generación tras generación en cualquier lugar del mundo, ya la hemos visto miles de veces, y miles de veces han sabido algunos cineastas y guionistas hacerla atractiva. Banderas y Soler no lo logran. Básicamente, el filme tiene un problema que lo hunde: la estructura de su trama. La cinta está estructurada como un conjunto de retazos de las vidas de los protagonistas (se va saltando constantemente de un personaje a otro, aunque poniendo más énfasis en el de Miguelito) que vienen separados por interludios poéticos de gran belleza. Estos interludios retratan, mediante metáforas plásticas, las interioridades de los chicos. El problema es que, casi cada vez que se pasa de un personaje a otro, casi cada vez que se cambia de escena, tenemos un interludio de este tipo, y llegan a ser tantos que cansan, que rompen el ritmo sin cesar y logran así que la película no termine de despegar nunca. “El Camino de los Ingleses” da la impresión de ser un eterno prólogo a una historia que no comienza (realmente, tiene un prólogo auténtico que dura casi veinte minutos si no he calculado mal). Su epílogo, cargado de violencia y de lirismo, también resulta, como su prólogo, demasiado largo: por momentos interminable. El filme termina resultando, gracias a esto, realmente soporífero. La obra se resiente tremendamente por esta estructura que se ha utilizado en ella. Por otra parte, los personajes secundarios no están desarrollados del todo: muchos se quedan colgando en el vacío. También tengo que decir que sus diálogos son a veces pedantes y pretenciosos a más no poder. La obra busca, como tantas películas y novelas españolas actuales, resultar poética a toda costa, y cae por ello en el error de colocar sin cesar símbolos e imágenes que intentan ser sugerentes pero que a veces no aportan nada y también en el error del “hablar por hablar”, esa manía que tienen tantos de querer que cada diálogo, cada frase, guarde un significado oculto y hondísimo a toda costa (y así salen las barrabasadas que salen). El resto es ya destacado, pero no suficiente para salvar el conjunto: bonitas escenas intimistas (sustentadas tal vez de forma abusiva en los primeros planos), una fotografía hermosa y onírica, una bella banda sonora de Antonio Meliveo, unos momentos verdaderamente sensuales, unas actuaciones solventes y una excelente representación de la época en la que se ambienta la película. Me gustó en su día ver mi ciudad en el cine: los lugares en los que he pasado grandes momentos de mi infancia y adolescencia, los lugares que aún frecuento y que frecuentaré y que son importantes para mi, y me ha gustado siempre cómo Banderas ha tratado a su ciudad, que también es la mía, y cómo la ama. Sin embargo, ni el sentimiento puede cambiar mi opinión. “El Camino de los Ingleses” es una película fallida que se hunde por su propio peso. Lo asumo por mucho que me guste Málaga: a esta película no hay, en demasiados momentos, por donde cogerla.

EL SEDUCTOR de Don Siegel – 1971 – (“The Beguiled”)

2010-05-19T03:49:00.000-07:00

Norteamérica. Guerra de Secesión. El joven soldado yanki John McBurney es herido en una batalla en el sur y, a punto de morir, es encontrado por un grupo de mujeres que vive en una apartada mansión dedicada a la enseñanza de señoritas. Allí, se recupera y empieza su táctica de supervivencia para que no le entreguen al ejército sureño: intenta manipularlas a todas prometiéndoles amor y sexo para así aprovecharse de ellas en todos los sentidos. A la escuela llega la revolución. Sus planes, sin embargo, se le ponen en su contra cuando menos se lo espera...

“El seductor” es una de las películas más injustamente olvidadas del gran Don Siegel y una de las más definitivamente personales de su incombustible filmografía. En ella, el genial cineasta traza, con un trasfondo de western bélico, las relaciones delirantes y trágicas que se dan entre un soldado guapo, canalla y superviviente nato y un grupo de mujeres desesperadas por tener una figura masculina en sus vidas dedicadas a la enseñanza y al aprendizaje en una solitaria escuela de la Norteamérica sureña profunda. El marco: la Guerra de Secesión, que es revisada por Siegel con un agudísimo ojo alejado de todo maniqueísmo posible. Clint Eastwood interpreta de una manera soberbia al mencionado soldado, un yanki atrapado en territorio enemigo y que ha de escapar de los soldados del sur ayudándose de las mujeres que lo “adoptan” hasta que la guerra termine, a las que manipula, miente, desprecia y maltrata psicológicamente sin ningún miramiento y jugando con sus emociones a flor de piel. “El seductor” es una fascinante obra sobre la misoginia y la misandropía (el desprecio del hombre a la mujer y viceversa) y especialmente sobre la represión sexual, a la que están sometidas todas las protagonistas (interpretadas por un elenco magistral de actrices). El hombre aparecido de repente revoluciona su ambiente y cada una reacciona ante él de una manera distinta: la mayor de todas, a la que le falta su marido, crápula, machista y desconsiderado (al que se le puede ver en varios flashbacks) se siente atraída por él mientras que, a la vez, intenta herirle (este hecho llegará además a las máximas consecuencias); la profesora del lugar, joven aunque misandra absoluta, desprecia a los hombres pero… se enamora locamente de su huésped, enamoramiento que lleva hasta la pura estupidez; la alumna más guapa y exuberante intenta sin cesar tirárselo en cualquier esquina y manipularlo a su vez, la esclava negra le trata con la punta del pie (a pesar de que pertenece al bando que lucha por la abolición de la esclavitud) pero también se siente atraída hacia su figura y la niña más pequeña de la casa le colma de atenciones en su incipiente despertar a la pubertad. El soldado, por su parte, juega con todas con total impunidad… Hasta que lo que siembra se vuelve en su contra. En un principio, el filme puede ser acusado de misógino, pero finalmente se desvela que no es nada de eso: el hombre es igualmente caricaturizado como un ser despreciable (y para colmo clasista en su trato hacia los esclavos a pesar de que lucha en el ejército que quiere liberarlos) que, además, recibe su merecido por parte de las mujeres, tan despreciables como él pero más numerosas y fuertes. “El seductor”, animado por unos agilísimos y malévolos diálogos, comienza como una comedia bucólica y se transforma, casi sin que el espectador se percate de ello, en un cuento brutal y diabólico sobre la guerra de sexos cargado de un erotismo oscuro (que no oculta desnudos, referencias religiosas y escenas lésbicas y de tríos… en 1971) y de una violencia tremendamente sádica (la escena de la gangrena pone los pelos de punta). Una película que debe ser reivindicada sin cesar, una obra maestra indiscutible y de culto.

MICHAEL CLAYTON de Tony Gilroy – 2007 – (“Michael Clayton”)

2010-05-18T04:46:00.000-07:00

Michael Clayton es una de las piezas clave de su bufete de abogados, uno de los más famosos y prestigiosos de Nueva York: a él se recurre para que limpie lo que no debe salir a la luz tanto de la empresa como de sus clientes más importantes, labor que efectúa con rapidez, en silencio absoluto y con una pasmosa eficacia. Michael Clayton es el mejor en su trabajo. Sin embargo, su mundo se tambalea cuando, de repente, Arthur Edens, uno de sus mejores compañeros y amigos, acusa a la compañía Agtek de haber envenenado a un grupo de granjeros con unos productos agrícolas que en sus palabras no son nada seguros. Arthur, tras muchos años de carrera "impecable" al servicio de los desmanes de la empresa, parece haber enloquecido y está decidido a luchar hasta el final por hacer justicia. Michael va a tener que tomar partido por él o por los que quieren silenciarle y, por ello, se va a enfrentar al mayor dilema de su vida.

Hijo del escritor Frank G. Gilroy, Tony Gilroy es un afamado guionista que tiene entre sus trabajos las tres entregas de la trilogía de las aventuras de Jason Bourne y otras películas como “Pactar con el Diablo”, “Prueba de vida” o “Bait”. “Michael Clayton” fue su primera obra tras la cámara, a la que siguió el thriller "Duplicity".

“Michael Clayton” es un excepcional debut a todos los niveles en el que Tony Gilroy disecciona las conspiraciones que se urden en un gran bufete de abogados que se mueve sin cesar entre la legalidad y la corrupción. Un George Clooney que al parecer no cobró un solo dólar por su papel con el objetivo de promocionar el cine independiente da vida de manera magistral al hombre que pone el título a la cinta, un “abogado” que, encargado de solucionar rápidamente y sin hacer ruido los problemas más sucios de su empresa y de sus clientes, se ve obligado a elegir entre la fidelidad a la mano que le da de comer o a uno de sus mejores amigos (un soberbio Tom Wilkinson), amigo que, tras una carrera "brillante", se hunde en la inestabilidad emocional repentina y comienza a denunciar unos desmanes que han propiciado la intoxicación de un grupo de personas con unos productos agrícolas de muy dudosa seguridad. Michael Clayton tendrá que bucear en lo más profundo de su mundo (competitivo y brutal) y tomar partido por lo que cree correcto para desenmáscarar a los que se aprovechan de los más débiles, lo que pondrá en peligro su vida profesional y personal. Tony Gilroy logra desarrollar con pulso, ritmo y personalidad un fabuloso drama judicial (escrito por él mismo) que disecciona con una pasmosa agudeza el despiadado mundo empresarial de su ciudad, Nueva York, que se extiende al de todos los Estados Unidos. Con una estética y una narrativa sobrias y con una fotografía brillante, “Michael Clayton” se erige como un manifiesto a favor de la integridad a toda costa y como un fascinante retrato de seres perdidos que dan la espalda a lo que les exige un sistema terrible para mantenerse vivos o para redimirse. Clooney está fantástico además, al igual de Wilkinson (el mejor papel sin ninguna duda del filme), pero también enriquecen la trama unos excelentes secundarios como Tilda Swinton y Sydney Pollack. “Michael Clayton” pasó algo desapercibida en las carteleras en su día e incluso en los Oscars (tuvo que enfrentarse al retorno de los hermanos Coen, de Tim Burton y de Paul Thomas Anderson y a filmes tan sobrevalorados como “Juno”), pero es, desde luego, otra de las grandes películas comerciales de Hollywood del 2007.

IRON MAN II de Jon Favreau - 2010 - ("Iron Man II")

2010-05-14T04:54:00.000-07:00

Desde que hizo pública su identidad como Iron Man, Tony Stark no deja de ser presionado por el Gobierno de los USA y por su rival comercial, Justin Hammer, que buscan de alguna manera aprovecharse de sus grandes armas y de toda su tecnología punta. Además, una nueva amenaza ha aparecido en su vida: un hombre misterioso que, como él, es un genio del mundo de las armas y que le busca clamando venganza... Tony, sin embargo, va a contar en esta ocasión con un "nuevo" aliado: War Machine.

"Iron Man II", a pesar de no ser ya una sorpresa, mantiene todo lo positivo que tenia su antecesora, la primera entrega de la saga (que al parecer va a ser trilogía). Jon Favreau vuelve a tratar con dignidad a un superhéroe (lo cual no se suele hacer, por desgracia, ya que demasiados productores y directores ignorantes ven el género como infantil o destinado a un público poco exigente) y entrega una secuela muy entretenida y con una trama con un mínimo desarrollo de la hondura de sus personajes en la que las escenas de acción mantienen un equilibrio ajustado con el habitual drama y los toques de comedia que Tony Stark (un de nuevo genial Robert Downey Jr. que vuelve a bordar el papel), donjuanesco, crápula, cínico y algo payaso (aunque habitualmente con estilo) aporta. Los secundarios vuelven a destacar (aunque Terrence Howard es sustituído por Don Cheadle, muy solvente también) y los nuevos personajes siguen profundizando en la trama: War Machine es un excelente compañero de aventuras (no es un personaje "nuevo", pero sí que actúa aquí ya en todas sus consecuencias), Sam Rockwell dibuja un buen Justin Hammer (aunque tal vez le falte algo de contundencia como villano -a ver cómo se desarrolla en la tercera entrega de la saga-), Samuel L. Jackson y Scarlett Johansson cumplen con la anticipación de "Los Vengadores" que se intuye ya en el filme y, especialmente, Mickey Rourke se come la pantalla como Whiplash demostrando que, a pesar de los problemas que ha tenido a lo largo de su vida, nunca ha dejado de ser un enormísimo actor con una capacidad para chupar cámara impresionante (me alegra de verdad que, desde "Sin City" y "El luchador", su carrera se esté relanzando a pasos agigantados). "Iron Man II" es una secuela muy destacada y digna que confirma a Iron Man, junto con Hulk, como el superhéroe de Marvel que mejor tratado ha sido en las grandes pantallas.

IRON MAN de Jon Favreau – 2008 – (“Iron Man”)

2010-05-14T02:07:00.000-07:00

Tony Stark es el fabricante de armas más importante e innovador de todo el planeta. Multimillonario, lleva una vida de Don Juan de lujo que se ve interrumpida repentinamente cuando es secuestrado en Afganistán por un grupo terrorista que le obliga a diseñar armas para ellos. Tony escapa de su cautiverio con un traje especial que construye en secreto… El traje que va a cambiar su vida, la cual va a dedicar a la protección de los más débiles. Sin embargo, alguien de su propia empresa no está dispuesto a permitirlo.

Actor y director todoterreno, Jon Favreau ha aparecido como intérprete (casi siempre secundario) en muy variadas películas (desde “Swingers” o “Very Bad Things” a “Daredevil”) y ha dirigido, centrado en el cine familiar, las comedias “Made” y “Elf”, la película de aventuras para niños “Zathura” y los filmes de superhéroes “Iron Man” e "Iron Man II". Aunque su carrera tras la cámara es muy irregular, con sus últimas películas ha logrado despuntar como un muy buen adaptador de cómics de superhéroes.

Las adaptaciones de aventuras de superhéroes para la gran pantalla han tenido, desde mi punto de vista, muy poca suerte en líneas generales. Dentro de éste “género” existen tres claras divisiones de adaptaciones: las de los cómics de la casa DC, las de los cómics de la casa Marvel y las de los cómics de otras casas (división a la que pertenece la terrible y ya lejana “Spawn”, la cual es mejor olvidar). Hasta ahora ha sido DC Cómics la que ha tenido más suerte dentro de éste difícil campo: ha gozado de dos excelentes primeras entregas de “Superman” (la de Richard Donner y la que éste mismo co-dirigió a su pesar con Richard Lester), de dos excelentes entregas de “Batman” (las de Tim Burton) y de tres geniales resurrecciones de ambos personajes (las soberbias “Batman Begins” y "El Caballero Oscuro" de Christopher Nolan y la muy destacada aunque injustamente denigrada por muchos “Superman Returns” de Bryan Singer). Por supuesto, también ha sido víctima de grandes despropósitos como “Superman III” y “Superman IV”, como “Batman Forever” y “Batman & Robin”, como el delirio de “Catwoman” o como la olvidadísima “Super Girl”. Sin embargo, han sido las que menos: la casa Marvel se ha llevado sin duda la peor parte (hablo de parte artística, por supuesto) en lo referente a adaptaciones de sus famosos cómics. Ni sus productos estrella (“Spiderman” y “X-Men”) han logrado resultados satisfactorios en lo que a calidad artística e incluso de puro entretenimiento se refiere: ambos gozan de dos primeras entregas muy irregulares (aunque el “X-Men II” de Bryan Singer puede librarse ligeramente de la quema) y de sendas terceras partes directamente bochornosas. Para colmo, la cosa empeora cuando nos adentramos en las adaptaciones que se han realizado hasta la fecha de las otras creaciones de la compañía y nos percatamos de que incluso resultan más tristes. Son verdaderamente horripilantes en todas sus versiones “Daredevil”, “Elektra”, “The Punisher” (aunque en este caso hay que poner un punto y aparte con su tercera "entrega", más digna), “El Motorista Fantasma”, “Los Cuatro Fantásticos”, “Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer” (el pobre Silver Surfer ni ha llegado a tener película propia) y alguna más que me dejo en el tintero. Únicamente, desde mi punto de vista, se salvan dos superhéroes de esta compañía en lo que a sus adaptaciones se refiere: Hulk con el excelente e injustamente denigrado “Hulk” de Ang Lee y con su dignísima "segunda entrega/remake", "El Increíble Hulk" de Louis Leterrier, y el que nos ocupa, Iron Man, con las dos entregas de sus aventuras que Jon Favreau nos ha regalado. ¿Qué tienen estas películas que las demás no tienen? Lo de siempre: un tratamiento mínimanente serio y adulto del drama del superhéroe. Favreau ha sabido ofrecer con "Iron Man" y también con su secuela (que ahora está en las salas) lo que no han logrado otros a priori más experimentados cineastas como Sam Raimi: una película que conjuga a la perfección comercialidad, una mínima hondura y una mínima personalidad artística. “Iron Man” está protagonizada por un Robert Downey Jr. en total estado de gracia que borda al millonario que se convierte en defensor de la justicia con su traje especial. Tiene un carisma insuperable que se ve afianzado por un guión inteligente e irónico en el que todo tiene cabida con un equilibrio impresionante: humor, romance, aventura, acción y suspense. Los secundarios le acompañan maravillosamente: una Gwyneth Paltrow muy divertida, un Terrence Howard igualmente divertido y un Jeff Bridges muy solvente como villano de turno. La película es ágil, entretenidísima, fresca y seria: no trata al personaje como a un tonto y mucho menos al público. Dicho de otra manera: se toma en serio lo que adapta y no presupone que un cómic es un producto exclusivamente para niños o para un público poco o nada exigente. “Iron Man” esquiva además hábilmente los patrioteríos baratos en los que podía haber caído y propone una reflexión sobre el uso de las armas, aunque sea mínima y pueda resultar finalmente algo simple. Y repito: Robert Downey Jr. está genial, maravilloso, casi soberbio en su papel. Con él me he reído y me he emocionado. “Iron Man” es una gratísima sorpresa, una pequeña joyita.

LA DUDA de John Patrick Shanley – 2008 - (“Doubt”)

2010-05-13T04:59:00.000-07:00

1964. En un colegio cristiano del Bronx, el padre Flynn, su párroco, se hace buen amigo de Donald Miller, el primer estudiante negro que el centro ha aceptado, estudiante que a menudo es marginado por algunos de sus compañeros blancos y que no pasa por un buen momento familiar. De todas maneras, y a pesar de la revolucionaria llegada de Donald al colegio, las cosas siguen marchando esencialmente "bien". Sin embargo, algo comienza a perturbar el orden: la hermana Aloysius Beauvier, temida por los alumnos por la férrea disciplina que impone, está empezando a sospechar de que entre el chico negro y Flynn late “algo más” que una simple amistad... Algo que está dispuesta a averiguar a toda costa aunque sea desprestigiando y atacando al párroco, cuya actitud es, a la vista de todos, intachable.

John Patrick Shanley es un cineasta, guionista y dramaturgo de Nueva York que tiene en su poder un Oscar por el guión de “Hechizo de Luna”, película protagonizada por Cher que dirigió Norman Jewison. Únicamente ha estado tras las cámaras en dos filmes con dieciocho años de diferencia; la comedia romántica “Joe contra el volcán” y el drama “La duda”.

“La duda” es la adaptación de una exitosa obra de teatro del mismo nombre que es de la autoría del propio John Patrick Shanley, una obra que plantea la “disolución” de un mundo rígido y estrictamente organizado como es el de un colegio cristiano del barrio de Parkchester, en el Bronx, donde el mismo autor se crió, cuando “la duda” a la que hace referencia su título se instala entre los seres que lo habitan. Unos soberbios Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman interpretan, respectivamente, a una hermana y a un sacerdote adscritos a dicho centro que se enfrentan a causa de la sospecha de otra hermana, bondadosa pero de fondo débil, inocente e influenciable (genial Amy Adams) de que el segundo mantiene una relación “demasiado atenta” con Donald Miller, el primer chico negro que la institución ha aceptado (nos encontramos a mediados de la década de los sesenta). El mundo ordenado y sin dudas del centro se tambalea y Shanley aprovecha la ocasión para retratar cómo sus seres, casi todos atormentados y finalmente inseguros de lo que son y de sus decisiones, caen presa de las circunstancias, muchas sociales, del momento en el que viven. La intransigencia, el poder, la jerarquía más rígida, el racismo, la pederastia, la pobreza y la falta de oportunidades, la resignación ante un destino impuesto, la educación o los interrogantes que siembra el papel de compromiso de los agentes de las iglesias son diseccionados mediante unos fabulosos diálogos en un filme de factura clásica desarrollado en interiores muy cerrados que, además, presenta un drama que es todo un prodigio de comedimiento realista; es decir, un drama que, sin renunciar a serlo, escapa hábilmente de cualquier tremendismo o violencia forzada. Y, por supuesto, tengo que mencionar de nuevo a su duo protagonista principal, que realiza un duelo interpretativo antológico y que demuestran que son de lo mejorcito de sus dos generaciones de intérpretes norteamericanos.

LA PUERTA DEL INFIERNO de Teinosuke Kinugasa – 1953 – (“Jigokumon”)

2010-05-12T05:01:00.000-07:00

1350. Japón vive una era turbulenta en la que las luchas de clanes y los intentos de golpes de estado son constantes. El valiente samurai Moritoh detiene una conspiración contra el gobierno en la que estaba implicado su propio hermano. Tras esto, el Emperador le premia con cumplir uno de sus deseos, el que él quiera siempre que sea posible. Moritoh le pide la mano de la bellísima Lady Kesa, una aristócrata que ya está casada. El Emperador le niega esta petición por no ser ya posible la unión de ambos. Moritoh, enamorado locamente de ella, se sume en una terrible espiral de obsesión que empieza a destruirle poco a poco y a echar por tierra su prometedor futuro.

Teinosuke Kinugasa es otro director japonés muy importante y olvidado en líneas generales, a pesar de que su filme “La puerta del infierno” fue uno de los más grandes y exitosos avances del cine de Japón en occidente. Pertenece a la generación de Kurosawa, Mizoguchi y Ozu (aunque algunos no lo incluyen en esta) y dirigió tanto en el periodo mudo como en el sonoro. Comenzó su carrera como actor de teatro especializado en papeles femeninos, y más tarde formó parte de un movimiento a favor de que las propias mujeres interpretaran estos papeles, lo que ayudó a desligar el cine del clásico teatro kabuki, al que en sus inicios estaba muy atado. Muy poco conocemos de su vida y de sus películas, al igual que ocurre con otros grandes de su país también muy olvidados como Masaki Kobayashi o Kaneto Shindo. Algunas de sus primeras cintas fueron de influencia expresionista. Destacan la terrorífica e inimitable “A page of madness”, que fue llamada por muchos el “Doctor Caligari Japonés”, un drama psicológico vanguardista ambientado en un manicomio de 1926, y el melodrama “Cruce de caminos” de 1928. Al parecer, se especializó en filmes de samurais, pero no estoy muy seguro de ello. Su primera película sonora fue “El superviviente Shinshengumi”. Su actor fetiche fue el gran Kazuo Hasegawa, uno de sus mejores amigos. Su genial obra maestra “La puerta del infierno” fue una de las grandes anticipaciones en occidente del cine que habría de llegar de Japón, cuyo máximo representante fue Akira Kurosawa. Muy poco he encontrado de Kinugasa en internet o en libros. Ni siquiera en los extras del DVD de “La puerta del infierno” hay grandes aportes de su vida, su estilo o su filmografía. Quien sepa algo más que me cuente, por favor.

“La puerta del infierno” es uno de más hermosos dramas feudales de la historia del cine japonés. Rodada en formato panorámico y con unos colores cargados de esplendorosa luminosidad, narra una historia de pura obsesión amorosa en un Japón corrompido y azotado por las luchas constantes de clanes. El samurai protagonista, encarnado por el habitual de Kinugasa Kazuo Hasegawa, se enamora perdidamente al terminar una guerra civil de una mujer ya casada (la gran Machiko Kyo), a la que pide en matrimonio a su superior como premio por su lealtad. Como este amor es imposible, su superior le pide que le haga otra petición y que la olvide. El samurai cae en una espiral de autodestrucción y obsesión imparable que destroza su prometedora vida y la de muchos de los que le rodean. Él representa el amor egoísta, y ella, aunque le rechaza, el amor entregado y el sacrificio (no revelo las razones). De clara inspiración kabuki, “La puerta del infierno” es una tragedia de desamor que alcanza unas cotas de dramatismo patético y de posterior violencia que muchos han comparado con las obras shakesperianas. El color, como dije, es esplendoroso, un color como aún no se ha vuelto a ver otro (a pesar de que los cineastas orientales suelen destacarse por su maestría con los colores), así como la composición de todos los planos, el montaje, el orden de la trama, las interpretaciones, las escasas escenas de acción y el apasionado lirismo que lo envuelve todo. Rezaba el cartel original del filme: “La película más bella del mundo”. “La puerta del infierno” triunfó en los Oscars y en Cannes de forma fulminante, aunque muchos criticos como André Bazin sostuvieron que, aunque era una buena película (y de eso no cabe duda), ni siquiera era la mejor de su autor, y que había impresionado mucho por el simple hecho de que todavía había muy pocos filmes orientales al acance de los occidentales. ¿Están de acuerdo con él?

PÁJAROS DE PAPEL de Emilio Aragón – 2010 – (“Pájaros de papel”)

2010-05-10T13:51:00.000-07:00

Acaba de terminar la Guerra Civil en España y el artista cómico Jorge del Pino, que ha perdido a su mujer y a su hijo pequeño en la contienda, vuelve a los escenarios después de un año desaparecido y sumido en un infierno de frustración, depresión y odio. Jorge se reencuentra en su viejo trabajo con Enrique, su mejor amigo, y ambos acogen en su compañía a Miguel, un niño huérfano que quiere ser artista como ellos. Los tres van a actuar en una España negra y opresora en la que van a intentar mantener su dignidad a toda costa.

El que escribe esta crítica está ya (y creo que lo he comentado otras veces por aquí) bastante cansado de las películas de ficción sobre la Guerra Civil y el Franquismo. Porque son ya demasiadas, porque casi todas dicen lo mismo, porque suelen ser maniqueas y simplistas y, sobre todo, porque creo que España tiene montones de problemas en todos los aspectos hoy en día como para tener que estar siempre volviendo a esta época que es preciso cerrar de una vez por el bien de todos nosotros (aunque a Garzón no quieran dejarle) y que ya prácticamente ha creado un "género" propiamente español como el western es, por ejemplo, un género propiamente americano. Discusiones aparte, "Pájaros de Papel" es predecible, narra una historia bastante vista y con poco nuevo que contar y lo hace desde una narrativa clásica con un ambiente muy cuidado que no tiene otra pretensión que la de contar una historia bonita de amistad y relaciones entre padres e hijos (adoptivos) en un contexto hostil mientras realiza un sentido homenaje a los artistas. Pero ahí reside su principal valor: "Pájaros de Papel", frente a todo ese cine español tan pretencioso y finalmente vacío que por ahí ronda,aporta honestidad e intenciones muy claras, y oigan, consigue emocionar al espectador a pesar de que intuya claramente desde primera hora todo lo que va a terminar ocurriendo. Emilio Aragón, en el que es su debut en el largometraje (acogido con bastante escepticismo -yo mismo lo acogí así-), entrega una película dignísima con un reparto genial (todos brillan, especialmente Imanol Arias y Lluis Homar), con algunas escenas especialmente bien rodadas (el momento en el que Arias limpia la cara a Homar está tremendamente bien labrado) y sobre todo honesta, que no intenta dar gato por liebre con discursos pedantes o largar una moralina inepta. Incluso tiene su pequeña sorpresa final, la cual no revelo. "Pájaros de papel" es un debut muy apreciable en todos los aspectos.

ROBIN DE LOS BOSQUES de Michael Curtiz y William Keighley - 1938 – (“The adventures of Robin Hood”)

2010-05-08T03:37:00.000-07:00

Aprovechando que su justo hermano Ricardo Corazón de León se ha marchado a combatir en las Cruzadas, el pérfido Príncipe Juan ha usurpado el trono de Inglaterra y se ha convertido en un tirano que oprime a su pueblo con mano de hierro. Únicamente un grupo de valientes rebeldes le planta cara: la bondadosa cuadrilla de Robin de los Bosques, que roba a los ricos para abastecer a los pobres y que intenta recuperar la corona para cuando retorne el Rey original, algo que ni Juan ni sus aliados piensan permitir. La lucha por la libertad va a estallar en todo el reino.

Aunque William Keighley comenzó a rodarla y aparece como director en los créditos de la obra, el artífice casi total de “Robin de los Bosques” tras las cámaras fue Michael Curtiz, que le sustituyó porque los productores consideraron que sus escenas de acción (las del primer cineasta) carecían de suficiente impacto. La película de la que hoy hablo es, sin ninguna duda, una de las más grandes obras maestras del cine de aventuras de todos los tiempos. Su trama, basada en la leyenda de Robin Hood, narraba una vez más una historia épica en la que se enfrentaban el bien y el mal, que venían representados en el mencionado personaje principal, Robin de los Bosques (y en su cuadrilla de ladrones) y en el Príncipe Juan y sus partidarios, Guy de Gisbourne y el Sheriff de Nottingham. La historia nos la conocemos bien: el pérfido Juan ha usurpado el trono durante la triste ausencia de su justo hermano Ricardo Corazón de León y Robin se enfrenta a él en el nombre del destronado en la sombra, del pueblo oprimido y de su amada Marian, a la que enamora. Es resto es acción sin descanso entre constantes combates entre espadachines (ejemplarmente coreografiados), persecuciones al límite e imaginativas y cada vez más locas peripecias. Esta acción viene estructurada con un agilísimo ritmo a veces frenético (todavía hoy lo es) y acompañada de grandes dosis de humor sencillo y amable y de romanticismo exacerbado. Todo está animado por un reparto ya mítico y en total estado de gracia en el que brillan con luz propia el eterno héroe y galán bondadoso y socarrón Errol Flynn, la esplendorosa Olivia de Havilland y los carismáticos villanos Basil Rathbone y Claude Rains, tiranos por momentos casi paródicos siempre escépticos y retorcidos, terribles y a la vez patéticos. “Robin de los Bosques” es una de esas películas de entretenimiento de primera que nunca pierden su frescura ni su capacidad de sorprender originales y que todavía cautivan con su buen hacer y con sus buenas intenciones (contrariamente a lo que se pueda pensar al comenzar a degustar la cinta, su ingenuidad a veces extremada en nuestros días no resulta estúpida ni infantil). Fue, además, toda una revolución en su momento: es una de las pocas películas de su década filmada en color (en un color precioso) y cuenta con unos escenarios de ensueño primorosamente ambientados gracias a una hermosísima fotografía, mientras que la banda sonora de Erich Wolfgang Korngold es un clásico imprescindible y el crápula Errol Flynn como el famoso Rey de los Ladrones nunca pudo ser igualado en carisma (salvo tal vez por el anterior Robin y también mítico Douglas Fairbaks).

LA ARDILLA ROJA de Julio Médem – 1993 – (“La ardilla roja”)

2010-05-07T04:30:00.001-07:00

Jota, ex líder de un grupo de rock ya separado, decide suicidarse arrojándose desde el malecón de su ciudad, San Sebastián. Sin embargo, justo cuando está a punto de hacerlo, divisa un accidente de moto. Jota socorre a la conductora, una chica que parece haberse quedado amnésica... Y, sometido por un impulso que tal vez no comprende aún, decide engañarla y, haciéndole creer que son novios, huir con ella hacia un camping llamado "La Ardilla Roja". Una delirante historia de verdades y mentiras se abre ante ambos... Y ante todos los que tienen un papel importante en sus vidas.

Después de despuntar con la brillante e imaginativa "Vacas", Julio Medem cayó con "La ardilla roja", en mi opinión, en un defecto que ha venido repitiendo a lo largo de su carrera hasta este momento: el de sustentar sus tramas en diálogos antinaturales, barrocos y hasta farragosos que, demasiadas veces vacíos, intentan resultar hondos con calzador; profundos a base de venir envueltos en una poética forzada que no siempre tiene calidad. El argumento de su segundo filme, como el de "Vacas" en parte y como el de muchas de sus obras futuras, es circular y, mientras realiza una crítica de los roles machistas de la sociedad (ejemplificada en el rancio matrimonio de Karra Elejalde y María Barranco) cuestiona estos roles igualmente desde la óptica de los propios protagonistas, unos solventes Nancho Novo y Emma Suárez que viven un juego de manipulación al que termina uniéndose y complementando un también aceptable Carmelo Gómez. Los asuntos habituales del cine de Médem se ponen una vez más sobre la mesa: el amor, la pasión, el sexo, el destino, la relación confusa entre lo real y la mentira, la marginación de la mujer, la soledad o la muerte. Un aura de lirismo natural muy acertada y visualmente imaginativa (Médem siempre lo es) acompañada de un toque de violencia vistosa final lo empapa todo. "La ardilla roja" es una obra irregular: tiene una premisa interesante, un aspecto estético que apunta maneras (se perfeccionó ya en "Tierra" o en "Los amantes del Círculo Polar") y una trama que se sigue con interés que, sin embargo, viene estropeada por los mencionados diálogos artificiales e innecesariamente barrocos, que, demasiado pretenciosos, tratan de decir con retórica barata más de lo que, simplemente, dicen. La segunda película de Julio Medem es una obra curiosa y correcta que no está al nivel de "Vacas" pero que tampoco llega a las increíbles y bochornosas cotas de ridiculez e imbecilidad de las tonterías de "Lucía y el Sexo" o "Caótica Ana".

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS de Tim Burton – 2010 – (“Alice in Wonderland”)

2010-05-06T04:32:00.000-07:00

Alicia tiene veinte años pero no ha dejado de ser la chica soñadora y aventurera que siempre ha sido. Sin embargo, en estos momentos se siente hastiada del futuro que su familia le ha preparado: casarase con un joven rico pero aburrido y sin imaginación. Por suerte, la vida de Alicia está a punto de cambiar... El País de las Maravillas de sus sueños necesita ayuda, y sólo ella puede salvarlo de las garras de su enemiga mortal: La Reina Roja. En sus manos está el destino de todo un mundo al que está a punto de volver.

Tim Burton, al igual que hizo Steven Spielberg hace ya casi veinte años con Peter Pan en su filme "Hook", reinventa parcialmente los mitos de la Alicia de Lewis Carroll narrando una historia de aventuras, amistad y superación en la que la protagonista vuelve al País de las Maravillas de sus sueños tras haber ya superado la adolescencia (tiene veinte años ya) para salvarlo y enfrentarse a sus viejos miedos y, por supuesto, a la malvada Reina de Corazones. La película es correcta en todo momento, aunque no es ni de lejos lo mejor de Tim Burton, que desde el bodriazo de "El Planeta de los Simios" camufla su última irregularidad con su personalísimo estilo visual, siempre innegable e impecable pero... no más que un personalísimo estilo visual. Así, se han sucedido desde entonces en la carrera de este autor obras muy correctas como "Big Fish" o "Sweeney Todd" y otras más flojas (desde mi punto de vista) como "Charlie y la Fábrica de Chocolate" o "La novia cadáver". "Alicia en el País de las Maravillas" no deja de ser correcta en todos los aspectos y, como conjunto, no es un mal filme: contiene las dosis juntas de aventura y acción y las combina con una trama bien delineada que se sigue básicamente con interés y que conjuga, como los buenos cuentos clásicos y como las propias historias de Lewis Carroll, la fantasía casi heroica con un acertado toque oscuro y cruel. El reparto es también destacado, desde los ya casi eternos (en la filmografía de Tim Burton) Johnny Depp y Helena Bonham Carter hasta la muy solvente Mia Wasikowska, Crispin Glover, Anne Hataway o Alan Rickman o Christopher Lee, que aportan sus voces. "Alicia en el País de las Maravillas" es una correcta reinvención de dos clásicos (también se incluye "Alicia a través del espejo") con mucha personalidad visual. A pesar de todo, se echa de menos al Tim Burton de "Eduardo Manostijeras", "Pesadilla antes de Navidad" o "Ed Wood".

MAD MAX III. MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO de George Miller – 1985 – (“Mad Max III. Beyond Thunderdome”)

2010-05-02T05:38:00.000-07:00

Mad Max llega, en busca del vehículo que le han robado, a Negociudad, un lugar en el que se pretende levantar la civilización humana reviviendo el comercio reglado pero que está corrupto hasta los cimientos. Allí, dos gobernadores luchan por el control: la bella Aunty Entity, que posee la parte alta de la ciudad, y el poderoso Maestro Golpeador, que posee los recursos energéticos. Mad Max es contratado por la primera para derrotar al segundo. Sin embargo, hay algo más oculto en las intenciones de su atractiva anfitriona…

La tercera y hasta ahora última entrega de las aventuras de Mad Max fue, al amparo del gran éxito de “Mad Max II. El guerrero de la carretera”, una nueva superproducción rodada ahora con capital tanto de Australia como de los USA. Por desgracia, y como suele ocurrir tantas veces, una mayor cantidad de dinero sólo sirvió para que la saga acabase con el nivel por los suelos. Una sola cosa merece la pena de “Mad Max III. Más allá de la Cúpula del Trueno”: sus escenarios y su atmósfera. Y es que no hay que negar que (gracias al mencionado mayor presupuesto) el ambiente post-apocalíptico de resonancias punk de la segunda entrega se mantiene e incluso aparece notablemente mejorado en todos sus aspectos. Hay que destacar, en especial, la ciudad que se construyó para el filme y la Cúpula del Trueno que en ella se encuentra, ambas realmente opresivas, y los vehículos y vestidos que sus moradores llevan. Los efectos especiales también presentan más calidad, lo cual es obvio por el superior desembolso económico efectuado en la cinta. Sin embargo, ahí se queda todo. George Miller naufraga completamente al llevar a las salas una película anodina que ha perdido ya casi por completo toda la violencia de la que hacían gala sus dos anteriores entregas (ni siquiera la lucha en la mencionada Cúpula del Trueno logra estremecer) y que aparece en todo momento claramente orientada al público familiar. En “Mad Max III” Mel Gibson, ya en lo más alto de la fama, vuelve a dar vida al protagonista, pero en un registro mucho menos duro, más ingenuo y menos desencantado. La trama presenta más alicientes que las de sus antecesoras, pero está tan mal planteada y desarrollada, tan pésimamente hilvanada y tan llena de lagunas que no sólo no logra implicar al espectador en ningún momento, sino que le sumerge en el sopor a la media hora de metraje. Por otra parte, los personajes son los más planos de la saga (no es que los otros fueran un dechado de hondura, pero cumplían su misión de comparsa del principal sin resultar tan increíblemente vacíos), los diálogos son absurdos y ridículos y a veces directamente están fuera de lugar y las escenas de humor, bastante más numerosas que en la segunda parte, resultan irritantes (mientras que otras que pretenden ser dramáticas desatan la risa –la más tristemente recordada: el combate contra el Maestro Golpeador-). La trama se divide en dos partes: una de aventuras bastante olvidables por su poca inventiva y otra en la que presenciamos la clásica persecución con coches, motos, camiones y aparatos voladores que no puede faltar en la saga y que está muy lejos de la garra y del pulso que tenían las de “Mad Max” y “Mad Max II”. Por último, hay que señalar que Tina Turner , que también se encargó del tema principal del filme “We don’t need another hero”, está verdaderamente horripilante como la villana de turno. “Mad Max III” resultó ser, en líneas generales, la película más odiada por los amantes de la saga, que terminó con ella... Hasta ahora, que parece que volverá de nuevo de la mano de George Miller. ¿Qué encontraremos?

MAD MAX II. EL GUERRERO DE LA CARRETERA de George Miller – 1981 – (“Mad Max II. The road warrior”)

2010-05-02T05:35:00.000-07:00

La Tierra ha sido sacudida por un desastre nuclear que ha dejado a la raza humana menguada y reducida a un estado de salvajismo casi absoluto. Entre las ruinas de su destruida civilización todos luchan por el bien más preciado del planeta: la gasolina. En este ambiente, un grupo de hombres y mujeres que todavía cree en un futuro mejor vive constantemente asediado por la brutal banda de Humungus, un terrible señor de la guerra. En el camino de ambos bandos se cruza Mad Max, un antiguo policía que va a ayudar a los primeros a enfrentarse a los segundos. El combate definitivo va a estallar.

Después del gran éxito de “Mad Max” era de esperar que su correspondiente secuela no tardase en llegar a las salas. Dos años fueron suficientes, y se volvió a repetir aquel éxito mencionado. “Mad Max II. El guerrero de la carretera” fue la película más cara rodada en Australia en su momento. En ella, las aventuras de Max continuaban ya plenamente inmersas en un mundo post-apocalíptico en el que una gran catástrofe se ha desatado (en la primera entrega esta catástrofe aún no ha ocurrido, aunque en todo momento da la impresión de estar a punto de estallar debido al estado de caos en el que la humanidad se encuentra). Mel Gibson, que empezaba a asfaltar su camino al estrellato, volvió a dar vida al ya entonces mítico antihéroe ex policía en un registro en el que demostró sentirse más que cómodo y al que de nuevo imprimió un notable carisma. La historia que “Mad Max II” narra vuelve a ser tremendamente simple, presentándose como un vehículo para el desarrollo de un festival de acción frenética, carreras, luchas, destrucción y explosiones, festival que se ve mejorado de una manera sobresaliente gracias al enorme presupuesto que se invirtió en la película y que permitió muchos más extras y más y mejores efectos especiales. Mad Max vaga por los restos de la civilización humana luchando por su supervivencia y hastiado por el detonante de la venganza de la primera entrega, la muerte de su familia y de su mejor amigo. En su camino se topan dos bandos enfrentados: uno de hombres y mujeres necesitados que buscan la libertad y otro de, como no, salvajes motoristas que quieren hacerse con la gasolina (el bien más preciado en lo que queda del planeta) que los otros tienen. Mad ayudará al primer bando por puro interés a luchar contra el segundo, aunque, poco a poco, el espectador irá descubriendo que todavía late bondad en él (se operará un cierto nuevo cambio inverso al de “Mad Max”: de antihéroe el protagonista volverá a ser un héroe). El género es el mismo, el western futurista, y el estilo narrativo también: rápido, directo, casi cortante. Hay pocos diálogos y el filme es corto y conciso. Los personajes no tienen relieve, aunque están bien delineados y hay entre ellos un secundario de aires cómicos (Bruce Spence) que no resulta irritante, como estos personajes suelen resultar. Lo mejor que ofrece la película es, sin ninguna dura, el mencionado festival de acción, muy bien montado y llevado en todo momento por George Miller, que no busca otra cosa para su filme salvo divertir por medio de la aventura digna (la persecución final es realmente emocionante). Otro punto muy destacado es el ambiente desértico y ruinoso que recrea, que gracias al mayor dinero invertido llega a resultar verdaderamente desolador y evocador, un ambiente de ambigua inspiración punk que, por cierto, marcó muchas de las pautas de muchas películas posteriores sobre futuros post-apocalípticos. Por desgracia, “Mad Max II” pierde, al tratarse de un filme muchísimo más comercial que su antecesor, la dosis de violencia que aquel mostraba, por lo que en todo momento (salvo por alguna que otra perversa sugerencia sexual) se pone más del lado de un filme de consumo familiar. Sin embargo, no por ello deja de ser una película de acción recomendable. En muchos países “Mad Max II” se estrenó con el único nombre de “El guerrero de la carretera”, ya que “Mad Max” no era lo suficientemente conocida aún.

MAD MAX. SALVAJES DE LA AUTOPISTA de George Miller – 1979 – (“Mad Max”)

2010-05-02T05:23:00.000-07:00

El mundo está sumido en el caos. Salvajes bandas de motoristas luchan diariamente entre ellas y contra la Policía, que cada vez tiene más problemas para controlarlas. Max, un agente íntegro, acaba en una de sus misiones con El Jinete Nocturno, uno de los pandilleros más peligrosos de la zona en la que patrulla. Es entonces cuando comienza su pesadilla: toda la banda del fallecido se le viene encima y ataca a sus seres queridos. Pero no saben con quien se están metiendo. La venganza de Max va a ser implacable.

El australiano George Miller tiene a sus espaldas una de las trilogías más famosas e importantes del cine de ciencia ficción y fantástico post-apocalíptico de todos los tiempos: la que narra las aventuras de Mad Max, el guerrero de la carretera. A pesar de ello, su filmografía, que contiene incursiones en géneros muy variados y que salvo excepciones está orientada al cine familiar (a pesar de haber mostrado una violencia bastante cruda y desmesurada en algunos de sus títulos), se muestra en todo momento muy irregular. Miller, un director con algunas buenas ideas al que tal vez le falte más inspiración artística, alterna obras personales con otras verdaderamente mediocres y anodinas entre las que se pueden encontrar algunos sonados bodrios. Se compone su currículum de las dos buenas “Mad Max. Salvajes de la autopista” y “Mad Max II. El guerrero de la carretera”, de la horrenda “Mad Max III. Más allá de la cúpula del trueno”, de la floja “Las brujas de Eastwick”, de la despreciable “La historia inteminable II”, de la excelente “El aceite de la vida”, de la olvidable “Robinson Crusoe”, de la secuela “Babe, el cerdito en la ciudad” y de la película de animación “Happy Feet”. Actualmente, parece que prepara una nueva entrega de las aventuras de Mad Max.

“Mad Max” es el producto de una época (los setenta y principios de los ochenta) en la que el cine comercial norteamericano e incluso el de ciertos países de más allá alcanzaron una cota de violencia y desencanto crudos que no se habían visto antes en una pantalla destinada al gran público. En casi todos los géneros aparecieron obras que llevaban estas características como bandera. Dos de los más importantes en este aspecto fueron, por supuesto, el fantástico y el de la ciencia ficción, que con sus tremendos poderes de evocación presentaron futuros sin esperanza sumidos en este estado habitualmente por culpa de los propios seres humanos. “Mad Max” fue una de las tantísimas películas clave de este tiempo que, irrumpiendo de manera fulminante en las salas, alcanzó un instantáneo estatus de filme de culto. George Miller la rodó con un presupuesto ajustadísimo de 350.000 dólares (tan ajustado era que hasta rompió coches propios durante el rodaje) y recaudó con ella 100 millones en todo el mundo. Su filme era un western crepuscular futurista en el que Max, un policía que terminaba aplicando la Ley por su propia cuenta enarbolando la bandera de la venganza, luchaba contra una salvaje pandilla de motoristas que atacaban a sus seres más queridos, a su familia y a sus amigos, en busca de saldar otra venganza, la venganza por la muerte de su líder. El argumento era completamente lineal y los personajes bastante planos, pero el filme no necesitaba otra cosa para funcionar. La narrativa que Miller utilizaba en la cinta era, cimentada en un ajustado guión, simple y directa, tremendamente concisa, casi cortante. Los personajes, sumergidos en un mundo en descomposición, actuaban y no daban discursos, y la acción estallaba en todo momento frenética y llena de potencia. La violencia que “Mad Max” exhibe era además, para la época, verdaderamente desmesurada y sin concesiones, e incluso hoy resulta sádica y hasta sugerente por momentos. La escena de la violación intuida está realmente bien montada e ideada y sorprende tremendamente en su desaforado arranque. Lo mismo ocurre con el ataque al Ganso, el amigo del protagonista, o con el famoso desenlace. Max es interpretado por un más que solvente y muy carismático Mel Gibson que, a partir de este papel, saltaría a la fama. La estética underground que envuelve a la obra, que bebe de lo kitsch, de la serie B o de los comics, resulta efectiva en todo momento, delineando un ambiente excelente que sugiere con pocas pinceladas y menos medios económicos un mundo ambiguo al borde de una catástrofe a punto de ser devorado por el caos (la catástrofe, de carácter nuclear –muy acorde con la época-, se confirmaría en las dos entregas siguientes, en las que ya era plenamente patente el mencionado futuro post-apocalíptico). El desencanto aparece representado en la figura del propio Max, que pasa de ser un héroe a un antihéroe. Hoy vista, “Mad Max” sigue sorprendiendo, a pesar de que la historia que narra no presente demasiados alicientes (no los presentaba en su momento tampoco, todo sea dicho) dejando a un lado los logros estéticos y la trasgresión por medio de la violenta que mostraba. El éxito de la película fue tal que propició dos secuelas, una aceptable y otra detestable, rodadas con más presupuesto. Nacía otro mito del cine.

1408 de Mikael Hafström – 2007 – (“1408”)

2010-05-02T03:41:00.000-07:00

Mike Enslin es un escritor un tanto particular: se dedica a visitar lugares supuestamente encantados para, tras comprobar que no ocurre nada especial en ellos, desmitificarlos en sus libros. Mike no cree en lo sobrenatural y lleva una vida triste marcada por la muerte de su hija pequeña. Todo va a cambiar cuando se aloje en la habitación 1408 del Hotel Dolphin de Nueva York, una habitación de la que según dicen nadie ha salido vivo… El escéptico Mike Enslin va a hundirse en su peor pesadilla.

El sueco Mikael Hafström lleva una carrera irregular entre su país y los Estados Unidos que constantemente se mueve entre obras solventes y fallidas, aunque en todos sus proyectos intenta siempre aportar por lo menos buenos acabados fílmicos y trabajar ideas originales. Es pronto aún para valorar su filmografía, corta y a la que le falta todavía una personalidad autoral definida. Debutó con los dramas sobre la juventud sueca “Vivir la vida” y “Evil”, tras los que llegó el filme de terror “El fantasma del lago”. Ya en los USA ha dirigido el thriller “Sin control” y el nuevo filme de terror “1408”.

“1408”, basada en un relato corto de Stephen King, es una película de terror en líneas generales fallida que goza de un excelente comienzo y de un desenlace hasta cierto punto sorprendente y que simultáneamente y por desgracia cuenta con una desinfladísima parte intermedia que hunde al cojunto casi por completo. John Cusack da vida de manera solvente a un escritor que se dedica a visitar lugares supuestamente encantados para desmitificarlos en libros cargados de escepticismo y que vive atormentado por la muerte de su hija pequeña. Su nuevo trabajo consiste en pasar una noche en la habitación, también supuestamente maldita, de un hotel de Nueva York, habitación que desmontará sus teorías sobre la inexistencia de lo sobrenatural y que le sumirá en la peor pesadilla de su vida. La premisa atrae, ya que, a pesar de que siempre se mueve entre la novela aceptable y el bodrio más infumable, a Stephen King si algo le suele sobrar es imaginación. No he leído el relato que Hafström ha adaptado, pero, ciñéndome exclusivamente a su filme, he de decir que, tras un interesante arranque en el que se muestra la vida como fracasado del protagonista y unos primeros momentos bastante coseguidos en la habitación fantasma todo cae bruscamente en la vulgaridad más absoluta. Un terror que comenzaba resultando sugerente y que contenía comedidos y atractivos golpes de efecto (sonidos extraños, objetos que aparecen de la nada, electrodomésticos que se encienden solos, espejos irreales en las ventanas…) se transforma, poco antes de la mitad del filme, en el terror más tópico, predecible y aburrido imaginable gracias a que, una vez más, los efectos especiales se convierten en los protagonistas casi totales de la obra: todo pierde de golpe su misterio y su capacidad para asombrar y se sume en un barroco sopor. Aparecen monstruos cada vez más feos dentro del cuarto, las paredes se alargan de manera efectista, se empieza a mover la estancia como un barco en medio de una tormenta y se termina inundando para más tarde congelarse y estallar por los aires. Nada da ya el más mínimo miedo, pues lo que encontramos a partir del mencionado cambio es acción pura y dura (y además sin mucha imaginación), aunque se dé dentro de un espacio reducido. El desenlace sí levanta algo el destrozo efectuado, pero no es suficiente. Una lástima, porque se podía haber hecho un filme de terror interesante con “1408”, que de hecho resulta bastante prometedora en sus inicios. Triste.

THE KILLER de John Woo – 1989 – (“Die xue Shuang Xiong”)

2010-04-30T04:09:00.000-07:00

El asesino profesional Jeffrey se replantea su vida criminal: por su culpa, la joven cantante de un club se ha quedado ciega (tras una de sus matanzas). Para redimirse, va a intentar que la chica sea operada y se va a encargar de ella en todo lo que le haga falta. Algo terrible ocurre entonces: los que le contrataron quieren desacerse de los testigos del asesinato y un implacable e íntegro policía ha empezado a perseguirle. Jeffrey va a luchar por redimirse… Y va a encontrar la amistad en donde menos lo espera.

Uno de los grandes directores del cine de acción moderno es John Woo, uno de esos directores que, junto a otros como Tsui Hark, Johnnie To o Ringo Lam, supieron otorgar a las producciones comerciales de acción y artes marciales de Hong Kong una dignidad artística que pocas entonces tenían. Su cine, violento y brutal y también poético, sabe conjugar perfectamente la comercialidad con la personalidad autoral: sus películas de acción son también a menudo melodramas en los que se tratan asuntos universales como el amor, la corrupción, la integridad, la fatalidad, la redención, la guerra, la religión, la lucha del bien contra el mal, la traición y la venganza o la amistad, verdadero eje central de muchas de sus cintas. Los personajes de John Woo se enfrentan a una sociedad violenta en la que no existe la ética y se debaten casi siempre entre lo correcto y lo incorrecto, entre el trabajo y sus familias, entre la lealtad y la traición, entre lo legal y lo ilegal. El mensaje humanista prevalece en sus obras, trágicas aunque muchas veces abiertas a la esperanza. Respecto a la visualidad que exhiben, hay que decir que, especialmente en su primera etapa, John Woo ha creado algunas de las más imaginativas escenas de acción de toda la historia, acción inteligente, potente, impactante y espléndidamente coreografiada (se ha llamado a la violencia de Woo “violencia de ballet”) y deudora de la manera de rodar de cineastas como Sam Peckinpah (al que debe sus impresionantes y larguísimos tiroteos o la utilización de la cámara lenta). Hay un elemento además que se repite en casi todos su filmes: las palomas blancas, que siempre aparecen en ciertas escenas previas o posteriores a los estallidos de violencia y que dan lugar a múltiples interpretaciones. Su carrera en Hong Kong empezó con títulos menores de acción, artes marciales y/o comedia, títulos que han sido (muchos merecidamente) olvidados. Aún siendo irregular, destaca ya en esta etapa “Hand of the Dead”, un distraído filme de samurais/ninjas/karatekas en la que aparecía Jackie Chan. Llegan más tarde las creaciones en las que empieza a despuntar tras descubrir al que sería su actor fetiche (que también le acompañaría a Hollywood), el gran Chow Yun-Fat: “Last Hurrah for Chivalry”, “A better tomorrow” y “A better tomorrow II” (la tercera entrega de la trilogía la dirigiría Tsui Hark), la comentada “The Killer”, “Una bala en la cabeza”, “Un ladrón siempre es un ladrón” y “Hard Boiled”. Ya en los USA, con el éxito a las espaldas, Woo perdería por desgracia casi la totalidad de su personalidad y comenzaría a entregar inexplicables productos mediocres e incluso algunas bazofias en el más puro sentido de la palabra. Llegarían las simplemente pasables “Blanco humano” y “Broken Arrow”, la aceptable “Cara a cara” (aceptable pero ni de lejos al nivel de sus primeras obras), la horripilante “Misión Imposible II” y las flojitas “Windtalkers” y “Paycheck”. Una verdadera lástima lo que ha ocurrido con este director, uno de los más nombrados ejemplos de cineasta que se maleó en Hollywood y que desde que pertenece a esta industria no levanta cabeza. ¿Volverá algún día a ser lo que fue? Pongamos esperanzas en "La batalla del acantilado rojo", la que parece ser la vuelta a sus orígenes (aunque vean las dos películas de las que se compone esta "saga" y olviden la horrenda e innecesaria adaptación comercial para las salas comerciales compuesta por un refrito de ambas).

“The Killer” es la obra de madurez de John Woo, la obra en la que sus constantes quedan plenamente asentadas tras las geniales dos primeras entregas de “A better tomorrow”. El asesino interpretado por su habitual en su primera etapa Chow Yun-Fat se enamora de una chica que se quedó ciega por su culpa tras un tiroteo y se enfrenta a una mafia en la que tiene a su mejor amigo infiltrado. Mientras, entabla una nueva amistad con un policía al que da vida Danny Lee. “The Killer” es un claro canto a la amistad, que se muestra como una vía para dignificar la vida de sus protagonistas y para enfrentarse a un mundo corrupto y cruel (una de las frases del filme es, refiriéndose a los villanos de turno: “Ellos no tienen amigos”). Otros asuntos son tratados por Woo además: la redención (la del asesino especialmente), el amor, la integridad (la del policía, dado de lado por sus jefes), la traición o la fatalidad, que enturbia el melodrama que el filme esconde tras sus interminables cascadas de violencia sangrienta y artísitca, coreografiadas maravillosamente y barrocas por momentos. “The Killer” conjuga a la perfección la acción frenética y casi delirante con el drama más hondo. Es una de las grandes obras maestras de la filmografía de su autor y del Hong Kong de finales de los años ochenta.

VALKIRIA de Bryan Singer – 2008 – (“Valkyrie”)

2010-04-27T08:29:00.000-07:00

1944. Tras ser herido de gravedad en África, en donde pierde un ojo, su mano derecha y varios dedos de su mano izquierda, el Coronel alemán Klaus von Srauffenberg regresa a su país y se une a la resistencia secreta contra los nazis. Klaus y su grupo trazan un plan en la sombra: asesinar a Adolf Hitler y dar un golpe de estado para salvar a Alemania de la destrucción y de la miseria y poner fin a la guerra y al exterminio del pueblo judío. La operación más delicada y peligrosa de la Segunda Guerra Mundial está a punto de empezar...

Bryan Singer volvió en 2008, tras la en mi opinión muy destacada “Superman Returns” (una película de superhéroes que creo que ha sido injustísimamente vilipendiada e incomprendida, como le ocurrió al primer "Hulk", el de Ang Lee), al mundo de los nazis que ya tocó en “Verano de corrupción” con “Valkiria”, que narra el intento fallido del Coronel alemán Klaus von Srauffenberg y de sus allegados de acabar con la vida de Adolf Hitler en 1944 e instaurar un nuevo gobierno en Alemania con el objetivo de poner fin al enorme poder de los nazis, a la Segunda Guerra Mundial y al exterminio del pueblo judío. Singer, de la mano del guionista Christopher McQuarrie (tandem que dio la mejor creación de ambos: la genial “Sospechosos habituales”) desarrolla una muy destacada película histórica de aura clásica excelentemente ambienta y fotografiada que, con un gran ritmo y un firme pulso, narra todo lo acontecido en torno a la operación que estuvo a punto de acabar con la vida de Hitler en el principio del fin de la guerra dosificando muy bien la información y sin resultar ni simple ni tampoco excesiva o confusa en este aspecto. Tom Cruise entrega un muy buen papel protagonista como Srauffenberg y los secundarios (entre los que brillan grandes como Kenneth Branagh, Tom Wilkinson o Terence Stamp) realizan un acompañamiento genial en todos los aspectos, mientras que la representación histórica del momento y de los hechos (alejada por cierto y de manera espléndida de todo maniqueísmo y haciendo siempre gran hincapié en el hecho de que no todos los alemanes fueron nazis), salvo algunos puntos ocasionales y puntuales, es fiel y está bien documentada. “Valkiria” es un buen filme histórico en todos los aspectos y uno de los primeros retratos de esos alemanes que se enfrentaron frontalmente al poder que sumió a su país y a toda Europa y hasta a Asia en la miseria y en la muerte. Muy recomendable.

TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO de Woody Allen – 1972 – (“Everything You Always Wanted to Know About Sex")

2010-04-25T05:13:00.000-07:00

Siete historias de sexo y de locura.

El bufón de la corte quiere seducir a la reina: para ello, va a usar una pócima que le ha dado un hechicero. Un doctor se ha enamorado perdidamente de la oveja de uno de sus clientes. Una pareja descubre la pasión de las relaciones sexuales en los lugares públicos. Un hombre oculta su pasión a toda su familia: vestirse con ropa de mujer. Un hombre algo frustrado acude a un programa de televisión para realizar delante del público su perversión preferida. Un seno gigante está causando estragos ahogando en leche a todo el que sale a su paso. Unos amigos espermatozoides están a punto de comenzar su aventura hacia el óvulo…

Uno de los asuntos que siempre ha estado y está presente en las películas de Woody Allen es el sexo, al que ha mirado, desde el palco del humor, con fina ironía e implacable agudeza y a la vez con mucha seriedad. En su tercera película, la comentada de tan largo título, presenta una colección de pequeños sketches independientes unidos por este mismo asunto: el sexo, asunto tratado todavía con el humor de trazo grueso y de toques absurdos y surrealistas que caracteriza a su primerísima etapa, la que abarca desde su debut en “Lily, la Tigresa” y “Toma el dinero y corre” hasta “La última noche de Boris Gruschenko”. “Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar”, película que vino en una época de plena liberación sexual en los USA y en gran parte de Europa (los setenta), está basada, parcialmente, en un famosísimo best seller del doctor David Reuben en el que se daban respuestas a un amplio conjunto de incógnitas sobre todo tipo de temas sexuales por medio de preguntas. Allen toma siete de estas preguntas directamente del citado libro y “las responde” por medio de un sketch dedicado a cada una de ellas. La irregularidad está servida: algunos son geniales, y otros son bastante flojitos (aunque el conjunto merece la pena y es divertidísimo). Unos están protagonizados por el propio Allen (que demuestra que hasta un espermatozoide puede ser neurótico) y todos cuentan en sus filas con geniales actores y actrices que realizan grandes papeles cómicos (desde el más acostumbrado a estos papeles Gene Wilder hasta otros como Lynn Redgrave o Burt Reynolds). Los siete scketches son los siguientes: una parodia de aires shakesperianos en la que un bufón seduce a la reina del castillo gracias a los afrodisíacos (muy divertida); la historia de un doctor que se enamora de la oveja de uno de sus clientes (genial sketch y genial Gene Wilder como el doctor); el periplo de una pareja que descubre el morbo del sexo en los lugares públicos (buena parodia de las películas pasionales italianas de la época); la historia de un hombre que se mete en problemas al probarse en secreto ropa de mujer, lo que le encanta (muy divertida y delirante); la de otro hombre que escenifica su fantasía sexual en un programa sobre perversiones (rodado en blanco y negro y haciendo referencia a los judíos practicantes, con los que Allen tanto se ha metido –siendo él judío- y, en mi opinión, uno de los mejores y más políticamente incorrectos de toda la colección –lo del hueso es impagable-); el ataque de un seno gigante que ahoga en leche a las personas (divertida parodia de las películas de monstruos de serie B) y las desventuras de unos espermatozoides en su camino al óvulo (para mi el mejor de todos, aunque suene a topicazo). “Todo lo que usted siempre quiso saber…” no es la mejor película de Woody Allen, pero sí es tan divertida como las demás. En ella encontramos de todo: humor absurdo y surrealista, gags visuales, diálogos inteligentes e incorrección política inmisericorde. Eso sí, lo encontramos todo muy descompensado: grandes momentos junto a otros ciertamente olvidables.

PINOCHO de Ben Sharpsteen y Hamilton Luske – 1940 - (“Pinocchio”)

2010-04-25T04:46:00.000-07:00

Pinocho es un niño de madera al que una bondadosa Hada Azul ha dado la vida y al que ha hecho una promesa: si se porta bien con Geppetto, su viejo padre, el juguetero que lo ha construido, se transformará en un niño de verdad. Para hacerle su camino más fácil, el hada le ha dado a Pinocho una conciencia: el grillo Pepito, que velará por él y que le dará consejos para que sea bueno y responsable. Pinocho, sin embargo, muy pronto va a tomar el mal camino... Camino del que, sin embargo, va a aprender y que le va a transformar en un héroe para su padre.

Tras el enorme éxito de la magistral “Blancanieves y los Siete Enanitos”, Walt Disney fue lanzado, de manera definitiva, a las estrellas de la industria de la animación. El modo de producción de su empresa, The Walt Disney Company, lógicamente cambió: comenzaron a producir largometrajes con asiduidad, y el segundo de ellos fue otra adaptación de un cuento clásico. El turno era ahora de Carlo Collodi y de su obra “Pinocho”. Walt Disney ya no se puso en cambio tras la inmediata dirección de la película que nos ocupa. Y de ninguna más. Sin embargo, hasta su muerte en 1966 todas pasaron por su lupa: fue el supervisor de todo lo que en su compañía se creó, aunque encargó sus producciones a otros geniales animadores que, sin embargo, han quedado, muchos de ellos, olvidados (tal vez por no ser más que excelentes artesanos llevados por las manos maestras de otros). Eso ocurrió parcialmente con Ben Sharpsteen (director también de “Fantasía” y de “Dumbo”) o Hamilton Luske (director o co-director de maravillas como “El dragón chiflado”, “La Cenicienta”, “Alicia en el País de las Maravillas”, “Peter Pan”, “La Dama y el Vabundo” o “101 dálmatas”), que son los que a su vez dirigieron esta maravilla de la animación que es “Pinocho”, maravilla que sin embargo resulta, en bastantes de sus pasajes, poco adecuada para el público infantil, al que va dirigida. La obra original de Carlo Collodi es tomada sólo en parte para realizar un cuento moral con final feliz que advierte a los niños de que las obligaciones son lo primero y de que el exceso de ocio siempre es secundario y a veces hasta completamente nocivo. Pinocho es un niño de madera que, para ser de verdad, ha de portarse bien con su padre, el viejo juguetero Geppetto. La historia la conocemos todos ya, pero sus lecciones morales están por lo menos al mismo nivel de crueldad e incluso de violencia que las del cuento original de Collodi, que en absoluto era para niños y que mostraba escenas verdaderamente duras, al igual que este filme, uno de los más siniestros de toda la factoría Disney. Junto a la ternura y a la entrega de personajes bondadosos y altruístas como el Hada Azul, Geppetto, Pepito Grillo, el gato Fígaro o la pez Cleo, “Pinocho” tiene una de las galerías de villanos más estremecedoras de toda la filmografía de la mítica compañía: el Honrado Juan y Gedeón, dos animales embaucadores, crápulas y desconsiderados son todo un ejemplo de amistad traicionada, mientras que otros como el titiriteo Stromboli o el dueño de la Isla de los Juegos resultan verdaderamente diabólicos. La película además, en su afán de moralizar, recurre al terror, fácil de producir en los niños, con unas escenas durísimas que también logran estremecer a los mayores: la del encierro de Pinocho en la jaula a manos de Stromboli, la de la transformación de Polilla en burro (de pura pesadilla) o la de la ballena Monstruo estrellándose contra las rocas resultan, aún hoy, tremendamente impactantes. Las películas clásicas de Disney sirvieron para transmitir mensajes morales propios del “American way of life” a su público potencial, los niños y los adolescentes, y “Pinocho” es una de las que mejor ejemplifica este hecho. Dejando esto a un lado, la cinta es todo un prodigio de animación, de animación fluidísima, preciosa y llena de detalles. En este aspecto, como “Blancanieves y los Siete Enanitos”, es una maravilla y una obra de arte.

JOHN RAMBO de Sylvester Stallone – 2008 – (“John Rambo”)

2010-04-18T04:00:00.000-07:00

Hace ya décadas que John Rambo se retiró de la vida militar. Sigue residiendo en Tailandia, en donde se dedica a la caza y a la venta de cobras. Aunque su vida es tranquila, Rambo no es feliz: la desilusión y el hastío le corroen. Un día, unos misioneros le piden que les lleve a un poblado de Birmania, país en el que se está llevando a cabo un brutal genocidio, para suministrar provisiones a los aldeanos. Rambo accede: les deja en el lugar y vuelve a su casa. Sin embargo, recibe al poco tiempo una terrible noticia: los han apresado y sus vidas corren peligro. Junto a un grupo de mercenarios, Rambo va a cruzar de nuevo la frontera. Y el guerrero que lleva dentro va a surgir otra vez.

Se pueden decir muchas cosas de Sylvester Stallone, pero no se le puede acusar de poco inteligente. Ya lo hizo con Rocky en “Rocky Balboa”, y lo volvió a hacer de nuevo con su otro gran personaje en “John Rambo”: arrasó en las salas con la nueva entrega de una saga que, a priori, estaba bastante muerta y, además, volvió desde mi humilde opinión a ofrecer un producto digno. Ambas películas están claramente destinadas a lograr el mismo objetivo: resucitar a un mito del cine de las pasadas décadas y a todo su universo tras muchos años de silencio (veinte en este caso) y hacerle un homenaje nostálgico. Como en la mencionada “Rocky Balboa”, en “John Rambo” (ambas comparten incluso el escueto nombre de su protagonista como único título) el propio Stallone es el director, el guionista, el protagonista y el productor. Él mismo se lo guisa y él mismo se lo come, y demuestra así una más que notable visión empresarial: cuando todos creíamos que ya estaba sumido en la más absoluta de las decadencias anclado en películas de segunda fila como “Get Carter”, “D-Tox” o “Driven” o en aislados papeles estelares en obras como “Spy Kids 3D”, ha sacado del olvido a los dos personajes que le hicieron famoso y ha sabido volver a hacerlos rentables y, además, y esto es muy importante, interpretarlos con respeto. “John Rambo” es una excelente película de acción en la que, por suerte, y a pesar de transcurrir en un lugar donde se está dando un genocidio real (olvidado por los medios, por supuesto), no hay ni un solo elemento patriotero ni demagógico, lo cual es muy de agradecer. Rambo vive retirado pero vuelve al campo de batalla para salvar a unos misioneros secuestrados en Birmania. Poco más hay en la película salvo acción frenética, acción muy bien llevada por Stallone, que sabe idear, rodar y montar unas escenas verdaderamente brutales (que por momentos son completamente gore) y solventemente emocionantes que no dejan un segundo de respiro al espectador. La película es toda una cascada interminable de espectaculares combates, tiroteos y explosiones que cumple a la perfección su función de divertir, lo cual, como he repetido muchas veces, hoy muchas cintas ya ni consiguen. Además, y contra todo pronóstico, “John Rambo” de amable tiene bien poco: es verdaderamente sangrienta y cruda y contiene momentos muy terribles y muy bien ideados que sorprenden “gratamente”. Los crueles juegos de los militares genocidas resultan aterradores, el exterminio de los misioneros y de su poblado impacta de verdad (está excelentemente montado y posee un gran ritmo), la escena de la violación colectiva con el humo rojo cubriéndolo todo es genial e incluso en el filme llega a tratarse el asunto de los abusos sexuales a los niños. El mismo John Rambo tampoco es el de antes: vuelve a estar desilusionado y hastiado y vuelve a encontrarse perdido en el mundo, por lo que se acerca de nuevo al de la excelente “Acorralado”, al original. Además, y aunque no aparece ya en esta entrega el habitual Coronel Trautman (más que nada porque Richard Crenna, el actor que le dio vida, murió antes de que este filme naciese), los secundarios cumplen papeles de cierto peso y resultan igualmente muy carismáticos, tanto los misioneros como el equipo de mercenarios al que Rambo se une. “John Rambo” es entretenidísima y vibrante y, además, como he dicho, se aleja de mensajes patrioteros y demagogos, por lo cual resulta una joyita del cine de acción tremendamente disfrutable. Para ver sin prejuicios.

RAMBO III de Peter McDonald – 1988 – (“Rambo III”)

2010-04-18T03:56:00.000-07:00

El Coronel Trautman ha sido hecho prisionero por los rusos en Afganistán, a donde había acudido para suministrar armas a los rebeldes muyahidines. John Rambo, que ahora vive retirado en Tailandia, se infiltra en este país para rescatarle y unirse a los luchadores por la libertad.

El inglés Peter McDonald es un mediocre e impersonal director de cine familiar sin ninguna obra destacada. Su filmografía, con muchas bazofias y algunas secuelas de sagas devaluadas, se compone de la película de acción “Rambo III”, de la comedia “Más pelas”, de la fantástica de aventuras “La Historia Interminable III”, de la nueva película de acción “Soldado de fortuna” y de la nueva comedia “Las aventuras de Super Dave”.

“Rambo III”, considerada la película más violenta de su año, es uno de los más grandes bodrios del cine de acción de la historia, bodrio que está por encima incluso de su ya horripilante anterior entrega. La trama es básicamente la misma, aunque cambia su localización: Rambo y su inseparable Coronel Trautman abandonan las selvas vietnamitas y viajan ahora a la desértica Afganistán para combatir a favor de los oprimidos contra... Adivinen. Claro está: los rusos. Es tremendamente irónico enfrentarse hoy en día a una película con la trama de “Rambo III”: el afgano es un pueblo oprimido, denigrado y marginado pero bondadoso, valiente y luchador que jamás se rinde ante sus enemigos y que da un culto exacerbado al honor, sentimiento que comparten con los mencionados Rambo y Trautman, norteamericanos que se unen a ellos para ayudarles a conseguir su libertad. La Historia da muchas pero que muchas vueltas, y cintas como ésta, de alguna manera, quedan como testimonio (provoquen o no la risa o la indignación en nuestros días) de toda una época y de su visión a través de los ojos del peor Hollywood. Se imaginan lo que contiene “Rambo III”: mucha demagogia (y además barata y simplona), mucho maniqueísmo (como su antecesora), otro mensaje patriotero trasnochado y una exaltación del ejército y de la maravillosa y altruista vida militar y de los Estados Unidos como protectores de la paz y de la justicia mundiales. El resto es acción frenética, bastante aburrida por cierto, cargada de espectacularidad y de brutalidad. Si “Rambo. Acorralado II”, a pesar de ser un notable bodrio argumentalmente hablando, podía por lo menos entretener (si uno era capaz de dejar de lado sus horrendos mensajes), “Rambo III” no logra ni eso: como he comentado, sus escenas de acción son aburridas y en general vulgares y faltas de imaginación y atractivo. Pirotécnica desaforada y poco más es lo que puede ofrecer. “Rambo III” está dedicada al pueblo de Afganistán (es cierto) y es la entrega de las aventuras del mítico personaje de Sylvester Stallone que menos ha recaudado en los USA. Veinte años después llegó a las salas su continuación: “John Rambo”, dirigida por el mismo Stallone.

RAMBO. ACORRALADO II de George Pan Cosmatos – 1985 – (“Rambo. First Blood II”)

2010-04-18T03:46:00.000-07:00

John Rambo recibe de su amigo el Coronel Trautman la oferta de trabajar en una misión que podrá librarle de su pena de prisión: volver a Vietnam para investigar sobre el terreno y comprobar si todavía quedan en el país prisioneros de guerra. Únicamente tendrá que hacer una cosa: fotos de los lugares en los que se infiltre. Rambo acepta y en la selva conoce a Co Bao, una chica guerrera a la que se une. Algo sale mal sin embargo y ambos se encuentran atrapados y rodeados por vietnamitas y rusos. Sólo les queda una salida: luchar.

El italiano George Pan Cosmatos es un irregular director de obras de variados géneros sin una personalidad asentada. Su carrera se mueve entre títulos solventes y horripilantes bazofias y entre grandes éxitos comerciales y tremendos fracasos. Muchas de sus primeras creaciones resultaron ser interesantes propuestas. Su filmografía fue perdiendo calidad con el paso de los años (aunque de vez en cuando, como ocurrió con la buena “Tombstone”, ha levantado ligeramente el vuelo). Se compone del filme bélico “Muerte en Roma”, del buen thriller “El Puente de Cassandra”, del nuevo bélico de acción “Evasión en Atenea”, el filme de terror “De orígen desconocido”, de los horrendos filmes de acción “Rambo. Acorralado II” y “Cobra”, del nuevo filme de terror “Leviathan”, del western “Tombstone” y del nuevo thriller “Conspiración en la sombra”.

Con “Rambo. Acorralado II” la esencia del soldado desheredado, hastiado y atormentado de “Acorralado” se pierde durante más de veinte años (hasta la llegada de “John Rambo”) para dejar paso a un bochornoso personaje ultrapatriótico y trasnochado que ha vuelto al campo de batalla y que lucha contra vietnamitas y rusos malísimos. Stallone vuelve a darle vida, aunque ahora retorna como he dicho a Vietnam, en donde ha de rescatar a un grupo de prisioneros, enfrentarse a los mencionados vietnamitas y rusos y, además, parar los pies a los militares norteamericanos corruptos que le han enviado a luchar de nuevo. El argumento del filme es éste, y su desarrollo es una mera excusa para desatar una interminable cascada de violentas escenas de acción y, de camino, hacer una exaltación del patriotismo y del orgullo militar de Rambo y de su amigo el Coronel Trautman, dos guerreros íntegros que no se venden a nadie y que nunca se rinden. La película está claramente destinada a “redimir” de alguna forma el desastre estadounidense en Vietnam. Queda bien claro que esa guerra fue un error y un fracaso, pero ni se deja de diabolizar a los mencionados vietnamitas y rusos (los villanos de esta entrega son tan tópicos y estereotipados que dan risa) ni se deja de glorificar al ejército, que realiza un papel de total salvador de la paz, cosa que no venía nada mal en la Guerra Fría. Por otro lado, queda bien visible el hecho de que los norteamericanos lo hicieron muy mal en este país oriental pero igualmente se deja claro que los rusos lo hacen mil veces peor. “Rambo. Acorralado II” únicamente puede ser disfrutable de una manera: centrándose en el entretenimiento que ofrecen sus escenas de acción, frenéticas, espectaculares por todo lo alto y ya totalmente inverosímiles muchísimas de ellas. Claro que, por lo menos desde mi punto de vista, aunque el cine de acción sea un género en el que prime precisamente la acción (valga la redundancia), creo que la sola calidad de esta acción no es suficiente para levantar a toda una película con una terrible y por momentos hasta cómica (de manera involuntaria) trama. Fue una lástima que se perdiese al John Rambo outsider de “Acorralado”, pero todavía fue más triste el hecho de que el John Rambo de esta película y de la posterior y aún más horrenda “Rambo III” se instalase en la memoria colectiva de tal manera que el original fuese casi olvidado. “Rambo. Acorralado II” fue otro de los más grandes éxitos comerciales de su década y, en su año, se llevó cuatro Razzies (Peor película, Peor actor protagonista, Peor guión –para el propio Stallone y para un James Cameron no muy lúcido en esos momentos- y Peor canción –“Peace in our life”-).

ACORRALADO de Ted Kotcheff – 1982 – (“First Blood”)

2010-04-18T03:35:00.000-07:00

Hace ya tiempo que John Rambo volvió a los Estados Unidos tras luchar en la Guerra de Vietnam. Su país no le ha recibido bien: no vive de trabajos dignos y es mal visto en muchos lugares. Además, la mayoría de sus amigos soldados ha muerto durante la contienda o a su retorno. Un día, tras volver de visitar a uno de ellos, que también ha fallecido de cáncer, es arrestado por vagabundo en un pequeño pueblo de las montañas de Washington. La policía se ensaña con él y le humilla, pero logra escapar. Una implacable persecución se va a cebar con John Rambo. Sin embargo, los que le persiguen van a hundirse en el peor infierno de sus vidas.

El cineasta canadiense Ted Kotcheff, tras unos inicios hasta cierto punto prometedores, terminó rodando irregulares filmes familiares. Empezó su carrera con obras interesantes y solventes; los dramas “Vivir en la cumbre”, “La voz humana” y “El aprendizaje de Duddy Kravitz”, el western “Billy Dos Sombreros”, las comedias “Roba bien sin mirar a quién” y “Pero… ¿Quién mata a los grandes chefs?”, el drama deportivo “North Dallas Forty” y el drama de acción “Acorralado”. Su filmografía empieza a caer con la mala cinta bélica “Más allá del valor”, se levanta ligeramente con las medianamente aceptables “Vidas turbulentas” (drama) e “Interferencias” (comedia) y termina de hundirse con las malas comedias “Este muerto está muy vivo” y “Cómo sobrevivir a la familia” y con la horrenda película de acción “Único sospechoso”.

“Acorralado”, la película con la que comenzaron las aventuras del veterano del Vietnam John Rambo, está basada en la novela “Primera Sangre” de David Morell. Como “Rocky” y todas sus secuelas, el filme fue un proyecto muy personal de Sylvester Stallone, que cambió junto a Ted Kotcheff bastantes aspectos de la obra escrita en la que se basa para adecuar el personaje al estereotipo de héroe de acción patriota y atormentado que buscaba y que le volvió a hacer famoso (Rocky y Rambo fueron sus mitos definitivos). “Acorralado” se inscribe, aunque ya algo tardíamente, en la lista de filmes que, como “Taxi Driver” o “El regreso”, por poner ejemplos, tratan el drama del retorno de la Guerra del Vietnam. El John Rambo de esta cinta está bastante lejos del John Rambo de las dos secuelas que tendría en la década de los ochenta, el John Rambo que, precisamente, es el que ha permanecido en la memoria colectiva. Stallone interpreta con una notable solvencia a un viejo soldado pobre y atormentado por sus recuerdos que, visto por la población como un asesino o como un paria, es despreciado y posteriormente perseguido por un grupo de policías violentos ante los que se niega a humillarse. Por supuesto, este soldado da una lección a sus perseguidores y pone patas arriba todo un pequeño pueblo. “Acorralado”, tras una breve introducción, da paso a una orgía de acción frenética en la que el guerrero que el protagonista tiene en su interior vuelve a surgir: Vietnam es ahora la Norteamérica profunda, que es otro infierno, aunque en este caso de desagradecimiento y de intolerancia. Hay que decir que como filme de acción pura “Acorralado”, cargado de escenas geniales e imaginativas y de una violencia muy cruda, es uno de los mejores de la historia (aunque este género está hoy muy devaluado, ha tenido sus maravillas). Por si fuera poco, cumple además de manera excelente como el drama que a la vez es. Stallone sabe hacer de su héroe un ser salvaje y poderoso y, a la vez, desvalido y de fondo bondadoso y humilde. Desencantado, no encuentra el descanso en ninguna parte y es víctima de los malos tratos de un mundo cruel. El desenlace de su periplo, junto al también mítico Coronel Trautman (el otro personaje central de la saga), resulta verdaderamente emotivo y representa a la perfección el hastío y el odio en los que desembocan las vidas destrozadas por la guerra. Queda, sin embargo, una polémica sobre “Acorralado” que todavía sigue abierta. Para muchos se trata de un filme social que retrata de manera soberbia las injusticias que una parte la sociedad norteamericana cometió con los soldados que volvieron derrotados de Vietnam. Para otros retrata esto mismo pero desde un punto de vista patriotero (aunque encubierto) y de claro amor incondicional al ejército, ultrajado por una sociedad que no admite a los perdedores o que no sabe apreciar el que otros luchen “por su país”. “Acorralado” fue uno de los grandes éxitos comerciales de la década de los ochenta. Tuvo dos secuelas en esta misma década ya bastante mediocres que cambiaron por completo el concepto inicial de su protagonista y una reciente cuarta entrega que mejoró notablemente la saga.

1984 de Michael Radford – 1984 – (“1984”)

2010-04-17T09:01:00.000-07:00

En 1984 el mundo ha quedado políticamente dividido en tres continentes: Eurasia, Asia Oriental y Oceanía. En esta última, un solo partido se ha hecho con todo el poder y domina a sus habitantes con mano de hierro. El amor está prohibido, el sexo está prohibido, el pensar está prohibido. Nadie conoce el pasado y nadie sabe qué hay en los otros dos continentes. Sólo una cosa está permitida: amar al Gran Hermano, un hombre que nadie sabe si existe pero cuya foto está en todas partes. La policía del pensamiento vigila para que ningún ciudadano pueda pensar por sí mismo, y en todas las casas hay cámaras que observan cualquier gesto de sus inquilinos para que no se cometan “crimenes mentales”. En este ambiente, un hombre, Winston Smith, comete un terrible delito: atreverse a odiar al partido, a querer conocer el pasado y, sobre todo, atreverse a amar a una joven rebelde como él…

Michael Radford, de madre austríaca y padre inglés, nació en Nueva Delhi y pasó toda su infacia y adolescencia en Oriente Medio. Tras trabajar para la BBC en documentales, debutó en la dirección de ficción con “Otro tiempo, otro lugar”, que le lanzó al reconocimiento instantáneo. Con un cine realizado entre Inglaterra, Estados Unidos e incluso Italia, Radford se ha movido, con un estilo distinto en cada película, por muy diversos géneros y por obras puramente de autor y otras de puro encargo. Busca, en cada película, desarrollar una personalidad distinta dentro de guiones bien creados y seleccionados y con personajes desarrollados. Aún así, su filmografía es irregular. Se compone, tras su debut, de la buena adaptación de la novela de política ficción de George Orwell “1984”, del drama romántico de época “Pasiones en Kenia”, de la comedia dramática “El cartero (y Pablo Neruda)” (uno de sus mejores y más exitosos filmes), del fallido thriller “B. Monkey”, del drama sobre bailarinas de strip-tease “Dancing at The Blue Iguana”, de la adaptación de la obra de William Shakespeare “El Mercader de Venecia” y del thriller "Un plan brillante".

En el mismo 1984, en honor a la novela y al propio filme, realiza Michael Radford la segunda adaptación de la gran obra maestra de George Orwell (la primera la dirigió Michael Anderson en 1956). No es una adaptación perfecta, pero en mi opinión sí que es muy destacada. Angustiado por el florecimiento de los grandes totalitarismos de la Europa de su tiempo, George Orwell, incansable luchador por la libertad y contra los fascismos (combatió como voluntario contra Franco en la Guerra Civil de España, guerra de la que salió su célebre “Homenaje a Cataluña”) escribió “1984”, originalmente llamado “El último hombre en Europa”, uno de los libros más tristes, desencantados y descorazonadores de su momento, un libro que todavía hoy, aunque muchas de sus predicciones no se han cumplido, sigue asustando y creando angustia y terror en el lector. La película narra la misma historia, la de Winston Smith (un simplemente soberbio John Hurt), un trabajador del Ministerio de la Verdad (el ministerio que se dedica a reescribir la historia y falsearla), que toma conciencia de que está viviendo en un sistema que cuenta sólo mentiras, un sistema manipulador que les trata como a peleles sin inteligencia para que trabajen sin descanso y luchen en unas guerras que nunca terminarán porque no interesa que terminen. Hastiado, conoce a una compañera rebelde como él, con la que mantiene una apasionada y “sucia” relación amorosa y con la que intenta buscar una manera de actuar contra el partido, que, por supuesto, va a intentar con todos sus medios de “devolverles al camino de la verdad”. El contexto histórico es el mismo que el de la novela: el mundo de 1984 es una extrapolación de la Alemania Nazi y de la Unión Soviética. La manipulación histórica y del pasado se llevó a cabo en ambos regímenes, así como el culto a un Gran Hermano (parodia de Hitler y sobre todo de Stalin). También se dieron fenómenos como la existencia de policías del pensamiento (parodia de las SS), el mantenimiento de guerras para mantener a la población ocupada y engañada, el cambio repentino y sin explicaciones al pueblo de alianzas y la persecución de personas non gratas al gobierno (como la de Trotsky y sus seguidores, que en la novela y en el filme tiene un referente: el rebelde Goldstein). La cinta de Radford respeta todo esto, así como la estructura de la obra escrita de Orwell, su inicio, su nudo y su terrible desenlace (que no desvelo), aunque esta adaptación parece dejar una puerta abierta a la esperanza tomándose una pequeña y también lógica licencia. El ambiente original está recreado a la perfección: calles destrozadas, viejas y sucias; edificios tradicionales junto a gigantescos rascacielos grises, fábricas abandonadas, vertederos, subterráneos oscuros, casas miserables, horrores tecnológicos… Y todo ello en un mundo siempre gris, sombrío y de penumbra constante. Transmite la misma angustia y opresión que la novela. En los fallos podemos encontrar el más básico y el más esperado: las innumerables y lúcidas reflexiones históricas, políticas y sociales de esta obra faltan en el filme. Sólo se da de ellas unas versiones parciales, con lo que se pierde numeroso contexto y quedan cabos sueltos y lagunas en la trama. Sin embargo, la adaptación no deja por estos fallos de ser más que meritoria. Un filme muy recomendable.

EN BUSCA DEL FUEGO de Jean Jacques Annaud – 1981 – (“La guerre du feu”)

2010-04-10T11:35:00.000-07:00

La tribu de los Ulam, cromagnones, ha sido expulsada de sus cavernas por un violento grupo de neandertales y, además, ha perdido el fuego que les daba la luz, la seguridad y la prosperidad, el cual saben mantener pero no crear. Tres valientes guerreros son elegidos para encontrarlo y traerlo de nuevo. Si fracasan o si no se dan prisa, todo el clan desaparecerá. Ante ellos se abre un viaje en el que tendrán que sortear mil peligros y luchar contra otros neandertales, contra la crueldad de la naturaleza, contra los animales más mortíferos y contra sus propios semejantes. Sin embargo, los tres van a encontrar algo nuevo para ellos en su periplo: el amor.

El francés Jean Jacques Annaud es uno de los grandes directores de cine histórico europeo y uno de esos afortunados cineastas que saben conjugar a la perfección comercialidad y personalidad artística. Sus películas, ambientadas en otras épocas o en lugares naturales apartados de la civilización, presentan a personajes que se enfrentan a entornos opresivos y hostiles, ya sea por tratarse de sociedades corruptas, violentas, hipócritas o totalitarias, ya sea por estar dominados por fuerzas que les sobrepasan (a menudo en el cine de Annaud la naturaleza, tan cruel como finalmente maternal). Maestro de la ambientación y enorme adaptador de obras literarias, sus filmes, a menudo de grandes presupuestos e interpretados por actores de renombre muy bien dirigidos, presentan un equilibrio muy conseguido entre la espectacularidad y la belleza formal de las grandes superproducciones (gran parte de sus obras lo son) y entre la hondura social, filosófica y moral, ya que en ellos se tratan asuntos universales como el amor, la amistad, la violencia, la guerra, la ecología, el maltrato a los animales, los desmanes de los gobiernos, la hipocresía, el sexo y el erotismo o la falta de libertad. Debutó de manera fulminante con el drama bélico anticolonialista “La victoria en Chantant”, a la que siguieron la sátira futbolística “El cabezazo”, la comentada aventura prehistórica “En busca del fuego”, el thriller histórico “El nombre de la rosa”, la fábula minimalista ecológica “El oso”, el drama erótico “El amante”, el drama “Siete años en el Tíbet” (la única película que rodó con capital de los USA y que le supuso la prohibición de entrar en China), el filme bélico “Enemigo a las puertas”, la nueva fábula ecologista “Dos hermanos” y el insólito filme casi experimental "Su majestad Minor".

“En busca del fuego” es una de las mejores películas de la historia ambientadas en la prehistoria. Basada en una novela de J.H. Rosny, narra la aventura de tres guerreros cromagnones que, tras ser su tribu expulsada de sus cavernas por un grupo de neandertales, han de partir en busca del fuego que les permitirá sobrevivir y encontrar unas nuevas cuevas para no desaparecer. En su periplo, ambientado con una riqueza esplendorosa y narrado con una agilidad sin par por Annaud, habrán de luchar contra otros hombres como ellos, contra otros neandertales, contra las inclemencias del tiempo y los secretos terroríficos de la naturaleza y contra animales mortales como los tigres dientes de sable o los mamuts. El fuego es representado como la salvación de la inteligencia y el civismo en un planeta en el que los hombres todavía son la especia perseguida, pero es desplazado por un elemento sin el que sus llamas, portadoras de la luz, de la seguridad y de la prosperidad, carecen de sentido: el amor. La joven de otra tribu que los tres guerreros encuentran de casualidad en su camino cambia para siempre sus expectativas: si antes hacían el acto sexual de cualquier manera (violentamente si era preciso) y en cualquier parte, ahora lo harán de manera íntima, con un objetivo y un disfrute mucho más consciente (maravillosa la poética escena amorosa que anticipa el desenlace del filme). Los salvadores de la tribu no traen únicamente, a su vuelta, el fuego: traen el amor, lo que va a cambiar sus vidas para siempre. Con un lenguaje corporal del etólogo Desmond Morris y unos verbos y vocabulario de Anthony Burgess, “En busca del fuego” es una fabulosa y tan cruda como lírica y esperanzadora fábula sobre el inicio de los tiempos. Una obra maestra del cine prehistórico (tal vez la mejor de todas las cintas sobre esta época que se ha rodado nunca).

ASALTO A LA COMISARÍA DEL DISTRITO 13 de John Carpenter – 1976 – (“Assault on Precinct 13”)

2010-04-10T11:30:00.000-07:00

La vieja comisaría del Distrito 13 de Los Ángeles está a punto de ser cerrada. Sin embargo, todavía la ocupa una pequeña guarnición de policías y todavía tiene en su interior a unos cuantos presos entre los que se encuentra un peligroso criminal conocido como Napoleón Wilson. La última noche que va a estar abierta, algo inesperado ocurre: unos violentos pandilleros la asaltan y sus pocos defensores sólo pueden hacer algo para sobrevivir… Soltar a los presos para que les ayuden a luchar. Policías y criminales van a tener que unir sus fuerzas para salvar sus vidas.

John Carpenter es uno de los más grandes directores de cine fantástico y de terror de todos los tiempos, además de un destacadísimo compositor de bandas sonoras caracterizado por la creación de ambientes oníricos y enrarecidos. Su cine combina a la perfección el aliento autoral con la comercialidad y, siempre cargado de espectacularidad, conjuga sin problemas el entretenimiento puro y duro con el tratamiento de asuntos con hondura (la violencia y la deshumanización de las sociedades modernas, los totalitarismos, el fanatismo religioso, la corrupción o las relaciones entre la verdad y la mentira entre otros). Sus personajes, muchos de ellos freaks, antihéroes o seres normales y corrientes enfrentados a fuerzas que aparentemente les superan, sobreviven en mundos oscuros y brutales u opresores. Su estilo, directo y con toques de serie B, está lleno de nervio, de acción impactante influenciada por el western (adora a los clásicos como John Ford o Howard Hawks) y también de cierto cinismo y de humor negro y hasta de poesía épica. Dentro del género en el que se ha especializado, ha tratado toda clase de “sub-géneros”: los asesinos en serie, la fábula post-apocalíptica, la distopía, el thriller de acción, el cine de monstruos de aura clásica, el terror alienígena, el terror satánico, el cine de vampiros, las parodias (y las autoparodias) y hasta las comedias fantásticas. Su actor fetiche es Kurt Russell, que ha protagonizado muchas de sus mejores obras. Muy poco valorado en general y tachado a menudo de simple artesano, John Carpenter es un autor en toda regla que se recicla constantemente y que debe ser reivindicado sin cesar. Su prolífica filmografía se compone de la comedia espacial “Dark Star”, del thriller de acción “Asalto a la comisaría del Distrito 13”, del mítico filme de asesinos en serie “La noche de Halloween”, del thriller “¡Alguien me está espiando!”, del biopic de Elvis Presley “Elvis”, del filme de terror “La niebla”, del filme de acción “1997: Rescate en Nueva York” y de su secuela “2013: Rescate en L.A.”, de los nuevos filmes de terror “La cosa” y “Christine”, del filme fantástico romántico “Starman”, de la película de aventuras “Golpe en la Pequeña China”, de los nuevos filmes de terror “El Príncipe de las Tinieblas” y “¡Están vivos!”, de comedia fantástica “Memorias de un hombre invisible”, del thriller de terror “Bolsa de cadáveres” (co-dirigido con Tobe Hooper), de los nuevos filmes de terror “En la boca del miedo” y “El pueblo de los malditos” y de los filmes de acción “Vampiros” y “Fantasmas de Marte”.

“Asalto a la comisaría del Distrito 13” es una de las mejores películas de serie B de la historia y la que lanzó a la fama y al reconocimiento a John Carpenter, una película de acción claramente adscrita dentro de la cierta moda de este cine de los años setenta pero claramente diferenciada del montón por una personalidad propia. Un grupo de asesinos pandilleros asalta una comisaría a punto de ser cerrada en un barrio aislado de una gran ciudad y los pocos policías de su interior se ven obligados a aliarse con los presos peligrosos que hay en el lugar para acabar con la amenaza y salir vivos de la matanza. Carpenter retrata una sociedad dominada por la violencia y los prejuicios en la que un grupo de supervivientes aprende a luchar unido a pesar de lo distintos que son entre ellos (agentes de la Ley y criminales respectivamente). Con una fantástica atmósfera desoladora y una banda sonora onírica fascinante, “Asalto a la comisaría del Distrito 13” es un soberbio western urbano de aire fronterizo y crepuscular en el que se dan la mano el terror y el filme de zombies clásico, que son constantemente homenajeados (los asaltantes están sacados prácticamente de un filme de Romero) y que además contiene escenas de acción cargadas de una tensión inigualable y un poderoso aliento épico que unifica el conjunto. Una obra maestra de un director que empezaba a despuntar como un genio de su género.

UP IN THE AIR de Jason Reitman - 2009 - ("Up in the air")

2010-04-08T04:09:00.000-07:00

Ryan Bingham es un especialista en recortes financieros cuyo trabajo consiste en viajar por todos los Estados Unidos despidiendo a los trabajadores que sus propios jefes no despiden por falta de valentía y, a la vez, ofreciéndoles otras oportunidades de seguir en el mundo laboral. Ryan vive viajando sin cesar
y habita en hoteles la mayor parte de los días del año. No tiene amigos ni pareja y a sus dos hermanas apenas las ve. A él no le importa: no quiere ningún tipo de compromiso ni de problema. Su vida, sin embargo, puede cambiar algún día... Aunque ni él mismo lo crea.

Antes de comenzar a hablar de "Up in the air" afirmo rotundamente que la sobrevalorada "Juno" no me gustó nada de nada (en la crítica que de ella hay en este mismo blog lo pueden ver). Sin embargo, he de reconocer que la tercera película del hijo de Ivan Reitman me ha gustado... Hasta su desenlace, lo cual me lleva a incluirla entre mis "Filmes mediocres y fallidos". George Clooney entrega un gran papel como el clásico individuo deshumanizado en un mundo deshumanizado que no quiere ni amor ni familia ni amistad ni nada que pueda suponerle una implicación emocional que pueda llevarle a un conflicto o a un compromiso. Los secundarios le acompañan y la cámara del director retrata, con unos pocos trazos iniciales marcados por un cierto efectismo suave (las secuencias de los despidos son verdaderamente geniales, lo mejor del filme), el mundo aséptico, ordenado y rutinario (rutinario a pesar de estar sumergido en el viaje constante por toda la variada geografía de los USA) de este personaje que, suavemente, se va tornando entrañable mientras el metraje avanza dosificando bien la información sobre su vida. Hasta aquí todo bien: se intuye que el personaje va a cambiar su concepción del mundo pero su historia se sigue con interés y amenidad. Sin embargo, Reitman demuestra ser más políticamente correcto de lo que parece ser en un principio y, el mensaje que en sus inicios "Up in the air" parece querer lanzar (contra el capitalismo agresivo y deshumanizado en el actual contexto de crisis económica casi mundial que estamos viviendo desde hace ya dos años) termina resultando ser un canto a la libertad... De oportunidades para volver a rehacer una vida... Según las reglas del mundo capitalista (esto se evidencia también en la conversación que sostienen las dos protagonistas, verdaderamente horrenda). La idiosincracia políticamente correctísima de "Up in the air" queda bien patente en su desenlace, en el que el protagonista aprende a valorar lo que los "buenos norteamericanos" valoran: la familia, el amor... Y por supuesto, la vida profesional, que nunca se puede olvidar. Una pena, porque el tercer filme de Reitman comienza siendo una cosa (muy grato comienzo) y termina siendo otra radicalmente distinta (la opuesta).

CUENTOS DE TOKIO de Yasuhiro Ozu – 1953 – (“Tokio Monogatari”)

2010-04-04T06:57:00.000-07:00

Shukichi y Tomi son una pareja de ancianos que ven acercarse el final de sus días. Siempre vivieron en su pequeño pueblo de la costa, en donde con esfuerzos constantes criaron a varios hijos e hicieron de todos ellos hombres y mujeres de provecho. Ahora, todos sus descendientes viven en la populosa Tokio, la gran capital, a la que el viejo matrimonio se traslada durante unos días para visitarlos a todos. Pero cuando llegan allí, sus hijos, demasiado ocupados, los envían amablemente a un balneario para que “descansen”. Sólo la joven Noriko, viuda de uno de ellos, recientemente fallecido, siente lástima por los abuelos y les acompaña a menudo en sus paseos y en sus conversaciones.

El japonés Yasuhiro Ozu es posiblemente el gran autor clásico del realismo social de su país. En los años veinte trabaja en el mundo del cine como actor, guionista y ayudante de dirección hasta hacerse director de largometrajes mudos. Se inició en el mundo de las comedias y de los dramas protagonizados por gente corriente, moralizadores al estilo de Frank Capra. Después, influenciado por el movimiento neorrealista, comenzó a dirigir los dramas sociales (algunos de corte político) que le hicieron famoso y con los que alguna que otra vez tuvo problemas con la censura. En ellos mostraba el Japón de antes de la Segunda Guerra Mundial con ojo crítico e irónico aunque también tierno y comprensivo: la occidentalización, la entrada en el mundo capitalista del consumo, la competencia laboral, la imposibilidad de ascender en la jerarquía social de los humildes, las pocas oportunidades de los nuevos trabajadores, la pervivencia de tradiciones milenarias rancias y ya absurdas, el sentir de la nueva infancia y la nueva juventud del país. Ya en esta época Ozu demostró lo que mejor sabía hacer: los retratos de personajes comunes. Sus dramas eran completamente cotidianos, minimalistas, de delicados sentimientos, de relaciones personales. De estos años son geniales filmes silentes como la maravillosa “He nacido, pero…”, que cuestionaba en la sombra todo el sistema político japonés desde sus raíces, “Me gradué, pero…”, sobre los licenciados universitarios que no encuentran un buen trabajo (película muy actual, por cierto) o “Un albergue en Tokio”, sobre los parados. Después de la guerra y de la humillante derrota de Japón, Ozu se centró en nuevos asuntos sociales: la perdida de los valores tradicionales que merecen la pena, la occidentalización más brutal, la desintegración de las familias, la soledad de los individuos en las ciudades, el desarraigo, las decepciones de la vida. Su estilo, al pasar del mudo al sonoro (no sin incomodidad), se particularizó, llegando a ser tan amado como odiado: se volvió austero como pocos, basado en constantes planos completamente fijos, sin ningún movimiento, y en planos-contraplanos; y su montaje se volvió sobrio, lineal. Es un estilo difícil de asimilar en un principio. Sin embargo, en cuanto esto se logra, se da uno cuenta de que es uno de los más originales de la historia del cine y de que su ascetismo casi total en la forma no es lastre para el dramatismo pausado y minimalista que Ozu busca transmitir. Yasuhiro Ozu, cultivador de un cine puramente oriental y localista y nada abierto al estilo occidental, murió en 1963 sin llegar a ser valorado como se merecía fuera de Japón. Por suerte, hoy se le ha dado todo el reconocimiento que se le negó. Muchas de sus obras de antes de la guerra desaparecieron durante ésta. Por suerte, también muchas nos quedan de su etapa posterior, espléndidas películas que siguen de plena actualidad: “Primavera tardía”, “Comienzo de verano”, “Las hermanas Munakata”, la comentada “Cuentos de Tokio”, “Buenos días”, “Las hierbas flotantes”, “Otoño tardío” o “El sabor del sake”.

En “Cuentos de Tokio”, la obra más famosa de Yasuhiro Ozu, el asunto tratado es el del desarraigo de los ancianos en la nueva sociedad japonesa industrializada, occidentalizada y capitalista del consumo y de la explosión económica posterior a la postguerra de la Segunda Guerra Mundial. Dos ancianos de un pequeño pueblo pesquero que criaron con amor a sus hijos ahora se ven relegados a un segundo plano en la vida familiar, que se traslada desde este pueblo a la gran ciudad. Ya no son útiles y no tienen nada que hacer ni que contar. Pertenecen a otra época, al Japón que casi salía del feudalismo. Sólo la joven Noriko, la viuda de uno de sus hijos muertos durante la guerra (la sombra de este conflicto que cambió a Japón para siempre planea sobre el filme, como sobre otras tantos de Ozu), les atiende en todo momento con un amor inesperado. Sin embargo, no parece esta situación un trauma para los abuelos: lo aceptan con tranquilidad y felices, sabiendo que aunque las cosas hayan cambiado, ellos han cumplido con su deber y ahora pueden esperar tranquilos a la muerte... Que llegará. Mientras, observan con pausada mirada el mundo frenético de su alrededor, el mundo cambiante que ellos no han conocido, y discuten sobre la vida, sobre sus alegrías y sus tristezas, sobre las decepciones de los humanos a las que Noriko se quiere resistir a toda costa. En el clásico estilo austero de Ozu, “Cuentos de Tokio”, es una película que emociona, que ayuda a vivir mejor y que abre caminos de esperanza en todos los aspectos, especialmente en un mundo de consumo y capitalismo despiadado que no ha cambiado un ápice desde el estreno del filme.

WINCHESTER 73 de Anthony Mann – 1950 - (“Winchester 73”)

2010-04-04T06:51:00.000-07:00

El noble pistolero Lin McAdam llega a Dodge City, en donde, por ser el Día de la Independencia, se celebra un concurso de tiro. Lin gana el concurso y se lleva el premio: un Winchester 73, uno de los mejores rifles del mundo. Sin embargo, otro pistolero, Dutch Henry Brown, se lo roba y huye con su banda de forajidos. Lin sale en persecución de Dutch. Mientras, el Winchester es deseado por otros hombres: un traficante de armas, un jefe indio y otro forajido. Lin, sin embargo, quiere algo más de Dutch… Los que le rodean saben que ambos están unidos por un pasado triste.

Anthony Mann, como otros tantos, comenzó su andadura artística dirigiendo teatro en Broadway, de donde pasó al mundo del celuloide en los años cuarenta. Fue uno de los grandes directores clásicos del Hollywood de oro, y especialmente uno de los grandes maestros del género negro y del western, en los que regaló imprescindibles obras. Su estilo encontraba la belleza en su gran sobriedad narrativa y ambiental, en su ritmo calculado al milímetro y en su uso del espacio, especialmente del grande, con el que sorprendía sin parar mostrando unos escenarios naturales llenos de implacable hermosura (especialmente en sus poéticos westerns, que se consideraron los mejores herederos de los de John Ford). El cine de Anthony Mann es muy a menudo épico, lleno de violencia física y psicológica y de héroes agustiados por miedos constantes pero imparables en su cometido. Conjugó sin problemas el arte y la comercialidad, y fue un gran director de actores, llevando a la gloria a muchos de los que colaboraron con él, aunque su intérprete fetiche fue el genial James Stewart. Entre sus imprescindibles westerns se encuentran el comentado “Winchester 73”, “La puerta del Diablo”, “Horizontes lejanos”, “Colorado Jim”, “Tierras lejanas”, “El hombre de Laramie”, “Cazador de forajidos”, “El hombre del oeste” o “Cimarrón”; y entre sus también imprescindibles cintas negras “Desperate”, “La brigada suicida”, “Los héroes del Telemark” o “Sentencia contra un dandy”. Sin embargo, como tantos otros grandes creadores de esta época, tocó todo tipo de géneros con igual éxito y calidad: el drama con “Extraños en la noche” o “La pequeña tierra de Dios”, el musical con “Una rubia afortunada con suerte” o el biopic musical “Música y lágrimas”, las aventuras con “Bahía Negra”, el bélico con “La colina de los diablos de acero” o el histórico con “El Cid” o “La caída del Imperio Romano”. Anthony Mann murió inesperadamente: en pleno rodaje de “Sentencia contra un dandy”.

Uno de los mejores westerns de la historia y uno de los mejores de Anthony Mann (como si no tuviera) es “Winchester 73”, protagonizado por su habitual James Stewart, que borda el papel del clásico hombre íntegro que, para hacer la justicia en la que él cree, ha de enfrentarse a su propio pasado y ponerse frente a seres que en otro tiempo significaron mucho para él. Se podría definir “Winchester 73” como un drama familiar de aventuras épico, en el que en medio del crudo enfrentamiento entre los dos protagonistas (inolvidable el violento duelo final en las montañas), se suceden interminables problemas y enfrentamientos por la posesión del rifle que da nombre al filme, una de las mejores armas de su tiempo, todo un tesoro en la época. En medio del citado drama, encontramos torneos de tiro al blanco, combates en tabernas, batallas contra indios, intrigas entre contrabandistas, encuentros con la caballería o con personajes míticos como el sheriff Wiatt Earp o menciones al general Custer y, por supuesto, romance y amistad, que aparecen exaltadas como oasis de dignidad en un mundo de salvajes. Las escenas de acción, imparables, están llevadas con una maestría que pocas veces se ha vuelto a ver en un director de westerns. Hay que destacar además los escenarios, esos parajes naturales que siempre encontramos en el cine de Mann retratados con ese esplendor que le caracteriza y una visión de la época que, sin acercarse a las más brutales de autores como Penn o Peckinpah, se muestra realmente más sucia y cruda que otras de sus contemporáneos, a pesar de no dejar de lado la epicidad ni el lirismo en ningún momento.

LAZOS ARDIENTES de Andy y Larry Wachowski – 1996 – (“Bound”)

2010-04-04T06:43:00.000-07:00

Violet es la novia de Caesar, un mafioso brutal, machista y desconsiderado que la trata como a un florero. Su vida aburrida se ve interrumpida cuando conoce a Corky, una ladrona profesional que vive justo al lado de ellos y que acaba de salir de la cárcel. Con ella comienza, a espaldas de Caesar, una relación de amor que cada día se vuelve más fuerte. Cansadas de sus vidas, ambas trazan un plan: robarle al novio de Violet un gran botín que tiene que entregarle a su jefe y escapar para siempre del mundo de la criminalidad… Las cosas, por desgracia, no siempre salen bien del todo.

A pesar de su decisiva influencia en el cine de ciencia ficción y de acción moderno, los sobrevalorados hermanos Andy y Larry Wachowski tienen aún una filmografía muy corta (sólo cinco películas, de las que tres son de una misma saga) y llena de brutales altibajos, por lo que creo que es demasiado pronto para valorarlos en su conjunto. Sí podemos decir que, hasta ahora, han demostrado, en lo visual, un gran gusto por una estética que bebe de los mundos del comic, de los videojuegos, del cine negro clásico, del cine de animación, del cine de acción y que se sirve de elementos culturales y contraculturales variados como el retro, el ciberpunk, el pop o el hardcore. Sus atmósferas son frías, asépticas, opresivas y oníricas excepto en "Speed Racer". Han sabido combinar de manera excelente el cine de entretenimiento (y han destrozado las taquillas con su saga “Matrix”) con un cine artístico. En sus obras, llenas de símbolos y algunas con un mensaje humanista, a menudo se tratan asuntos filosóficos, metafísicos y hasta religiosos en un estilo a veces bastante pedante y pretencioso, de diálogos barrocos bastante infumables y que en ocasiones no dicen nada, ya que únicamente se dedican a dar vueltas sobre la misma idea para sobrecargarla y dar la impresión de profundidad (especialmente en las dos flojas secuelas de “Matrix”). Debutaron con una excelente historia negra, “Lazos ardientes”, tras la que dejaron una de las obras más importantes del cine fantástico de finales del siglo XX: “Matrix”, que ya pertenece al podio de sagas míticas como “Star Trek”, “Star Wars” o “El Señor de los Anillos”. En estas dos películas demostraron los Wachowski un tremendo buen hacer en todos los aspectos. Por desgracia, tiraron el listón de calidad por los suelos con las dos siguientes entregas de su segunda obra: “Matrix Reloaded” y “Matrix Revolutions”, dos mediocridades pretenciosas que destrozaron la saga de muy mala manera. Ya "Speed Racer", su último filme hasta la fecha, me resulta por lo menos un experimento de cine infantil estéticamente resultón.

A pesar de ser una película tremendamente morbosa para tratarse de una obra comercial, en su día “Lazos ardientes” pasó sin pena ni gloria por las carteleras. El debut tras las cámaras de Andy y Larry Wachowski es una excelente cinta que homenajea al cine negro clásico y que, sin buscar originalidad, juega con sus lugares comunes. La historia es bien simple: dos jóvenes y provocadoras mujeres, una ladrona que ahora vive de pequeños trabajos y la esposa de un mafioso, establecen un fuerte vínculo sentimental a espaldas de este mismo mafioso, al que planean engañar para robarle un gran botín y huir. Estas mujeres están fabulosamente interpretadas por Jennifer Tilly y Gina Gershon, a las que acompaña un también genial Joe Pantoliano en el papel del mencionado mafioso, que borda al clásico criminal machista algo esperpéntico que esconde su mediocridad actuando con desdén y brutalidad. Frente a él, que representa este machismo (que es una característica básica de muchas mafias) las dos mujeres se presentan como personajes contrapuestos al suyo: maduras, inteligentes y seguras de sí mismas y de sus sentimientos. En su carrera para escapar del mundo de la mafia con el dinero suficiente, comienzan un juego de trucos y mentiras con este hombre que cree dominarlas, un juego que, a pesar de todo, se les escapa de las manos, propiciando el estallido de violencia final. La película se desarrolla prácticamente en una casa sumida en sombras, fría y opresiva. Los personajes, como tantos de los Wachowski, visten con ropas oscuras y a menudo usan el cuero. Las escenas sexuales entre las dos mujeres protagonistas están rodadas haciendo un gran uso de la sugerencia para desatar el morbo, y se van moviendo entre la tensión y la ternura. Fueron estas escenas bastante famosas en su momento, a pesar de que finalmente la película no fuera un gran éxito. La carga de violencia del filme es muy elevada, destacando el mencionado baño de sangre final con un Joe Pantoliano realmente patético en su histeria que tal vez rinda un homenaje a protagonistas de clásicos como “Scarface” o “Al rojo vivo”. “Lazos ardientes” no innova nada, pero tampoco lo busca. Es un filme negro que utiliza los tópicos de su género sin ningún prejuicio para actualizarlos y ofrecer un gran rato de disfrute. Los hermanos Wachowski alcanzarían la fama tres años después de esta película, con su fulminante “Matrix”.

EDUCANDO A J. de Christine Lahti – 2001 – (“My first mister”)

2010-03-29T13:46:00.000-07:00

J. es una joven gótica-punk que vive hundida en el exilio sentimental. No tiene ni ha tenido amigos, y la relación que mantiene con sus padres, divorciados, es fría y distante en todos los aspectos. J. a veces paga sus frustraciones mostrándose ante los demás rebelde; a veces también se comporta como una niña pequeña y malcriada. Un día, su vida cambia radicalmente: conoce de casualidad a Randall, un aburrido cincuentón dueño de una tienda de ropa que también está hundido en su propio exilio emocional; el mundo le da miedo, no tiene relación con su familia y pasa sus días leyendo revistas compulsivamente porque no tiene otra cosa mejor que hacer. Entre ambos surge una enorme amistad: los dos van a tener que luchar por salir adelante juntos.

La estadounidense Christine Lathi, aunque es más conocida por su carrera de actriz habitualmente secundaria (en películas como “Justicia para todos”, “Mi vida es mía”, “Chicas en pie de guerra” o “Un lugar en ninguna parte” o en famosas series como “Chicago Hope”) también ha dirigido un filme: “Educando a J.”. Por ahora, no ha anunciado que vaya a volver a ponerse tras las cámaras.

“Educando a J.” (horrenda traducción al castellano de “My first mister”) es una pequeña joyita del último cine norteamericano que, por desgracia, en su día pasó bastante desapercibida por las carteleras debido a su condición de filme independiente y a su poco atractivo comercial. La película, protagonizada por unos soberbios Leelee Sobieski y Albert Brooks, narra la clásica historia de amor (“amor” en toda su confusión y amplitud) que surge entre los clásicos seres perdidos en el mundo moderno que pertenecen a distintas generaciones con visiones radicalmente opuestas de este mundo. Leelee Sobieski es J., una joven gótica-punk sin amigos que vive en una terrible alienación sentimental tanto en su ambiente familiar como estudiantil y que se comporta despreciando a los demás y, en ocasiones, como una completa niña pequeña. Albert Brooks es Randall, un comerciante solitario, aburrido y lector compulsivo de revistas que también vive su propio exilio sentimental (ha perdido el contacto con su mujer y con su hijo porque no supo mantenerlo) y que tiene un miedo atroz de todo lo que le rodea. Entre ambos se desarrolla una agilísima y muy fresca trama de confusas relaciones y sentimientos que, sin embargo, está cargada de hondura: Christine Lathi trata con un ojo tan agudo como tierno asuntos universales como la soledad, el paso a la madurez, el amor, el respeto, la redención, la familia, la amistad, el miedo, la enfermedad, la muerte, la rebeldía juvenil o la pérdida de la ilusión por medio de unos diálogos sencillísimos pero certeros y por medio de una historia que, aún contando algo que se ha visto ya en muchas ocasiones, sabe resultar en todo momento interesante y emotiva (emotiva esquivando siempre la sensiblería). J. y Randall se complementan y aprenden el uno del otro a superar sus terrores, que son muchos. “Educando a J.”, llena de escenas inolvidables (los primeros encuentros de la pareja en sus respectivos ambientes, sus primeras y delirantes salidas, los momentos del hospital y de la búsqueda del hijo de Randall), es un fascinante retrato social de todo un escenario histórico (“eso” que sigue tras la Generación X) que se erige como una de las más recomendables propuestas de cine juvenil (juvenil para jóvenes y adultos) de los últimos tiempos. Curiosamente, coincidió en cartelera con la también genial y poco exitosa “Ghost World”, con la que guarda similitudes tanto en sus asuntos centrales como en su carácter independiente.

LA MOMIA. LA TUMBA DEL EMPERADOR DRAGÓN de Rob Cohen – 2008 – (“The Mummy. Tomb of The Dragon Emperor”)

2010-03-28T12:22:00.000-07:00

Alex O’Connell se ha convertido, como sus padres, en un gran descubridor de secretos de la antigüedad. Su último gran hallazgo ha sido la momia del Emperador Dragón, un guerrero despiadado que intentó en el pasado sumir a toda China en el terror. Cuando Rick y Evelyn acuden al país para transportar una piedra preciosa milenaria, algo terrible ocurre: el Emperador Dragón vuelve a la vida para resucitar a su ejército de soldados de terracota y cumplir su viejo sueño. La familia O’Connell va a tener que pararle los pies a una nueva momia… Con unos nuevos aliados: Lin y Zi Yuan, dos misteriosas mujeres que vigilan al Emperador desde hace siglos para que no alcance sus malévolos objetivos.

El estadounidense Rob Cohen es un mediocre director sin personalidad que, en algunas ocasiones, ha entregado solventes productos artesanales y, en otras, grandes mediocridades o directas bazofias. Su filmografía, variada, se compone del biopic de Bruce Lee “Dragon. The Bruce Lee Story”, de la película de aventuras “Dragonheart”, de la película de catástrofes “Daylight”, del thriller “The Skulls”, de las películas de acción “The Fast and The Furious”, “XXX” y “Stealth: La Amenaza Invisible” y de la nueva película de aventuras “La Momia. La Tumba del Emperador Dragón”.

Seis años después de “El Regreso de La Momia” y cinco de “El Rey Escorpión”, llegó a las salas con el objetivo de aprovechar el tirón aventurero de “Indiana Jones y El Reino de la Calavera de Cristal” la tercera entrega de la saga de “La Momia”, subtitulada “La Tumba del Emperador Dragón”. Cambió el director (Stephen Sommers fue relevado por Rob Cohen), cambiaron las localizaciones (de Egipto se pasó a China) y cambió una parte del reparto (Maria Bello sustituyó a Rachel Weisz como Evelyn y Oded Fehr ya no apareció porque tampoco pintaba demasiado en la nueva historia). Y, como era de esperar, esta tercera entrega de las aventuras de los O’Connell fue no sólo la peor entrega de la hasta ahora trilogía de “La Momia”, sino, además, una de las peores películas del año 2008. Si “El Regreso de La Momia” era ya una cinta bastante estúpida y hasta vergonzante, “La Momia. La Tumba del Emperador Dragón” es un despropósito en toda regla. La familia O’Connell ha de viajar a China para enfrentarse a una nueva momia a la que da vida Jet Li, la momia de un emperador que quiso dominar el mundo y que quiere resucitar a su ejército de soldados de terracota. La acción está servida, pero acción vulgar y hasta ridícula. Rob Cohen rueda sin imaginación y sin inventiva una trama que no sólo es insulsa y predecible, sino que además está plagada de idioteces y de hechos forzados (desde ataques de yetis guardaespaldas a inmortalidades que se pierden y se ganan al tun tun pasando por las transformaciones absurdas e inútiles del Emperador Dragón –el demonio terrestre indefinido de la batalla final se lleva la palma-). Los personajes, para colmo, han perdido todo el carisma que tenían: Rick y Evelyn se amoldan a todos los tópicos de la familia feliz pero sin aportarles gracia ninguna (la gracia de la que Brendan Fraser hacía gala en “La Momia” se ha perdido por completo y Maria Bello está bastante sosa en líneas generales), Jet Li es totalmente inexpresivo y como villano no aporta sensación de maldad ninguna (y además, siendo todopoderoso, deja que le venzan de mala manera), John Hannah es directamente insufrible como secundario cómico, Luke Ford es insulso como hijo de los O’Connell y lo mismo se puede decir de Michelle Yeoh y de Isabella Leong como “guardianas de las momias” (un trasunto de la función que hacía Oded Fehr en las anteriores entregas). Por si fuera poco, la película goza de unos diálogos verdaderamente penosos y de un humor despreciable basado en hacer “chistes” sobre momias constantemente (un ejemplo extraído de la boquita del personaje de Jonathan: “Odio a las momias: nunca juegan limpio”. Sin comentarios). “La Momia. La Tumba del Emperador Dragón” es un insulto al cine de aventuras y a sus fans, insulto que ya termina el trabajo que comenzó “El Regreso de La Momia”: cargarse vilmente una saga moderna que empezó de manera inmejorable (otra que va a la saca de “Matrix” y de “Piratas del Caribe”). Lo peor es que muy posiblemente tengamos una cuarta entrega con momia incaica incluida: se deja un desenlace abierto que lo da a entender.

EL REGRESO DE LA MOMIA de Stephen Sommers - 2001 – (“The Mummy Returns”)

2010-03-28T12:18:00.000-07:00

Diez años después de que Rick y Evelyn acabasen con la maldición de Imhotep, ambos llevan una vida tranquila en Londres con su hijo pequeño, Alex. Ellos no lo saben, pero están a punto de volver a enfrentarse a su viejo enemigo... Ank-Su-Namun, su ancestral amada, tiene planes para, una vez más, devolverle la vida. Pero no sólo Imhotep entra en sus planes de resurrección: también quiere revivir al legendario Rey Escorpión, un guerrero maldito que vendió su alma al dios Anubis y que tiene un poder inimaginable. La familia O’Connell al completo va a tener que volver a unirse a Ardeth Bay para pararle los pies a las momias, que han regresado.

Tras el enorme éxito de “La Momia”, no tardó mucho en llegar a las salas su esperada secuela, “El Regreso de La Momia”, en la que todo el equipo principal de la primera parte repetía (tanto director como elenco actoral) para entregar, por desgracia, una terrible bazofia que poco tenía que ver con aquel desprejuiciado y divertidísimo homenaje a la obra homónima de Karl Freund, al cine de aventuras y fantástico clásico y de serie B y a la entonces trilogía de Indiana Jones. “El Regreso de La Momia” vuelve a ser una película de aventuras sin pretensiones en la que los personajes de la primera entrega junto a algunas nuevas adquisiciones se enfrentan una vez más al otra vez resucitado Imhotep y a un nuevo enemigo, El Rey Escorpión (interpretado por el luchador profesional The Rock, que a partir de aquí se lanzaría hacia una fructífera carrera como intérprete en Hollywood). El problema y el lastre de esta secuela radica, principalmente, en la arriba mencionada falta de pretensiones. Y es que, inexplicablemente, se dedica Stephen Sommers, anclándose en ella, a hacer de la trama de su nuevo filme un aberrante e inconexo batiburrillo en el que todo vale para incluir una escena de acción más y un giro argumental “más sorprendente”, giro argumental que casi siempre resulta ser absurdo. Una cosa es rodar una película cachonda, delirante, paródica y totalmente desprejuiciada (como lo eran “La Momia”, “Indiana Jones y el Templo Maldito” o “Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra”), y otra rodar un popurrí sin sentido ninguno de hechos y situaciones en el que de Londres se pasa al desierto y del desierto a una selva poblada por momias enanas y en el que nadie se aclara con las resurrecciones y las muertes y las maldiciones cada vez más rebuscadas que van surgiendo al tuntún. Para colmo, en este popurrí los personajes están mal desarrollados. El Rey Escorpión aporta muy poco a la trama salvo un combate final mediocre, la familia O’Connell e Imhotep y su amada han perdido mucho carisma y, siendo los protagonistas, tampoco aportan mucho salvo una idiota historia de amor y de odio ancestral de la que en “La Momia” no se dijo nada de nada. Porque resulta que los O’Connell y los egipcios de marras están unidos por un pasado milenario común que Sommers se saca de la manga y que es, sin ninguna duda, el elemento más chorra, tonto y gratuito de la película (de vergüenza ajena los flashbacks de las luchas a muerte entre concubinas en el Antiguo Egipto). Por si fuese poco, el hijo pequeño de Rick y Evelyn no sólo no funciona como secundario cómico, sino que resulta verdaderamente despreciable, ridículo e irritante, al igual que el personaje de John Hannah, ya totalmente desquiciado. Tampoco se salva demasiado el de Oded Fehr, que se empantana en intentar, sin éxito, poner un orden en el argumento tontorrón de esta cosa. Hay que sumar que la trama de “El Regreso de La Momia”, además de ser enrevesada, no tiene ritmo ninguno, ya que apenas existe descanso entre las escenas de misterio (casi inexistentes) y las de acción, que son tan inagotables y que han perdido tanta inventiva que llegan a ser soporíferas. Los efectos especiales, para colmo, han empeorado (El Rey Escorpión parece sacado de un mal videojuego). Es una verdadera lástima que el propio Stephen Sommers sea incapaz de repetir película (algo que no era tan difícil). “El Regreso de La Momia” sí que repitió sin embargo recaudación en taquilla, lo que propició una cinta sobre su nuevo villano llamada “El Rey Escorpión” dirigida por Chuck Russell, la cual me abstengo de comentar dado su grado de patetismo (suelo comentar las sagas completas a pesar de lo terribles que puedan ser, pero esta película no aporta nada a las dos primeras entregas de “La Momia” y para colmo es un enorme despropósito). Mañana: “La Momia. La Tumba del Emperador Dragón”, la cual es todavía peor que “El Regreso de La Momia”.

LA MOMIA de Stephen Sommers – 1999 – (“The Mummy”)

2010-03-28T12:11:00.000-07:00

El Cairo. 1923. La joven egiptóloga Evelyn Carnahan y su hermano Jonathan se unen al valiente y canalla legionario Rick O’Connell para buscar las ruinas de la legendaria Hamunaptra, la ciudad de los muertos del Antiguo Egipto, supuesta cuna de grandes tesoros. En su camino se encuentran con un grupo de arqueólogos que buscan lo mismo que ellos y también con un misterioso hombre que parece vigilarles desde las sombras. Algo más ocurre: una terrible maldición ancestral se cierne sobre todos cuando encuentran un extraño libro… La Maldición de Imhotep. Aunque Rick y los hermanos Carnahan colaboran a su pesar, van a tener que hacerlo estrechamente para sobrevivir…

El norteamericano Stephen Sommers es un director mediocre y sin una personalidad definida que, centrado especialmente en el género de la aventura, ha dado alguna película muy notable (“La Momia” sobre todo) y muchas bastante flojas o incluso terribles. Su filmografía se compone de la cinta de jóvenes generacional “Catch Me If You Can”, de las aceptables adaptaciones literarias “Las aventuras de Huckleberry Finn” y “El libro de la selva”, de la terrible película de terror y acción “Deep Rising”, de la excelente película de aventuras “La Momia”, de su horrenda primera secuela “El Retorno de la Momia”, de la aún más horrenda vuelta al cine de aventuras “Van Helsing” y de la todavía más horripilante vuelva al de acción “GI JOE”.

“La Momia” fue una película que, al igual que la primera entrega de “Piratas del Caribe” (sus dos despreciables secuelas mejor olvidarlas), fue capaz de resucitar, por lo menos momentáneamente, el concepto de cine de aventuras familiar que la trilogía (la entonces trilogía) de Indiana Jones supo establecer en la década de los ochenta. Basada muy libre y desprejuiciadamente en el clásico homónimo de Karl Freund de 1932, “La Momia”, apartada de toda pretensión posible, conjugaba a la perfección el cine de aventuras de aura clásica, la comedia familiar y paródica y el filme fantástico de aires pulp en lo que es un homenaje intencionadísimo a su mencionada “hermana” de Karl Freund, a las también nombradas peripecias de Indiana Jones, a cierto cine de terror sobrenatural, a la serie B y al también mencionado cine de aventuras clásico e incluso al de capa y espada. Stephen Sommers entrega su mejor película calibrando con efectividad la acción pura y dura (que es mucha) con el desarrollo de una trama de misterio simple pero efectiva e interesante desde el primer hasta el último momento en la que todos los tópicos de su género están servidos (y bien explotados para no resultar vergonzantes): batallas, trampas, maldiciones, magia, enigmas, monstruos de toda clase y persecuciones y luchas de todo tipo. Los personajes de la cinta, además, gozan de un genial carisma. Los entonces menos conocidos Brendan Fraser y Rachel Weisz interpretan a una pareja perfecta (el aventurero canalla y algo payaso y la chica mojigata pero finalmente de armas tomar –la sombra de “En busca del Arca Perdida” es alargada-), Arnold Vosloo es un villano genial (malvado y atormentado), Oded Fehr es un secundario con relieve y necesario para el desarrollo de la historia y John Hannah es un secundario cómico que aporta una dosis de humor que, por lo menos en esta primera película de la saga, no resulta cansina ni vergonzosa. Hay que sumar también un ambiente romántico muy conseguido, unos efectos especiales geniales y unas escenas de acción verdaderamente imaginativas y dinámicas. “La Momia”, muy injustamene denigrada por muchos, se configuró como la mejor película hollywoodiense de aventuras de finales del siglo XX. Por desgracia, sus dos secuelas (hasta la fecha) fueron terribles.

CUENTOS DE TERRAMAR de Goro Miyazaki – 2006 – (“Gedo Senki”)

2010-03-28T04:27:00.000-07:00

El bondadoso mago Gavilán encuentra en medio del desierto a un joven misterioso con una espada aún más misteriosa. Tras salvarle de unos lobos que iban a devorarlo, le permite unirse a él en su viaje… Un viaje hacia un reino corrupto sumido en la decadencia al que acude para enfrentarse a alguien terrible, a otro mago como él que quiere vivir para siempre y que está dispuesto a todo para lograrlo. Gavilán y su nuevo compañero están a punto de enfrentarse al reto más oscuro de sus vidas. No van a estar solos: en su camino se les van a unir otros como ellos.

Paisajista antes que animador, el hijo del gran Hayao Miyazaki, Goro Miyazaki, ha seguido los pasos de su padre y ha heredado su oficio. Únicamente cuenta con un filme dirigido hasta el momento: “Cuentos de Terramar”.

“Cuentos de Terramar” supone el debut de Goro Miyazaki al frente de una película de animación, debut cuya gestación le ocasionó numerosos problemas con su padre Hayao, que pensaba que no estaba preparado todavía para dirigir un filme de estas caracterísiticas (de hecho, no se hablaron durante la producción de la película que comentamos, aunque posteriormente hicieron las paces). Está esta cinta basada en el tercer libro de la famosa serie de Terramar de la escritora estadounidense Ursula K. Le Guin, llamado “La costa más lejana”, y narra una clásica historia épica de amor, amistad, arrepentimiento y redención en la que un grupo de héroes se enfrenta a un malvado mago que quiere vivir para siempre, personaje ambiguo por medio del cual se reflexiona sobre la vida y la muerte y sobre el sentido de ambas, unidas indisolublemente. La película, como todas las del Studio Ghibli, goza de una factura técnica sencillamente soberbia: la animación, realista y fluidísima, es una delicia, al igual que los escenarios en los que todo se desarrolla, esplendorosos y cargados de belleza y de innumerables detalles. La trama es ágil y el ritmo está llevado con pulso, mientras que las escenas de acción resultan notables en todo momento. “Cuentos de Terramar” ha sido una película tremendamente criticada a pesar de su gran éxito de taquilla en Japón: la primera en no estar conforme con el trabajo de Goro Miyazaki fue la propia autora de las novelas en las que se basa, mientras que otros sectores también la vapulearon. Hay que decir que no es ésta, en absoluto, una de las mejores obras de un estudio de animación que desde su fundación no ha parado de regalar maravillas; además, tampoco se puede negar que el filme tiene elementos confusos que no son explicados tras su desenlace (la transformación de la chica en dragón, la identidad de la “sombra” del protagonista, el asesinato inicial del padre de éste…). Sin embargo, hay que tener en cuenta que Miyazaki Hijo ha adaptado únicamente el tercer libro de toda una saga, por lo que es de esperar que estos puntos oscuros queden explicados en las novelas (lo cual no le excusa tampoco de no haber tratado de dejar el conjunto más claro). Por otra parte, se trata “Cuentos de Terramar” de una ópera prima, y en este aspecto no deja der ser recomendable. Hay que dejar tiempo para que los nuevos autores deslumbren.

SHERLOCK HOLMES de Guy Ritchie – 2009 – (“Sherlock Holmes”)

2010-03-26T13:29:00.000-07:00

Sherlock Holmes y su colega y amigo el Doctor Watson destrozan la conspiración de Lord Blackwood, un hombre misterioso que estaba realizando brutales crímenes rituales, y le envían a la horca. Sin embargo, Blackwood, aparentemente ejecutado, da señales de vida al poco tiempo y deja entrever que sus malignos y desconocidos planes todavía siguen adelante. Holmes y Watson emprenden una carrera contrareloj para descubrir qué se propone y para pararle los pies. Mientras, alguien más les observa en la sombra y traza sus propios planes... ¿A qué se están enfrentando ambos detectives?

Basándose en una adaptación de las aventuras de Sherlock Holmes para el cómic de Lionel Wigram, Guy Ritchie sale (por fin) de su amado pero ya muy manido género negro urbano para regalar una divertidísima y fresca revisión de los casos del detective inglés más famoso de la literatura que, al parecer, va constituir una nueva trilogía sobre su persona (por lo menos, una segunda parte sí que va a tener, porque ya está anunciada para el próximo 2011). Protagonizada por dos geniales y cargados de carisma Robert Downey Jr. y Jude Law, "Sherlock Holmes" presenta una trama completamente original que enfrenta a ambos investigadores a un villano inventado para la ocasión llamado Lord Blackwood (un solvente Mark Strong) mezclando sin prejuicios de ningún tipo la habitual trama de suspense e investigación y las conspiraciones demoníacas de auras masónicas con el cine de artes marciales y con el característico "toque" de su director, que no escatima en crear personajes "enrollados" y "cool" bastante estrambóticos, a los que, en este caso, coloca en una Londres oscura y gris pero igualmente "cool" que es, por supuesto, constántemente homenajeada. El detective de Arthur Conan Doyle es reinventado en una película cargada de acción con personalidad que esencialmente es divertidísima y que se pasa en un vuelo. Supongo que a muchos puristas de los queridos Holmes y Watson no les habrá hecho mucha gracia la nueva obra de Ritchie, pero estas mencionadas reinvenciones a veces suponen soplos de aire fresco que, de vez en cuando, los personajes clásicos merecen (sin son dados respetando su esencia más básica, lo que creo que el director de "Lock and Stock" y "Snatch", con licencias, hace).

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO de Sidney Lumet – 2008 – (“Before the Devil knows you’re dead”)

2010-03-21T09:01:00.000-07:00

Andy y Hank son dos hermanos de Nueva York muy distintos. El primero ha triunfado en el mundo inmobiliario y es rico, aunque su matrimonio marcha mal y es adicto a las drogas de diseño. El segundo es un perdedor que vive aplastado por su ex mujer, que, sin trabajar, vive de su dinero con la excusa de criar a la hija pequeña de ambos. Juntos, Andy y Hank planean un atraco perfecto, el atraco secreto a la joyería de sus propios padres, que les permitirá vivir desahogadamente durante años mientras además su familia cobra el dinero del seguro. Sin embargo, algo sale mal y la madre de ambos resulta herida de muerte… El drama se precipita irremisiblemente.

Es verdaderamente increíble que un director con más de ochenta años sea capaz de mantener la buena forma artística hasta del punto de poder dirigir hoy en día una obra maestra del calibre de “Antes que el Diablo sepa que has muerto”. Sidney Lumet volvió a las salas en 2008 con uno de los más grandes dramas negros de ese año y de su década. Una vez más, disecciona con agudeza, ingenio, ironía y lucidez las relaciones humanas dentro de la opresiva sociedad moderna por medio de un thriller en el que dos hermanos muy distintos destruyen, sin quererlo, a su propia familia poseídos por la ambición, que enmascara toda necesidad. Un soberbio Philip Seymour Hoffman da vida al mayor de ellos, triunfador y rico y también adicto a las drogas de diseño, y un igualmente genial Ethan Hawke hace lo propio con el menor, un perdedor monetariamente extenuado por una ex mujer parásita que sin trabajar vive de su dinero y por una hija pequeña caprichosa y desconsiderada. Les acompañan un sobrecogedor Albert Finney, que interpreta al padre de ambos, un pequeño empresario de joyería que desprecia a uno de sus descendientes mientras que idolatra al otro, y una también adecuadísima Marisa Tomei, que es la esposa florero insatisfecha del primer hermano que se acuesta con el segundo a sus espaldas. Un crimen va a destrozar las existencias de todos, un crimen planeado por los dos hijos de la familia que va a acabar con la vida de la madre, prácticamente el único ser inocente del filme. El juego de venganzas, traiciones y luchas parricidas se precipita y atrae a la violencia: nuevos asesinatos se ejecutan para tapar los anteriores; el de un aprovechado chulo que quería chantajear a los hermanos y el de un camello de lujo. La vuelta atrás ya es imposible, la familia ha sido hundida por la ambición y por el dinero. Lumet se mueve con una agilidad sin par y con una sobriedad cotidiana fría terrorífica por las vidas de todos los personajes avanzando sin cesar en el tiempo y construyendo un rompecabezas maravillosamente ideado para tener al espectador atado a la silla desde el primer momento hasta el descorazonador desenlace de la trama, verdaderamente terrible. “Antes que el Diablo sepa que has muerto” demuestra que este octogenario cineasta todavía tiene mucho, muchísimo que decir. Uno de los thrillers norteamericanos del 2008 sin ninguna duda (si no el thriller norteamericano de ese año).